El imperio de los sinsentidos

Don Giovanni sin chispa en Les Arts

2012-01-28T16:05:00.009+01:00

Los aficionados a la ópera somos un público peculiar si nos comparamos con quienes prefieren la música instrumental o los conciertos en los que no está presente el aspecto teatral, tanto en lo escénico como en lo argumental y en lo musical, que sí está presente en las obras pensadas para la escena. Comparativamente somos más apasionados, más vehementes, buscamos que surja esa chispa que nos inflame el espíritu y no nos conformamos con la simple corrección, antes disfrutamos con una interpretación imperfecta pero que en algún momento llegue a conectar con nosotros en un plano más emocional que intelectual. Pues bien, nada de eso sucedió ayer en el estreno de Don Giovanni, con una excepción puntual.

Los encargados de que no surgiera la chispa en ningún momento fueron, principalmente, un Zubin Mehta que se mueve entre el pentagrama mozartiano como un esquimal en el Sahara y un Jonathan Miller cuya labor se resume en una sola palabra: nada. Los cantantes, con la excepción del Don Ottavio de Korchak, tampoco ayudaron a levantar la función.

Zubin Mehta es un director extraordinario, qué duda cabe, y ayer dio prueba de ello consiguiendo sacar unas sonoridiades bellísimas de la orquesta y diseccionando la partitura como sólo un maestro puede hacerlo. Pero la música de Mozart es mucho más: es ritmo, es brío, es ligereza, es alegría, es ganas de vivir. Zubin Mehta no transmitió nada de eso. Además, su falta de visión de conjunto hizo que se echase en falta cierta coherencia entre números, pues la mayoría sonaron demasiado lentos (lo cual es una opción respetable, admirable incluso en manos de directores como Maazel), pero algunos no lo sonaron tanto e incluso otros sufrían de una excesiva aceleración sin que quedara claro por qué. Los cantantes sufrieron estos tempi caprichosos y se produjeron un buen número de desajustes entre el foso y las voces.

Jonathan Miller, por su parte, nos demostró que a veces menos es más: su versión de hace seis años, reducida a causa de un accidente que inutilizó gran parte del escenario, resultó más efectiva de lo que ha demostrado ser al completo. Tres paredes negras, dos bancos de madera en los extremos del escenario, donde contínuamente se sientan los cantantes (lo cual es una falta de respeto al público de los laterales, con visión parcial), un nulo trabajo de iluminación y una inexistente dirección de actores son los elementos que forman esta puesta en escena que hace parecer a la Carmen de Saura buena en comparación. Lo que en 2006 nos pareció una solución de emergencia resultó ser todo lo que había. O sea, nada. Muy merecidamente, Jonathan Miller recibió abucheos por parte de un público que, al menos en parte, demostró no ir sólo a la ópera a lucir visones, como él mismo dijo, sino también a abuchear a farsantes sin talento cuando tiene la oportunidad.

En cuanto a los cantantes, tanto el Don Giovanni de Nicola Ulivieri como el Leporello de David Bizic fueron correctos pero aburridos. Ninguno de los dos destacó por su fraseo, por sus dotes como actor o por poseer una voz extraordinaria. En todo caso, Bizic me pareció algo más interesante, pero entre un Mehta lentísimo y un Miller que le obligó a cantar el aria del catálogo sentado y casi sin poder moverse le impidieron brillar en su momento de mayor lucimiento, el aria del catálogo, que se convirtió en un catálogo de desajustes y entradas a destiempo. Sabemos, porque hace una semana pudimos verle en un vídeo de youtube, que es capaz de mucho más. Sobre Ulivieri, aburridísimo como actor (¿culpa suya o de Miller?) y poco interesante como voz, sólo diré que gracias a él ahora aprecio mucho más el trabajo de Erwin Schrott como Don Giovanni hace seis años.

Zerlina y Masetto fueron interpreados por Rosa Feola y Simon Lim respectivamente. Bien ambos, correctos ambos (mejor ella), pero sigue sin saltar la chispa, seguimos sin salir del gris monótono.

Saldremos, pero para peor, con la Donna Elvira de Sonia Ganassi, una cantante que ha hecho cosas interesantes en el pasado pero que ayer nos mostró una voz deteriorada y un fiato corto que le impedía mantener la línea de canto. Graves forzados y desimpostados (y por tanto, apenas audibles), agudos estridentes, cambios de color en la voz... Mejor, en mi opinión, fue la Donna Anna de la rusa Anna Samuil, aunque creo que muchos no compartirán este punto de vista, a juzgar por los comentarios que se oían durante el entreacto. Su voz no es especialmente grande ni especialmente bonita, pero resulta suficiente en ambos aspectos, algo que no afea un vibrato bastante notorio. Por arriba resulta algo estridente, como Ganassi, y en las agilidades no va muy sobrada, pero acaba sacando el papel adelante y lo hace con algo más de incisividad que todos los comentados anteriormente.

Finalmente, hubos dos cantantes que sí me convencieron del todo: Alexánder Tsymbalyuk, cuyo vozarrón de auténtico bajo ya había sonado anteriormente en Les Arts, causando siempre una buena impresión, y Dmitri Korchak, un tenor que me ha gustado siempre que lo he escuchado y que ayer cantó un Dalla sua pace magnífico, delicado, dominando las medias voces y sacando partido de su belleza tímbrica. Aquí sí, por fin, saltó la chispa, y sólo por eso y porque la música de Mozart es tan sublime que salva cualquier dificultad, valió la pena asistir anoche a este Don Giovanni.

Mención especial para el breve texto incluido en el programa de mano (ya era hora de que se incluyera algo que no fuera la sinopsis de la ópera y las biografías de los cantantes) en el que Helga Schmidt nos informa de que en el Palau de les Arts son ajenos a la "moda" (sic) de añadir florituras y adornos a las interpretaciones de Mozart y pretenden "mantener la pureza de la música de Mozart, respetando escrupulosamente la partitura". Dice que su intención es seguir la línea de maestros mozartianos como Furtwängler, Böhm y Karajan, lo que es una forma de decir que se pasan a Gardiner, Harnoncourt y Jacobs, entre otros, por el arco del triunfo. A mí me gusta mucho el Mozart de estos tres últimos, tanto que hasta soporto las voces imposibles que suele buscarse Jacobs para elaborar sus repartos, así que esta vuelta al pasado de doña Helga no me convence pero tampoco me extraña, teniendo en cuenta sus últimas declaraciones en las que defiende volver al repertorio más trillado para sortear la crisis. Lo que sí me sorprende es que intente vendernos ese retorno al Mozart decimonónico vienés como una lectura depurada y respetuosa de la partitura, cuando lo cierto es que para ser de verdad respetuoso al cien por cien haría falta contar con instrumentos originales y ofrecer una de las dos versiones de la partitura que se estrenaron en tiempos de Mozart, la de Praga (sin las arias Dalla sua pace y Mi tradì quell'alma ingrata) o la de Viena (sin Il mio tesoro y con el añadido del dúo entre Leporello y Zerlina Per queste tue manine). Jacobs, sin ir más lejos, ofrece la versión de Praga en sus grabaciones en CD y DVD. No es que me parezca mal fundirlas, es más, me parece muy bien porque prefiero tener las dos arias de Don Ottavio y prescindir del dúo Per queste tue manine, pero entonces la tan cacareada pureza y el respeto a la partitura ya no existen, diga Helga lo que diga, y lo que se interpreta es una versión manipulada del original mozartiano.

Preparando el Don Giovanni de Les Arts

2012-01-24T00:01:00.001+01:00

El próximo viernes 27 se estrena en el Palau de Les Arts una nueva producción de la ópera Don Giovanni de W. A. Mozart. Bueno, nueva o no tan nueva, ya que esta misma producción de Jonathan Miller se debió ofrecer en la primer temporada del teatro valenciano (2006) pero, debido a una avería en la plataforma móvil del escenario, lo que se ofreció fue una versión mutilada y sin decorados. El precio de las entradas, en cambio, no sufrió ningún tipo de mutilación, mira qué cosas. Quien sí que debe haber sufrido una mutilación en el cerebro es Jonathan Miller, porque si no no se explica uno como es capaz de decir las tonterías que dice en esta entrevista.

Con el fin de ir preparándonos para lo que nos espera voy a recuperar una antigua costumbre de este blog y a enlazar una serie de vídeos en los que escucharemos a los que van a ser los intérpretes de este Don Giovanni.

Empezamos con el director, Zubin Mehta. Desde que protagonizó el estreno del Palau de les Arts dirigiendo la ópera Fidelio de Beethoven, esta es su segunda aparición fuera del Festival del Mediterràni que tiene lugar al final de cada temporada. Sabemos de sobra cuál es el estilo de dirección de Mehta, y también sabemos que es un director bastante polivalente, pero ¿cómo sonará su Mozart? Pues, a juzgar por el siguiente vídeo, sonará rápido y en fortissimo. Ningún problema por mi parte si suena rápido, que conste; el Mozart pesante y romanticón nunca ha sido de mi agrado. Escuchamos el finale del primer acto de Don Giovanni con Zubin Mehta dirigiendo a la orquesta de la Ópera Estatal de Viena con motivo del 50 aniversario de su reapertura. Los cantantes son Thomas Hampson (Don Giovanni); Ferruccio Furlanetto (Leporello); Edita Gruberova (Donna Anna); Soile Isokoski (Donna Elvira); Michael Schade (Don Ottavio); Ildiko Raimondi (Zerlina) y Boaz Daniel (Masetto).

Vídeo de RestlessRusalka

El elegido para el papel protagonista es Nicola Ulivieri, un bajo barítono italiano en activo desde 1993 que ha basado su carrera hasta el momento en Mozart y Rossini. Parece más barítono que bajo, algo que en este papel me parece positivo y que le asemeja al Don Giovanni que tuvimos en el 2006, un por entonces poco conocido Erwin Schrott que realizó una muy buena interpretación, aunque en algunos momentos estuvo algo pasado de rosca. Escuchemos a Nicola Ulivieri cantando el dúo La ci darem la mano junto a la Zerlina de Chelsey Schill.

Vídeo de silola7

Como Leporello tenemos al joven barítono serbio David Bizic, cuya carrera, tras unos años cantando en teatros menores, está empezando a despegar. Sus compromisos para esta temporada incluyen, además de la de Les Arts, visitas a la ROH, Opéra Bastille y Deutsche Oper entre otros teatros. Le escuchamos cantando el aria del catálogo.

Vídeo de drvarska

Anna Samuil, soprano rusa cuyo trabajo más conocido hasta la fecha es la Tatiana del Eugene Onegin dirigido por Barenboim (editado en DVD) será nuestra Donna Anna. Hace unos años, maac nos habló de ella en su blog. Vamos a escucharla cantando el rondó Non mi dir, bell'idol mio junto al Don Ottavio de Michael Schade.

Vídeo de Duci3834

En el papel de Donna Elvira se turnarán dos mezzos. La primera, a la que podremos escuchar el día del estreno, es la conocida belcantista Sonia Ganassi, a quien escucharemos cantando el aria Quant'è grato all'alma mia, de la ópera Elisabetta, Regina d'Inghilterra de Rossini, en la que el oyente avispado descubrirá un parecido nada disimulado durante unos compases con la celebérrima Una voce poco fa del Barbiere.

Vídeo de DieVogelQDU

La segunda Donna Elvira será la australiana Caitlin Hulcup, habitual de la Ópera Estatal de Viena, a quien escucharemos cantando el aria Amid A Thousand Racking Woes, de la ópera Artaxerxes de Thomas Arne (el autor de Rule, Britannia!).

Vídeo de PalmideArtaserse

Nuestro Don Ottavio será el tenor ruso Dmitri Korchak, a quién lamento no haber podido escuchar en la reciente Cenerentola. Tengo muchas ganas de ver qué tal lo hace cantando este papel, algo ingrato en lo argumental pero con dos arias preciosas. Escuchémosle cantando Dalla sua pace en un recital de hace poco más de un año.

Vídeo de cygankvao

Completarán el reparto la Zerlina de Rosa Feola, de la que se puede escuchar alguna cosa (poca) en youtube, el Commendatore de Alexánder Tsymbalyuk y el Masetto de Simon Lim, ya conocidos en Les Arts.

Canciones encadenadas XXIV: Agua

2012-01-16T00:05:00.001+01:00

Hace un mes escuchamos una serie de canciones que acababa con los Violent Femmes cantando Jesus Walking On The Water, lo que nos dio pie a seguir con más canciones en las que apareciese el líquido elemento.

La primera de la lista acuática la trae Maac: Derribos Arias y su Branquias bajo el agua.

Vídeo de CAPITALISTagenda

A continuación, Allau eligió la canción Cool Water de Bob Nolan , en la versión de Joni Mitchell y Willie Nelson.

Vídeo de PioneerSon

Kalamar se sale de la música pop y opta por la banda sonora de On The Waterfront, de Leonard Bernstein.

Vídeo de kimbabwapodo

La elección de Teresa es Al mar, la canción que lanzó a la fama a Manel.

Vídeo de Carduret

José Luis eligió a James Taylor con su canción The Water Is Wide.

Vídeo de lombardotkd

Alfredo nos trae el clásico de Simon & Garfunkel Bridge Over Troubled Water.

Vídeo de KarmicOmen

Barbebleue, muy hábilmente, nos trae Smoke On The Water de Deep Purple, una canción que, aparte de tener el riff definitivo del rock and roll, menciona en su letra a nuestro adorado Frank Zappa. ¿Se puede pedir más?

Vídeo de oiesoudou

Atticus se nos pone tropical y elige Agua de beber, de Antonio Carlos Jobim y Vinicius de Moraes, cantada por Astrud Gilberto.

Vídeo de jrrylpz

Glòria también elige una canción brasileña pero en su versión italiana: Mina canta La pioggia di marzo, de Tom Jobim.

Vídeo de gelido95

Joaquim nos recuerda a la olvidada Teresa Rebull con su Dona d'aigua.

Vídeo de jasabet2

La elección de Assur es Anells d'aigua, de Maria del Mar Bonet.

Vídeo de timurturkan

Y mi elección, con la que cerramos este eslabón de la cadena, es Cold Water de Tom Waits, un blues de manual.

Vídeo de krazimuffin

Ya que estamos en invierno y que parece que las temperaturas han decidido por fin ponerse de acuerdo con el calendario (o eso dicen las previsiones), y dado que la palabra water ya está gastada, vamos a seguir jugando con la otra palabra del título de la canción de Tom Waits: cold, o sea, frío. Espero vuestras canciones frías para continuar encadenando.

Auf Flügeln des Gesanges

2012-01-05T01:20:00.004+01:00

A mí, ya lo sabéis, me gusta mucho la música experimental, que muchas veces apela más a lo intelectual que a lo sentimental y que busca despertar en el oyente sensaciones que no tienen por qué ser necesariamente agradables. Pero dado que la vida se va pareciendo cada vez más a una escena de Wozzeck o de Lulu, he pensado que este año voy a pedirles a los Reyes Magos que nos traigan a todos un medio para intentar evadirnos de nuestros problemas cotidianos, aunque sólo sea por unos minutos: la belleza. Y por si, embrutecidos por las muñecas con pintas de poligonera, los CDs de reguetón y tantas otras porquerías como les toca traer, los Reyes se han olvidado de qué es la belleza, se lo recordaremos con ayuda de Felix Mendelssohn y Victoria de los Ángeles.

Auf Flügeln des Gesanges (Sobre las alas del canto) es el lied más famoso de Mendelssohn. Fue compuesto en un período de alegría, tras haber dejado atrás unos años difíciles, partiendo de un poema del poeta romántico Heinrich Heine en el que se habla de la capacidad que tiene la música para transportarnos a mundos mejores. Os dejo la letra en su versión original alemana y traducida al castellano y el vídeo de la gran Victoria de los Ángeles, que siempre es una garantía de belleza.

Auf Flügeln des Gesanges,
Herzliebchen, trag ich dich fort,
Fort nach den Fluren des Ganges,
Dort weiß ich den schönsten Ort;

Dort liegt ein rotblühender Garten
Im stillen Mondenschein,
Die Lotosblumen erwarten
Ihr trautes Schwesterlein.

Die Veilchen kichern und kosen,
Und schaun nach den Sternen empor,
Heimlich erzählen die Rosen
Sich duftende Märchen ins Ohr.

Es hüpfen herbei und lauschen
Die frommen, klugen Gazelln,
Und in der Ferne rauschen
Des heilgen Stromes Well'n.

Dort wollen wir niedersinken
Unter dem Palmenbaum,
Und Liebe und Ruhe trinken,
Und träumen seligen Traum.

Sobre las alas del canto,
amada de mi corazón,
te conduzco hacia los prados del Ganges,
donde conozco el lugar más hermoso.

Allí hay un jardín con flores rojas
en el sereno claro de luna;
las flores de loto esperan
a su querida hermanita.

Las violetas sonríen y hablan graciosas
y miran hacia las estrellas;
secretamente se narran las rosas
perfumados cuentos al oído.

Llegan saltando y escuchan las piadosas,
inteligentes gacelas;
y en la lejanía murmuran
las olas del sagrado río.

Allí queremos postrarnos
debajo de la palmera
y beber amor y sosiego
y soñar un sueño feliz.

Vídeo de c1wang

Gogol Suite de Alfred Schnittke: valses y polcas para el año nuevo

2012-01-01T00:01:00.002+01:00

Es tradición empezar el año escuchando valses y polcas, pero en este blog nunca hemos sido muy aficionados a la música de la familia Strauss, así que optaremos por un par de valses y una polca de un autor que ya nos ha visitado otras veces y se ha convertido en uno de nuestros iconos. Lo cual dice muy poco en nuestro favor, seguramente. Me estoy refiriendo a Alfred Schnittke, un compositor de nacionalidad rusa, etnia alemana y un inquietante parecido con Michael Douglas.

En 1980, Schnittke puso música a una obra de teatro experimental basada en la obra literaria de Gogol. Esos fragmentos fueron recuperados posteriormente bajo el nombre de Gogol Suite. Lo cierto es que no deja de ser música de acompañamiento, que al carecer de su complemento teatral queda algo coja. Está muy lejos de ser una obra maestra, pero cumple su función como creadora de atmósferas inquietantes, y a nosotros nos va a servir para dar la bienvenida al año 2012.

Empezaremos con el tercer movimiento, un tiempo de vals titulado El retrato. Escuchamos a la Orquesta Sinfónica del Estado Ruso dirigida por Valery Poliansky.

Vídeo de anaklasis

Lo que escuchamos ahora es una versión polkística y camerística del cuarto movimiento de la suite, titulado El abrigo, a cargo de Gidon Kremer y Kremerata Baltica.

Vídeo de Foeniculum01

Y por último, el séptimo movimiento, otro vals, titulado El baile. Los intérpretes son los mismos que en el primer vals.

Vídeo de anaklasis

Sonata Natalis, de Pavel Josef Vejvanovský

2011-12-23T00:04:00.004+01:00

Pavel Josef Vejvanovský (1633-1693) fue un compositor y trompetista checo cuya obra, muy conocida en su época, cayó en el olvido durante tres siglos hasta que el descubrimiento de una colección de partituras en el palacio de Kromeriz (concretamente en un archivo que él mismo había fundado en el siglo XVII) la volvió a situar en el panorama musical.

Hijo de un soldado a sueldo del obispo de Olomouc, nacido en plena Guerra de los Treinta Años y criado en el castillo de Hukvaldy, no es de extrañar que Vejvanovský se decantase por un instrumento tan marcial como la trompeta, que pronto llegó a dominar. El obispo de Olomouc, su primer patrón, lo mandó a Viena para que mejorara su técnica y posteriormente lo incorporó a su orquesta del palacio de Kromeriz, donde pasó toda su vida componiendo obras sacras y profanas y dirigiendo tal agrupación.

Aunque se estima que compuso más de 200 obras, sólo la mitad se conservan. En ellas destacan los ecos de las melodías eslavas, mezclados con las formas barrocas predominantes en la época.

Escucharemos, en la interpretación de Virtuosi Saxoniae y Ludwig Güttler a la trompeta, la Sonata Natalis o sonata de Navidad de Vejvanovský, lo que me sirve para desearos a todos una...

¡¡FELIZ NAVIDAD!!

Vídeo de redbrian3655

Paul Le Flem: Fantaisie pour piano et orchestre

2011-12-13T00:24:00.002+01:00

Paul Le Flem (1881-1984) es un autor poco conocido, tan poco que yo lo acabo de conocer hace un rato, pero está relacionado con nombres mucho más célebres: fue alumno de Vicent d'Indy y de Albert Roussel en la Schola Cantorum de París, devoto de las obras de Debussy y Rimski-Korsakov, defensor de Igor Stravinski y Darius Milhaud en su faceta de crítico musical y posteriormente profesor de Erik Satie, Edgar Varèse y André Jolivet en la misma institución donde había estudiado años atrás.

Vamos a escuchar su Fantaisie pour piano et orchestre, de 1911. En esta obra podemos escuchar melodías del folklore de Bretaña, región natal de Le Flem, flotando entre las olas del impresionismo musical debussiano, todo ello barnizado por la fina elegancia parisina. Los intérpretes son Marie-Catherine Girod al piano y Claude Schnitzler dirigiendo la orquesta.

Vídeo de collectionCB

Canciones encadenadas XXIII: Jesús

2011-12-02T00:10:00.002+01:00

Esta nueva edición del juego de las canciones encadenadas está dedicada a Jesús, del que podrímos decir, parafraseando a Homer Simpson, que es nuestro personaje de ficción favorito, aunque lo cierto es que no lo es. El favorito, quiero decir.

Allau empieza la serie con la Velvet Underground y su Jesus.

Vídeo de witheyesclosed

Kalamar elige su canción favorita del musical Jesus Christ Superstar de Andrew Lloyd Weber, que también es la mía: Heaven on Their Minds, interpretada por Carl Anderson en el papel de Judas.

Vídeo de RICBNH

Josep elige Cry Out to Jesus, de Third Day. Debo confesar que no conocía ni la canción ni a sus intérpretes.

Vídeo de ThirdDayVEVO

José Luis expía sus pecados de entradas anteriores (lo que resulta muy apropiado, dada la temática de la actual) con Jessye Norman cantando Give Me Jesus.

Vídeo de LEGENDSOFTHEROD1

La elección de Joaquim es Personal Jesus, de Depeche Mode, que escucharemos en una interpretación en directo.

Vídeo de deepblackful

Si José Luis lavaba sus pecados con Jessye Norman, Atticus cae de lleno en el vicio y la perdición de la mano de Raphael y su híbrido entre Le llaman Jesús y Aleluya del silencio.

Vídeo de SirPetterLily

Teresa opta por una de las opciones que yo estaba barajando: Tom Waits y su Chocolate Jesus.

Vídeo de glaucomalagoli

La elección de maac es Imitation of Christ, de Psychedelic Furs, a quienes veremos en una actuación en el programa de TVE La edad de oro.

Vídeo de videodeoro

Barbebleue vuelve a traer por aquí a Frank Zappa, lo cual está muy bien, sobre todo si es con canciones como esta, que son geniales incluso en su título: Jesus Thinks You're a Jerk.

Vídeo de GandalfDaBlack

Y mi elección, con la que cerramos esta entrada, está sacada de La edad de oro, al igual que la de maac: los Violent Femmes cantando Jesus Walking On The Water, con solo de bajo acústico incluido.

Vídeo de kigonjiro

Para la próxima edición del juego de las canciones encadenadas buscaremos aquellas que hagan referencia al agua sobre la que Jesús tenía la costumbre de caminar, según dicen la Biblia y los Violent Femmes.

Boris Godunov en Les Arts

2011-11-21T22:20:00.002+01:00

No hay ópera más apropiada para una noche electoral, especialmente si esta nos deja una mayoría absolutísima con aclamación popular, que Borís Godunov, y quiso el destino que fuera esta la obra programada para ayer en el Palau de les Arts. Hay que decir que la versión elegida fue la original de 1869, a la que misteriosamente se le ha añadido la escena del bosque de Kromy pero no el acto polaco. La quinta de las seis funciones de esta obra tuvo tanto éxito como las anteriores, a pesar de verse marcada por la cancelación a última hora del director titular de la Orquestra de la Generalitat Valenciana, Omer Meir Wellber, a causa de una indisposición. Su asistente, Carlo Goldstein, tuvo que enfrentarse a la partitura de Modest Músorgski, lo cual no es tarea fácil, y el resultado fue muy bueno. Los miembros de la orquesta supieron agradecer su esfuerzo con numerosas muestras de cariño. No puedo comparar la labor de Goldstein con la de Wellber (quienes pueden apuntan a que éste último tiene más tendencia a subir el volumen orquestal), ni sé hasta qué punto lo que se escuchó es mérito de Wellber o de Goldstein, sólo puedo congratularme de que la orquesta siga sonando tan bien como en temporadas anteriores, lo que la sitúa muy por delante de cualquier orquesta a muchos kilómetros a la redonda.

Si es destacable el nivel de la orquesta, qué decir del Cor de la Generalitat Valenciana, que tiene en esta ópera una gran oportunidad para lucirse, pues a las exigencias musicales se suma el protagonismo del pueblo ruso al que representan en la trama de la obra. En todos los aspectos, en lo canoro y en lo actoral, supieron dar la talla y se conviertieron en los principales artífices del éxito de la obra. Muy bien también la Escolania de la Mare de Déu dels Desamparats y los Pequeños Cantores de Valencia.

De entre los cantantes solistas, cabe destacar a Orlín Anastassov, jóven bajo-barítono búlgaro que carece de una voz atronadora de auténtico bajo pero que sabe sacar partido a su material, bello aunque excesivamente baritonal, y a pesar de unos graves resueltos de aquella manera, dota al personaje protagonista de los matices necesarios para crear una figura patética. Quizá por la adecuación idiomática, quizá porque va madurando y mejorando, es esta con mucho la mejor de las interpretaciones que le hemos visto en Les Arts y probablemente sea difícil hoy por hoy encontrar quien pueda hacerle sombra en este papel.

También me gustó mucho Vladímir Matorin como Varlaam, pues a pesar de la edad y de utilizar todos los trucos del mundo, la suya fue la única voz de bajo eslavo, profundo y oscuro, que se oyó en Les Arts ayer. A esto se le suma una excelente interpretación de Varlaam, un personaje que le viene como anillo al dedo y del que sabe sacar todo su jugo sin caer en la caricatura ni en lo grotesco.

Nikolai Schukoff, un tenor con un futuro prometedor, cantó muy bien el papel de Grigori, aunque la ausencia del acto polaco nos privó de lo que podría haber sido su momento de lucimiento. A destacar también la Xenia de Ilona Mataradze, que cantó muy bien su breve intervención.

Me gustó menos el Pimen de Alexánder Morozov, correcto aunque intrascendente. La voz de Morozov es en exceso lírica, al igual que la de Anastassov, pero no comparte ni la belleza tímbrica ni la capacidad de frasear del búlgaro. Tampoco Arnold Bezuyen pasó de la corrección en el papel de Shúyski, aunque hemos de reconocer que es un papel difícil y que alcanzar la corrección ya es un logro.

Desgraciadamente, Andréi Zorin no supo sacar partido del papel del idiota ("demente", según el librito que se reparte en el Palau de les Arts), un personaje importantísimo en el devenir de la obra, al que no supo dotar de la entidad suficiente. Lo cierto es que no es la suya una voz con la que se puedan hacer grandes cosas y además se vió perjudicado por la absurda decisión del director de escena de convertir en ciego a su personaje, lo que impide que pueda mirar a los ojos del zar cuando le dice lo que todos piensan y sólo él, desde su locura, se atreve a pronunciar.

Todos los papeles menores, que son muchos, fueron cantados con corrección, aunque poco se puede decir de sus breves intervenciones. Eso sí, hay que destacar el acierto de elegir a un niño para cantar el papel de Fiódor, el hijo y heredero de Borís, pues su presencia sobre las tablas añade credibilidad a las escenas en las que interviene y nos ayuda a entender la angustia de su padre en la última escena, cuando le cede un poder que excede la capacidad de un niño y que, bien lo sabe, puede costarle la vida (como de hecho ocurrió unos años más tarde).

Por último, la puesta en escena de Andréi Konchalovski fue un acierto en su conjunto, con pequeños detalles positivos y alguno negativo aquí y allá que no empañan el resultado global. Está basada en el ya habitual concepto de escenario minimalista y atemporal junto con vestuario tradicional y preciosista que parece contentar a todo el mundo (el mismo que, sin salir de Les Arts, vimos en el Fidelio de Pier'Alli, el Simon Boccanegra de Lluís Pasqual, el Don Carlo de Graham Vick...). Una pared monocroma y un plano inclinado (en realidad una plataforma móvil que va basculando por segmentos durante la obra, muchas veces durante las escenas, lo que no deja de ser un espectáculo) componen la base sobre la que, a partir de determinados detalles, hemos de imaginarnos el monasterio de Novodévichi, la plaza del Kremlin, el palacio del Zar... Algunos de estos detalles ambientales son un acierto (el ojo del icono que observa a Borís cuando dice que su crimen nunca podrá ser perdonado, la caída del trono cuando muere); otros resultan insuficientes (ni la posada parece una posada, ni el bosque de Kromy parece un bosque) y otros son hasta ridículos (la cámara de torturas que aparece durante unos segundos bajo el trono de Borís, la lámpara votiva/botafumeiro/brasero volador durante la escena del bosque, cuando un bosque no es lugar para lámparas, botafumeiros ni braseros voladores). Como ya he dicho, no me gustó la caracterización del idiota como ciego, pero sí me gustó la de Shúyski y la de Fiódor, pues se ayuda al espectador a reconocer al conspirador y a su futura víctima.

En resumen, una buena función con un nivel medio muy alto y que marca la línea que debería seguir el Palau de les Arts en tiempos de crisis: repartos correctos con nombres discretos para abaratar costes y máximo aprovechamiento de los cuerpos estables con obras que permitan su lucimiento.

Boris Godunov sintetizado por Stokowski

2011-11-17T00:10:00.000+01:00

Leopold Stokowski fue un gran director, un revolucionario en la técnica de dirección (sin batuta) y el creador de lo que se ha dado en llamar el "sonido Filadelfia" (debido a la que fue su orquesta durante veinticinco años, la Philadelphia Orchestra). Además de todo eso, es conocida su labor como orquestador, arreglista y transcriptor de piezas de otros compositores. Los historicistas recordarán con horror sus versiones anabolizadas de obras de Bach, y los wagnerianos sus síntesis sinfónicas de Parsifal, el Anillo y otras óperas, en las que las voces eran sustituidas por las cuerdas o por instrumentos solistas. Pues bien, no fue solo Wagner quien le proporcionó material para sus síntesis, también la ópera Boris Godunov de Modest Músorgski fue sintetizada por el director británico-estadounidense.

Stokowski era un experto orquestador y conocía bien la obra de Músorgski (había dirigido el estreno de Boris Godunov en los EEUU y compuesto orquestaciones propias para Noche en el Monte Pelado y Cuadros de una exposición) y aunque estos pastiches no son algo que me apasione, lo cierto es que la orquestación es buena, el sonido espectacular y la dirección muy teatral. En resumen, que vale la pena escuchar la síntesis e ir descubriendo las melodías de la escena de la coronación, la canción de Varlaam, la muerte de Boris... mientras gozamos del "sonido Filadelfia".

Vídeo de 2ndviolinist

George London canta la muerte de Boris Godunov

2011-11-10T00:35:00.001+01:00

Buscando distintas interpretaciones de la ópera Boris Godunov de Músorgski para preparar mi próxima visita al Palau de les Arts me he encontrado con un vídeo en el que el bajo-barítono canadiense George London cantaba la escena de la muerte de Boris en inglés. London es un cantante que me gusta mucho, pero Boris Godunov en inglés suena raro, rarísimo. Las frases parecen metidas con calzador, y aunque es curioso lo que se siente al entender lo que está cantando (a destacar su excelente dicción), las piezas no acaban de encajar. Si queréis comprobarlo, AQUÍ podéis ver el vídeo en cuestión.

Escuchándolo, uno no puede dejar de lamentar que no esté cantando la escena en ruso. Al fin y al cabo, George London era hijo de judíos rusos exiliados y algo de ruso sabría, supongo. Afortunadamente, una búsqueda rápida me ha llevado al siguiente vídeo, que os dejo aquí para que disfrutéis tanto como yo lo he hecho con la voz y la interpretación de George London. Es impresionante la intensidad que es capaz de transmitir a pesar de ser una escena suelta interpretada como parte de un concierto. Dirige la orquesta, muy bien, por cierto, Jean Morel.

Vídeo de TheGreatPerformers

La verdad sobre el caso Savall

2011-10-31T00:52:00.000+01:00

No gustará a los fans de Jordi Savall, pero debo reconocer que me he hartado de reir.

Vídeo de Tovardorliska

Canciones encadenadas XXII: Médicos, enfermedades y medicinas

2011-10-21T00:25:00.001+02:00

En esta edición del juego de las canciones encadenadas vamos a escuchar canciones relacionadas con médicos, hospitales, enfermedades, medicamentos y similares.

El primero en proponer una canción es Alfredo, y su elección es Doctor Jimmy, de la segunda ópera rock de The Who, Quadrophenia. La escucharemos unida a Is it me?, tal y como viene en el disco.

Vídeo de red777photo

Atticus opta por Medical Love Song, de los Monty Python. No en vano Graham Chapman era médico y a juzgar por esta canción, sabía bastante sobre enfermedades de transmisión sexual.

Vídeo de KloubOsama

La elección de José Luis es Señor doctor, de Los Payos.

Vídeo de monre1949

Teresa elige un sirtaki cantado por Maria del Mar Bonet: Per Hipòcrates. Sí, el del juramento.

Vídeo de sexenni

La canción que ha elegido maac, si no me equivoco, es la segunda vez que aparece por aquí. Se trata de The Sword of Damocles, de Lou Reed. Una canción dura sacada del duro disco Magic and Loss.

Vídeo de donnyv78

Assur elige la canción Je suis malade, pero no cantada por Serge Lama, sino por Lara Fabian.

Vídeo de EyeLook2U

La elección de Barbebleue es Why does it hurt whwn I pee?, sacada del maravilloso Joe's Garage de Frank Zappa, un disco imprescindible.

Vídeo de RakyMaky

La canción elegida por Kalamar es una de esas canciones que, a pesar de su uso y abuso, no pierden su frescura y su punto picante: Sexual Healing, de Marvin Gaye.

Vídeo de redesonica

Vuelven The Who, esta vez con su Doctor, doctor de la mano de Baltolkien.

Vídeo de Grafietstift

Y cerramos con mi elección, Novocaine for the soul, de los Eels.

Vídeo de xXxthe0wnz74

Los versos más gloriosos de esta canción dicen "Life is white / And I am black / Jesus and his lawyer / Are coming back". Buscaremos para la próxima entrega canciones en las que aparezca Jesús, ese simpático personaje de ficción.

Klemperer, Mendelssohn y Beethoven

2011-10-08T01:13:00.002+02:00

A principios de los años 50, el famoso director Otto Klemperer firmó un contrato con la discográfica británica Vox para grabar, entre otras obras, la quinta sinfonía de Beethoven. El fundador de dicha discográfica era George Mendelssohn-Bartholdy, descendiente de la familia a la que perteneció el famoso compositor Felix Mendelssohn (y otros muchos personajes célebres: el filósofo Moses Mendelssohn, el químico y fundador de AGFA Paul Mendelssohn, el magnate de la construcción alemán Heinrich Mendelssohn...).

Klemperer fue un día a entrevistarse con George Mendelssohn con la intención de mostrarle su enfado por la deficiente labor de distribución de sus discos. Para convencerle de que esto era así, fueron juntos a una tienda de discos londinense a intentar comprar la grabación de la quinta de Beethoven que acababan de publicar. El dependiente que les atendió, dándole la razón a Klemperer en sus protestas, les dijo que no tenía ese disco, pero que tenía otras versiones dirigidas por Toscanini y por Ormandy. Ante la insistencia de los clientes preguntando por la versión de Klemperer, el dependiente preguntó -¿Y por qué la quieren dirigida por Klemperer?- a lo que el aludido contestó -Porque yo soy Klemperer.

-Sí, claro- dijo el vendedor con sarcasmo-, y supongo que su amigo será Beethoven.

-¡No! -replicó Klemperer -¡Es Mendelssohn!.

Escuchemos la grabación que motivó esta anécdota. En su día fue criticada por su mal sonido (Vox era una compañía de bajo presupuesto y posiblemente el prensado de sus discos dejase mucho que desear), pero el genio de Klemperer está ahí. Algo lento y excesivamente cuadriculado para mi gusto, pero de una calidad indudable.

Vídeo de otterhouse

El solitario en otoño

2011-10-01T00:18:00.002+02:00

El solitario en otoño (Der Einsame im Herbst) es el segundo movimiento de La Canción de la Tierra (Das Lied von der Erde), ciclo de canciones en forma de sinfonía de Gustav Mahler en el que el autor pone música a antiguos poemas chinos. En el caso de la canción que nos ocupa, la letra procede de un poema de Chang Tsi (710-782), poeta de la Dinastía Tang, y su traducción, según la wikipedia, es la siguiente:

Las nieblas otoñales ondean, azules, sobre el mar;

toda la hierba se cubre de escarcha;

se diría que un artista ha extendido polvo de jade

sobre las delicadas flores.

El dulce perfume de las flores se ha evaporado;

un viento frío dobla los tallos.

Pronto flotarán las mustias y doradas hojas

de las flores de loto sobre el agua.

Mi corazón está cansado. Mi pequeña linterna

se apaga crepitando, y me hace pensar en el descanso.

¡Voy hacia ti, querido último lugar de reposo!

¡Sí, dame tranquilidad, necesito tanto alivio!

Lloro muchísimo en mi solitud.

El otoño perdura demasiado en mi corazón.

Sol del amor, ¿ya no quieres brillar más

para secar tiernamente mis amargas lágrimas?

Escuchamos El solitario en otoño tal y como lo cantó Christa Ludwig en 1974, con Leonard Bernstein dirigiendo a la Orquesta Filarmónica de Israel.

Vídeo de Tokkemon

Para quienes prefieran la versión para barítono, aquí tenemos a Thomas Hampson y la Gustav Mahler Jugend Orchester dirigidos por Bernard Haitink en 1995.

Vídeo de leff56

Variaciones sobre el tema "La Vaca Lechera", por Juan Lémann

2011-09-21T00:03:00.001+02:00

La casualidad no será el método más efectivo para descubrir nuevas obras interesantes, pero sí el que menos esfuerzo requiere y, por tanto, mi favorito. Por casualidad fue como descubrí al compositor y pianista chileno Juan Lémann (Vendôme, Francia, 1928-Santiago de Chile,1998) y lo hice a través de una obra que, como bien sabréis si seguís habitualmente el blog, no podía sino despertar mi entusiasmo. ¿Por qué? Porque es una broma. Una broma mayúscula, y no una broma fina, irónica, elegante y chispeante, no. Una broma de las de verdad, de las que hacen gracia. Lémann,que acabaría siendo un respetable profesor de piano, vicedecano de la Facultad de Ciencias y Artes Musicales de la Universidad de Chile y una figura importante en el mundo musical latinoamericano, compuso siendo un estudiante en 1947 sus Variaciones sobre el tema "La Vaca Lechera" para piano, las cuales interpretó por primera vez en un concierto celebrado en 1952 con el noble propósito de sacarse un dinerito para financiar un viaje de estudios. En las variaciones, Lémann imita el estilo de varios compositores célebres, así como los ritmos del tango, las danzas húngaras, el jazz y la música oriental. Me encanta. Y no debo ser al único: hay un grupo de Facebook con 111 seguidores (yo entre ellos) dedicado a esta obra y del cual he sacado los vídeos que podéis disfrutar a continuación con la interpretación del propio Juan Lémann. También podéis despreciarlos con gesto altivo, compadeceros de mi candidez o intentar comprender cómo puede haber quien disfrute con algo tan banal si lo preferís, que sobre gustos no hay nada escrito. O mejor, sí lo hay, pero no me apetece leerlo, prefiero escuchar "La Vaca Lechera" y sus 14 variaciones.

TEMA:

1ª VARIACIÓN: JOHANN SEBASTIAN BACH

2ª VARIACIÓN: GEORG FRIEDRICH HÄNDEL

3ª VARIACIÓN: MINUETO AL ESTILO BARROCO

4ª VARIACIÓN: WOLFGANG AMADEUS MOZART

5ª VARIACIÓN: LUDWIG VAN BEETHOVEN, "MARCHA FÚNEBRE"

6ª VARIACIÓN: FRÉDÉRIC CHOPIN - JOHANNES BRAHMS, "LA VACA ROMÁNTICA"

7ª VARIACIÓN: CLAUDE DEBUSSY, "LA VACA SUMERGIDA"

8ª VARIACIÓN: SERGÉI PROKÓFIEV, "PEDRITO Y LA VACA"

9ª VARIACIÓN: ÍGOR STRAVINSKI

10ª VARIACIÓN: VACA AL ESTILO CONTEMPORÁNEO

11ª VARIACIÓN: LA VACA LECHERA EN ARGENTINA

12ª VARIACIÓN: LA VACA EN ESTADOS UNIDOS

13ª VARIACIÓN: UNA VACA EN CHINA

14ª VARIACIÓN: VACA HÚNGARA

Vídeos de lorseisdedos

Charles Ives: Central Park in the Dark

2011-09-12T23:24:00.001+02:00

Hace poco más de un año traje al blog la obra de Charles Ives The Unanswered Question, cuyo título completo es, en realidad, A Contemplation of a Serious Matter or The Unanswered Perennial Question. Hoy traigo la otra pieza que la complementa en el ciclo Two Contemplations y cuyo título es Central Park in the Dark. En realidad su título también es un poco más largo: A Contemplation of Nothing Serious or Central Park in the Dark in ‘The Good Old Summer Time’. Ambas piezas fueron compuestas en 1906.

En palabras de Charles Ives, esta pieza pretende ser un retrato sonoro de los sonidos de la naturaleza y de los acontecimientos que se escucharían hace algo así como treinta años (antes de que el motor de combustión y la radio monopolizaran la tierra y el aire) mientras se estaba sentado en un banco de Central Park en una calurosa noche de verano.

Ives especificó que los instrumentos de la orquesta de cámara para la que está compuesta la pieza debían disponerse en dos grupos separados entre sí. Dichos instrumentos incluyen dos pianos, que según el autor deberían ser una pianola y un piano de cola. A cada uno de los instrumentos se le asigna un papel en este retrato de Central Park:

Las cuerdas representan los sonidos nocturnos y la silenciosa oscuridad -interrumpida por los sonidos del Casino al otro lado del estanque- de los cantantes callejeros que vienen del Circle cantando, aquí y allí, las melodías de esos años- de algunos "búhos nocturnos" de Healy's silbando lo último de los Freshman March- los "elevados ocasionales", un desfile callejero, una "avería" en la distancia- de vendedores de periódicos gritando "uxtries"- de pianolas manteniendo una guerra de ragtime en el piso "sobre la tapia del jardín", un tranvía y una banda de música ambulante se unen al coro- un camión de bomberos, el caballo de un carruaje que se escapa, aterriza "sobre la valla y fuera", los caminantes gritan- de nuevo se oye la oscuridad- un eco sobre el estanque- y nos vamos caminando a casa.

Al igual que en The Unanswered Question y en muchas otras de sus obras, Ives yuxtapone distintas texturas orquestales: las cuerdas estáticas, ambientales junto al ragtime sincopado de los pianos junto a los metales de la banda de música. Otra característica común de ambas piezas es que en ambas la música es programática, como se desprende del detallado análisis del párrafo anterior.

Escuchemos Central Park in the Dark en la interpretación de la BBC Symphony Orchestra bajo la dirección de Lawrence Foster.

Vídeo de dmitrydreizin

Canciones encadenadas XXI: One Hit Wonders

2011-09-05T20:57:00.001+02:00

Sigue el juego de las canciones encadenadas con esta entrada dedicada a los One hit Wonders, cantantes o grupos que sólo han dejado un éxito en el recuerdo.

Alfredo abre la tanda de One Hit Wonders con Zager and Evans cantando la pesimista In the Year 2525.

Vídeo de eitan19611

Xim elige a los suizos Double con The Captain of Her Heart.

Vídeo de kumaloo

Baltolkien nos trae la famosa Video Killed The Radio Star, la única canción conocida del dúo Buggles e, irónicamente, el primer vídeo emitido en MTV.

Vídeo de TheMusicVideoJunkie

La elección de maac es Come On Eileen, de los Dexy's Midnight Runners. Yo recuerdo verlos en un episodio de The Young Ones cantando una versión de Jackie Wilson Said. Muy bien, por cierto.

Vídeo de mythosum

Kalamar ha escogido Funky Town, una canción que habéis escuchado todos mil veces pero, ¿alguien sabría decir el nombre de sus intérpretes? Pues son Lipps Inc, hala, ya lo sabéis.

Vídeo de jonie38

Atticus sigue trayéndonos música de origen cinematográfico y esta vez opta por la melodía de El tercer hombre, compuesta e interpretada por Anton Karas, que pese a tener nombre de exorcista era un citarista. En los 80 las máquinas tragaperras sonaban así.

Vídeo de davetube68

Barbebleue nos trae a los pioneros del rock gitano, Smash, con su éxito El garrotín.

Vídeo de rebollo88

Glòria elige I'm not in love, de los ingleses 10cc.

Vídeo de patricia1955

José Luis escoge la canción Sukiyaki, de Kyu Sakamoto. Creo que es la única de todas las que hemos elegido entre todos que no había escuchado nunca.

Vídeo de Ijimmie2

Allau elige a Soft Cell cantando Tainted Love, una canción de Ed Cobb cantada originalmente por Gloria Jones, como explicó recientemente maac en su blog. Para una canción famosa que tenían los de Soft Cell y ni siquiera era suya.

Vídeo de curious13april

Assur elige He vist com sorties, versión catalana de Ti vedo uscire, cantada por Donatella Moretti.

Vídeo de CaptainPopis

Y mi elección, con la que cerramos la tanda de One Hit Wonders, es Two Princes, de los neoyorquinos Spin Doctors, que sonó mucho en los 90 y que, a diferencia de muchas cosas que sonaron en los 90, no daba ganas de suicidarse al escucharla.

Vídeo de SpinDoctorsVEVO

Ya que el último grupo grupo llevaba la palabra "doctors" en su nombre, vamos a continuar las canciones encadenadas buscando aquellas que hagan referencia a médicos, enfermeros, hospitales y enfermedades de todo tipo y en cualquier idioma.

Ti serba superba, un autopréstamo siberiano de Donizetti

2011-08-26T20:06:00.000+02:00

Con este calor a uno le apetecería estar en un sitio más fresquito. Siberia, por ejemplo. Y aunque hay una ópera con ese título (de Giordano) que podría ponerme para viajar con la mente ya que no puedo hacerlo de otra forma, se tratad de una historia muy triste y ahora no me apetece escucharla, así que opto por Gli esiliati in Siberia (a.k.a. Otto mesi in due ore, a.k.a. Elisabetta) de Donizetti, de la que escucharemos el cuarteto Ti serba superba en las voces de Brigitte Hahn, Valery Ivanov, Jerome Varnier y un señor del coro cuyo nombre no conozco.

Vídeo de LindoroRossini

¿Os suena de algo esta pieza? Claro que sí, estáis hartos de escucharla cerrando el primer acto de L'elisir d'amore del mismo autor, compuesta cinco años después. Podéis comprobarlo en el siguiente vídeo con Rolando Villazón, Anna Netrebko y Leo Nucci (a partir del minuto 5:41, aunque si queréis también podéis ver lo de antes, que como dijo El Gallo "hay gente pa to").

Vídeo de mijano75

Algunos vídeos sobre religión

2011-08-16T18:19:00.000+02:00

Nada que ver con la música, pero con el mismísimo Emperador Palpatine XVI paseándose por Madrid en plan rock star, es lo que me apetece.

Vídeo de etiodocmo

Vídeo de ThinkingShogun

Vídeo de FrenteAdogmatico

Helga dice que se pira

2011-08-05T21:00:00.000+02:00

Sacado de Las Provincias:

Helga Schmidt se plantea dejar el Palau de Les Arts por los recortes

La Generalitat no pondría reparos a la salida de la intendente que cobra más de 250.000 euros entre sueldo y dietas

Podéis ver la noticia original en la web de Las Provincias pinchando AQUÍ.

Vídeo de thefreeboysccsful

Canciones encadenadas XX: Cielo

2011-07-21T00:00:00.001+02:00

Vuelve el juego de las canciones encadenadas, que dejamos hace un mes con los Talking Heads y su Heaven. Seguimos por las alturas, a ver que nos encontramos.

Alfredo abre la tanda de canciones celestiales con Bob Dylan y su Knokin' On Heaven's Door, compuesta para la película de Sam Peckinpah Pat Garrett & Billy the Kid.

Vídeo de VoxStudios

Y de un clásico pasamos a otro, porque José Luis nos trae Stairway to Heaven, de Led Zeppelin.

Vídeo de catboy12000

Ya que hablamos de clásicos, Kalamar elige a The Beatles con Lucy in the Sky with Diamonds.

Vídeo de A7XRULES60000

Glòria opta por Eric Clapton con su triste Tears in Heaven.

Vídeo de aspirinsmoke

Atticus, tan cinematográfico como siempre, nos trae Cheek to Cheek, con Fred Astaire y Ginger Rogers, sacada de la película Top Hat. También sale en La rosa púrpura del Cairo, y por culpa de esta última película tuve una época, afortunadamente ya pasada, en la que cada vez que escuchaba esta melodía me ponía triste.

Vídeo de AriadneYvette

Teresa elige un tema de Jaume Sisa, El setè cel, interpretado el día después del Canet Rock entre los restos de la batalla. Assur se suma a esta aportación.

Vídeo de condeorloc

Allau elige Just Like Heaven, de The Cure, que debo confesar que es la primera opción que pensé yo porque me parece un temazo.

Vídeo de TheCureVEVO

Más o menos por la misma época en la que The Cure cantaban Just Like Heaven, The Smiths hacían lo propio con There Is A Light That Never Goes Out, la canción elegida por maac.

Vídeo de LetItBleedRevolver

Barbebleue elige a una cantante que presenta como de voz evocadora, y es cierto, algo en su voz recuerda a Billie Holiday. Ella misma se encarga de potenciarlo con ese sonido low-fi. Estamos hablando de Madeleine Peyroux con This is Heaven to Me.

Vídeo de Terrybogart2

Y tras tantos clásicos rock y pop, ahora un clásico de la música disco. Xim nos trae a los Tavares con Heaven Must Be Missing An Angel.

Vídeo de foutecd

Por último, mi elección es (Feels Like) Heaven, de los escoceses Fiction Factory.

Vídeo de mandaluyongboy

Para la próxima edición del juego de las canciones encadenadas vamos a complicar algo la cosa. Fiction Factory, el grupo de la canción que he elegido, es lo que en inglés se denomina One Hit Wonder, o sea, un grupo o solista que saca una canción de éxito, llega a lo más alto con ella, pero es incapaz de volver a obtener otro éxito y pronto cae en el olvido. Seguro que todos conocéis muchos ejemplos de este tipo de fenómenos. Pues bien, la siguiente canción que elijáis debe ser el éxito de uno de estos One Hit Wonders, trate el tema que trate y esté en el idioma que esté. Espero vuestras propuestas.

Más ópera alemana en italiano: Tito Gobbi canta Wozzeck

2011-07-10T01:40:00.000+02:00

En la entrada anterior escuchábamos a Giuseppe Borgatti cantando Wagner en italiano. Esto me ha hecho recordar una conversación reciente (con Goulaud y Ennecus, si no me equivoco) en la que les hablé del Wozzeck de Alban Berg que cantó y grabó el barítono Tito Gobbi en italiano. Ninguno de los que participamos en aquella conversación habíamos escuchado dicha grabación y ahora se me ha ocurrido que eso tiene fácil solución. Aquí tenemos a Tito Gobbi en 1954, acompañado por Hugues Cuénod e Italo Tajo, cantando Ma dunque dov'è il coltello? (que vendría a ser Das Messer? Wo ist das Messer?). Dirige Nino Sanzogno.

Vídeo de 34fgsfgsdtu48w7qtaqt

El genial director Dmitri Mitropoulos dirigió a Gobbi en esta ópera y declaró que era su Wozzeck favorito. Ahí queda eso.

En youtube podéis encontrar fragmentos de una grabación anterior, de 1949, con un sonido pésimo en la que el Wozzeck de Gobbi es dirigido por Karl Böhm, nada menos.

Giuseppe Borgatti, el heldentenor italiano

2011-07-01T16:20:00.004+02:00

BIOGRAFÍA

Giuseppe Borgatti nació en Cento, en la provincia italiana de Ferrara, en 1871. Su familia era tan humilde que no pudieron pagarle ni la más mínima educación. Desde niño trabajoó como albañil y cantero, trabajos en los que solía entretenerse cantando, y tan bien lo hacía que uno de sus patrones, el marqués Plattis, decidió subvencionarle sus estudios musicales, así como una mínima educación general que le permitió salir del analfabetismo. A los veintiún años, en 1892, debutó como Faust en la ópera homónima de Gounod, al que siguieron otros papeles de tenor lírico hasta que en 1894 incorporó, con gran éxito, el rol de Chevalier des Grieux de la ópera Manon Lescaut, recomendado por el mismo Puccini, demostrando así que estaba preparado para papeles más propios de un tenor spinto. Ese mismo año también debutó el papel de Lohengrin, su primera encarnación wagneriana. En 1896 cantó el papel principal de la ópera Andrea Chénier de Umberto Giordano en el estreno absoluto de la misma en La Scala de Milán, lo que le convirtió en una estrella de la lírica a nivel internacional. Aunque no cantó en el estreno absoluto de Tosca, sí lo hizo en el estreno en La Scala en 1900, obteniendo mejores críticas que Emilio de Marchi, el primer Cavaradossi.

Borgatti siguió cantando, siempre de forma exitosa, óperas de Donizetti, Verdi, Puccini y los veristas, pero el repertorio que realmente le atraía era el wagneriano. Tuvo la suerte de coincidir con otro gran músico italiano wagnerófilo, el director Arturo Toscanini, por aquel entonces titular en La Scala, y junto a él preparó y debutó, siempre en italiano, los papeles de Tannhäuser, Walther, Tristan, Siegmund, Siegfried y Parsifal (estos dos últimos en su estreno en Italia).

En 1904, Giuseppe Borgatti se convirtió en el primer tenor italiano invitado a participar en el Festival de Bayreuth, causando una gran impresión en Cosima Wagner, viuda del compositor y directora del festival y en Hans Richter, director musical del mismo.

En 1906, tras cantar el papel de Herod en el estreno italiano de Salome de Richard Strauss en La Scala, decidió dedicarse con exclusividad al repertorio wagneriano, iniciando una carrera que culminaría en 1914 con el estreno italiano de Parsifal en Bolonia y La Scala. Ese mismo año, con su carrera en su punto más alto, Borgatti decidió retirarse de la escena a causa de un glaucoma que desde 1907 le estaba haciendo perder la visión y que acabó por dejarle completamente ciego en 1923. En 1927 cantó por última vez en un concierto y desde entonces se dedicó a la enseñanza, teniendo entre sus alumnos a la contralto estadounidense Marian Anderson. Falleció en 1950.

LA VOZ Y EL ARTE

Giuseppe Borgatti poseía una voz de gran volumen, robusta y con un hermoso timbre claro. Era capaz de cantar con delicadeza, con dulzura, especialmente durante su primera etapa. Posteriormente, a pesar de no llegar a ser una voz de auténtico tenor dramático, pudo enfrentarse a los papeles más pesados del repertorio wagneriano gracias a su homogeneidad y a su timbre. Las crónicas de la época lo retratan como un hombre atractivo, de constitución fuerte, con una resistencia física y vocal que le permitía entregarse al máximo en escena. Su estilo de actuación histriónico y su peculiar forma de cantar las óperas veristas, introduciendo el declamado vehemente que tanto han copiado otros tenores posteriores debido a su gran efecto empático, no deben hacernos olvidar su capacidad para el canto lírico y virtuoso y su excelente dicción, que lo conectan con tenores de generaciones pretéritas como Roberto Stagno o Fernando de Lucia. Borgatti se preciaba de que, aún después de haber incorporado los papeles más exigentes del repertorio wagneriano, era capaz de cantar Una furtiva lagrima con facilidad y sin que se echase en falta la ligereza necesaria para sacarla adelante de forma adecuada. Estamos pues ante un tenor puente entre dos generaciones, dos estilos de canto. Es destacable también la profundización en la psicología de los personajes que interpretaba. En conjunto, nos encontramos ante un gran cantante, con unos medios privilegiados, capaz de aportar a la ópera un nuevo estilo en lo canoro y una nueva forma de interpretar, lo que resultó clave para encandilar al público y así acercar las grandes creaciones wagnerianas a la audiencia italiana.

GRABACIONES

Curiosamente, Borgatti no grabó ni un solo fragmento de Andrea Chénier, a pesar de haber estrenado el papel, ni de otras óperas en las que destacó como Mefistofele, Aida, La Traviata, Pagliaci, Fedora o Manon Lescaut. Sólo entró dos veces en un estudio de grabación, en 1905 y en 1919, dejando menos de veinte discos para el recuerdo. Empecemos la escucha de sus grabaciones de 1905 con su interpretación de E lucevan le stelle, de Tosca.

Vídeo de lodiopera

A continuación, un fragmento de su Lohengrin en italiano, Di, non t'incantan.

Vídeo de lodiopera

Y para cerrar la escucha de sus grabaciones de esta etapa, Nel verno al pie del focolar, de Die Meistersinger von Nürnberg.

Vídeo de lodiopera

Pasamos a sus grabaciones de 1919, esta vez con orquesta. Empezamos con Niun mi tema, final de la ópera Otello de Verdi.

Vídeo de jaquesurlus

Nos metemos de lleno en harina wagneriana, empezando por su Tannhäuser, del que escucharemos Col cor contrito (Inbrust im Herzen).

Vídeo de MrCafiero

Pasamos a su apasionado Winterstürme de Die Walküre.

Vídeo de MrCafiero

Y por último, volvemos a la ópera Lohengrin para escuchar Mein lieber Schwan.

Vídeo de titaruffo2

Jonas Kaufmann canta Fidelio en Les Arts

2011-06-23T16:18:00.009+02:00

Antes que nada, quiero agradecer su generosidad a José Luis pues gracias a él pude asistir a la función de Fidelio de ayer en el Palau de les Arts, aprovechando su entrada ya que él no pudo hacerlo.

La función de ayer me dejó mejor sabor de boca que la que ya comenté hace dos semanas porque a una orquesta y un coro excelentes se unió una ligera mejoría en la actuación de Yevgueni Nikitin como Pizarro y una más notable en Jennifer Wilson como Leonore/Fidelio. Aunque sigo creyendo que este papel no es adecuado para las características de la soprano norteamericana y que haría bien si lo eliminara de su repertorio, he de decir que ayer estuvo mucho mejor que el pasado día 11 y que, a pesar de que siguió sufriendo con las agilidades y llegando apurada a los agudos, consiguió salvarlos sin caer en el grito como desgraciadamente hizo entonces.

Zubin Mehta dirigió tan bien como en mi anterior visita a Les Arts, y la orquesta y el coro volvieron a demostrar su excelencia, especialmente al final de la ópera, donde ambas formaciones tienen ocasión de lucirse con una espectacular obertura Leonora III y con el coro final.

Pero si había ayer algo que llamase la atención en el reparto era la aparición, sólamente para esta función, del tenor más mediático de la actualidad, Jonas Kaufmann, que se encargó del difícil pero breve papel de Florestan. A pesar de la poca publicidad que se hizo de su presencia, lo cual resulta sorprendente, gran parte del público de ayer (que no llenó el teatro, aunque faltó poco) venía de otras ciudades sólo para ver a la estrella alemana. Algunos, incluso, para escucharlo. Bueno, esto último es una maldad, pero es que yo soy así, malvado. Mwahahaha!!!

Todo hacía presagiar un éxito: Kaufmann venía de triunfar con un excelente Siegmund en el Met, canta una obra que conoce a la perfección y con la que ya ha obtenido grandes éxitos, en alemán (lo cual es importante no sólo por la dicción y la prosodia propias de un nativo, sino también porque su particular emisión suena más natural cuando canta en su propia lengua que cuando lo hace en francés o italiano). Además, se trata de un cantante que suele ser bastante regular, para lo bueno y para lo malo, así que todos estábamos convencidos de que la cosa iría bien y así fue. Pero independientemente de la crónica de un éxito anunciado, muchos teníamos curiosidad por escuchar en vivo esa voz tan peculiar, o mejor dicho, esa voz emitida de forma tan peculiar, para ver si la cosa funcionaba o no. Vamos a tratar de analizar sus características, siempre desde la profunda ignorancia y el atrevimiento que caracteriza estos apuntes.

Para empezar, ayer Kaufmann estuvo muy bien. Su voz es más grande de lo que pensaba, pero también más opaca, lo que le resta presencia en los números de conjunto. Mientras que cuando cantaba solo su voz llenaba el teatro, si lo hacía junto a Wilson o Nikitin había que hacer un esfuerzo para distinguirla. Su zona alta siempre me ha parecido lo mejor de este tenor y así fue, no sólo porque es la única que está liberada y tiene cierto squillo, sino porque además la alcanza con aparente facilidad y eficiencia. Por contra, su zona media suena gutural, lo que da a su voz ese tono oscuro que tanto gusta a algunos pero que a mi se me atraganta, no sólo porque lo encuentro poco tenoril, sino porque además suena a oscurecimiento artificial. Pues bien, en vivo la sensación de artificialidad disminuye notablemente y aunque la emisión sigue siendo extraña, el centro parece más integrado con el agudo. El timbre resulta más aterciopelado que en las grabaciones, donde muchas veces se da un sonido que algunos llaman "viril" y otros "orco de Mordor", y aunque no es de una belleza arrebatadora, tampoco está desprovisto de atractivo. Estaríamos pues ante un cantante al que no le sienta bien el micrófono, que pone al descubierto irregularidades que quedan camufladas en el teatro. Un caso raro, pues la mayoría de cantantes actuales suelen quedar muy resultones en estudio pero pocas veces dan la talla en directo.

Más allá del análisis de su voz, una de las principales características de su canto es su cuidado de los matices, las dinámicas y la línea de canto. No defraudó en esta faceta, donde hay que destacar, además, su dominio del legato, su fraseo incisivo y su adecuación estilítica, también en lo actoral, donde se implicó mucho. Sólo hubo un exceso, para mi gusto, y este fue el inicio de su escena del segundo acto con la palabra Gott! iniciada en pianissimo y progresando hasta el forte. Aparte de un efecto de dudoso gusto, el sonido en pianissimo fue ciertamente feo y débil, totalmente descolgado del resto del aria, que cantó estupendamente.

Por último, una vez escuchados dos de los tenores que cantan el papel de Florestan en esta producción (falta Lance Ryan, al que no podré escuchar), debo decir que si tuviese que elegir, a pesar de estar ambos muy bien, me quedaría con Peter Seiffert. Otra opinión, probablemente, tendría si ambos hubieran venido a cantar el Siegmund de Die Walküre, pues la juventud y la resistencia de Kaufmann le harían ganar muchos enteros frente al veterano Seiffert, pero hoy por hoy, el maillot amarillo de los Florestanes lo sigue vistiendo Seiffert. Afortunadamente, no hay por qué elegir y podemos escuchar a ambos, incluso a Ryan, al que deseo lo mejor en su próxima actuación.

Canciones encadenadas XIX: Bares

2011-06-19T23:19:00.001+02:00

Dejamos hace un mes el juego de las canciones encadenadas con John Lee Hooker pidiendo whisky en un bar y lo retomamos ahora con canciones que hacen referencia a este tipo de establecimientos dispensadores de deliciosos elixires.

Alfredo abre la serie de bares con Y no dieron las diez, cantada por Joaquín Sabina. También la cantaban Los Secretos con el título Ojos de gata, pero como su vídeo en youtube incluye publicidad, nos quedamos con Sabina.

Vídeo de yerkoz

Kalamar opta por Billy Joel y su Piano Man, que lógicamente toca el piano en un bar y no en el salón de su casa.

Vídeo de billyjoelVEVO

Allau nos trae una canción compuesta por Bono y The Edge para Marianne Faithful pero interpretada en esta ocasión por Annie Ross, Confessions on a Barstool.

Vídeo de reve68

José Luis propone el tema principal de la película Bagdad Café, Calling You, de Bob Telson.

Vídeo de dvigo10

Barbebleue elige un temazo de Lone Star: Mi calle.

Vídeo de xuanlloreu

La canción elegida por Xim es la que para muchos, yo entre ellos, es la mejor de El último de la fila: Insurrección.

Vídeo de Siroco80

Joaquim nos trae una presentación realizada por él mismo, lo cual siempre es sinónimo de calidad, de la canción El café Antic, con música de Lluís Llach y letra de Miquel Martí i Pol.

Vídeo de ximowb

Atticus escoge la canción Hey Bartender en la interpretación de los Blues Brothers.

Vídeo de IdolAmerica

Glòria no se contenta con sólo un bar y nos trae un hotel entero, el Hotel California de los Eagles.

Vídeo de nikrazy27

Assur elige la canción de Sau Boig per tu, que escucharemos tal y como la cantaron en directo junto a Luz Casal.

Vídeo de xucramel

Y mi elección es Heaven, de Talking Heads. Everyone is trying to get to the bar, the name of the bar, the bar is called heaven...

Vídeo de FlyingDoctor1988

Para la siguiente entrada nos iremos a las alturas y buscaremos canciones relacionadas con el cielo.

Fidelio vuelve a Les Arts

2011-06-12T19:00:00.003+02:00

Fidelio es una ópera a la que tengo mucho cariño desde siempre. Ese cariño incrementó cuando fue la elegida para inaugurar el Palau de les Arts en el 2005, con una serie de funciones que alcanzaron un nivel elevadísimo. Ahora, seis años después, Fidelio vuelve a Les Arts y aunque mi cariño hacia este título sigue siendo el mismo o mayor, hay que analizar los cambios que ha sufrido el reparto, a priori de inferior categoría, para ver si el nivel se ha mantenido.

Para empezar, si en la inauguración del Palau todos quedamos sorprendidos con la excepcional calidad de la Orquestra de la Comunitat Valenciana y el Cor de la Generalitat Valenciana, ayer demostraron que en estos años esa calidad no ha hecho más que ir en aumento. Pocos pueden dudar de que estas formaciones, hoy por hoy, estén al nivel de otras de mucho más renombre y de mayor tradición en el continente europeo. Y seguramente, quienes lo duden tendrán motivos que poco tienen que ver con lo musical. Desgraciadamente, ya se oyen voces que anuncian la marcha de parte de los miembros de la orquesta debido a la mala gestión de la misma. Ojalá no sea así, porque uno de los principales motivos para acudir a Les Arts cada vez que se programa una ópera, aunque sea un título poco interesante y el reparto sea mediocre, es la calidad asegurada de sus cuerpos estables.

Zubin Mehta volvió a demostrar que le tiene cogido el pulso a Fidelio y a la orquesta. Se le suele acusar de ser un director superficial, efectista y de abusar del volumen orquestal sin tener en cuenta a los cantantes, pero ayer, tal y como pasó hace seis años, no hubo nada de eso. La música de Beethoven sonó a Beethoven del bueno, del de la vieja escuela, con tensión de principio a fin, sin desparrames ni explosiones orquestales de dudoso gusto. Salvo en desajustes puntuales durante la obertura de la ópera, la orquesta respondió a sus exigencias con precisión y con un sonido espectacular. Como ya se ha comentado en blogs, foros y prensa, la obertura Leonora III que se interpreta en el segundo acto es el mejor momento de la noche y unos de los mejores de la corta historia de Les Arts. Ya lo fue en el Fidelio del 2005 y lo vuelve a ser ahora, quizás con un sonido aún más depurado.

Como ya hemos dicho, el handicap de este Fidelio está en su reparto, menos atractivo que el del 2005. Ni Jennifer Wilson es Waltraud Meier, ni Stephen Milling es Matti Salminen. Peter Seiffert sí que es Peter Seiffert, pero con seis años más a cuestas, y además seis años en los que ha cantado Tristan, Tannhäuser, Parsifal... Vamos a ver cómo resultaron estos cambios respecto al Fidelio que muchos teníamos idealizado en nuestra memoria.

Empezaremos por el único que repetía, Peter Seiffert. Sorprendentemente, lo encontré mejor incluso que en su Florestan de hace seis años, con un vibrato ancho presente pero menos pronunciado que en aquella ocasión. Demostró que sigue siendo la referencia actual en este papel, con una línea de canto esculpida con clase, llena de detalles y de gran intensidad dramática. Su voz sigue sonando joven por timbre, homogeneidad y potencia, a pesar del ya mencionado vibrato. Es un tenor que me gusta mucho y ayer volvió a darme motivos para seguir teniéndolo entre mis preferidos.

Sin embargo, Jennifer Wilson, que tenía por delante el difícil reto de competir contra el recuerdo de Waltraud Meier, no sólo no consiguió hacer que nos olvidáramos de la alemana, sino que ni tan siquiera sacó adelante el papel de forma satisfactoria. Yo, que quedé encantado con su Brünnhilde en el Anillo de la Fura (por fin una Brünnhilde que cantaba y no gritaba), que la defendí frente a quienes la encontraban fría (aún hoy sigo diciendo que de eso nada), llegué a Les Arts predispuesto a disfrutar con su actuación a pesar de posibles defectos, pero lo cierto es que salí muy decepcionado. Aunque empezó bien, imponiéndose en el canon del primer acto por sus innegables cualidades vocales, fracasó en su aria al atragantársele las agilidades. Aparte del hecho mismo de no superar esta dificultad, el esfuerzo que realizó intentándolo hizo que llegara al agudo a trompicones y pasó lo que tenía que pasar, lo resolvió gritando. No me lo podía creer, alguien capaz de cantar todas las notas de las tres jornadas del Anillo (repito: cantar) estaba gritando. ¡Qué decepción! En el entreacto pensé que quizá en su dúo con Florestan, por el tipo de escritura más "wagneriana", se encontraría más cómoda y así fue, lo cantó correctamente, pero sus intervenciones previas a ese dúo volvieron a estar llenas de gritos y agilidades mal resueltas. Dramáticamente, quienes la encontraron fría en el Anillo la volverán a encontrar fría aquí, pero qué queréis que os diga, yo no busco calidez en la ópera, lo que busco es canto de calidad. Como Brünnhilde lo ofreció y sigo recordándola con admiración. Como Leonore no, y de ahí y sólo de ahí que me llevase una decepción. No es este un papel que se adapte a sus medios y debería plantearse retirarlo y centrarse en aquellos que más le convienen.

Stephen Milling no nos hizo olvidar a Salminen pero tampoco nos hizo añorarlo. Simplemente, nos ofreció otra concepción de Rocco, más humana, menos imponente. A su voz, de gran calidad y calidez, se une un cuidado en la línea de canto y una atención al detalle que hizo que el conjunto de su actuación resultase modélico. Estuvo al nivel de su Gurnemanz, aunque el papel de Rocco tenga menos miga en comparación.

Yevgueni Nikitin era el único que partía con ventaja, pues en el Fidelio del 2005 el papel de Don Pizarro fue cantado de forma deficiente por Juha Uusitalo (posteriormente, su Wotan estuvo mucho mejor). Pues, aunque su voz es mucho más atractiva y tiene más volumen que la del finlandés, lo cierto es que en la primera de sus intervenciones anduvo más perdido que Andy y Lucas en una biblioteca y luego no supo levantar el papel. Qué lástima, dos Pizarros en la historia de Les Arts y dos fiascos.

Bien sin más estuvo Sandra Trattnigg como Marzelline, con unos medios vocales más bien limitados y mejor Karl-Michael Ebner como Jaquino, de quien podría decirse lo mismo. De los dos prisioneros que cantan durante el coro del primer acto, mejor el tenor Javier Agulló que el bajo Mika Kares.

Por último, me alegré de poder escuchar al veterano Robert Lloyd en el brevísimo papel de Don Fernando. La verdad es que me lo esperaba con la voz en peores condidiones y lo encontré bien, muy entero y haciendo gala de su gran carisma sobre las tablas. No creo que esté para cantar mucho más, pero como Don Fernando es todo un lujo su presencia.

Sobre la puesta en escena de Pier'Alli, he de decir que, o bien ha cambiado en muchos aspectos desde su estreno, o bien yo la recordaba como menos lograda, porque lo cierto es que me volvió a gustar y yo creía que esta vez no lo iba a conseguir. Estéticamente es muy atractiva, pero yo la recordaba como estática y ajena a la dirección de actores. y sí, hay estatismo (epecialmente en el coro del segundo acto), hay cantantes plantados en la boca del escenario cantando su aria sin moverse, pero también hay aciertos, como la iluminación o las proyecciones y en conjunto no está nada mal.

Tosca en el Palau de les Arts

2011-06-05T18:50:00.002+02:00

Tosca es una de esas óperas que llenan cualquier teatro a poco que se ofrezca con un mínimo de garantías, por lo que era de esperar que el Palau de les Arts se hiciera con una puesta en escena propia (compartida con otros teatros) que le permita reponerla con frecuencia y hacer caja, como ya ha hecho con Turandot y la tetralogía wagneriana, incluso con Fidelio, que no es un título tan llamativo para el gran público. Ya sabemos que en tiempos de crisis, la política de Doña Helga va a ser ir a lo seguro, programar obras muy populares y repetir las que salen más baratas, aquellas cuya puesta en escena es propiedad del teatro. Esta Tosca pasa a engrosar este grupo, y lo hace con honores, ya que el baratismo impregna la escena en su totalidad, desplazando al ya tradicional por estos lares minimalismo neo-soso y sustituyendo las pretensiones arty de éste por puro funcionalismo.

Jean-Louis Grinda, el encargado de esta producción, apenas se ha tomado licencias con el libreto, lo que hoy por hoy resulta casi sorprendente, y se ha limitado a intentar ser fiel a la obra con los mínimos elementos imprescindibles. El primer acto resulta demasiado desangelado, apenas dos paredes curvas y unos pocos reclinatorios para representar una iglesia inexistente, con una capilla subterránea. Mejor pensado está el segundo acto, con un juego de transparencias gracias al cual el gran mapa de Roma que preside el despacho de Scarpia hace las funciones de ventana por la que no sólo se escucha la cantata de Tosca, sino que también se la ve. Sin embargo, la idea de que un mecanismo transforme la mesa de Scarpia en la entrada de las mazmorras donde torturan a Cavaradossi parecía sacada de una película de Fu Manchú. En el tercer acto, vuelven las paredes curvas del primero, esta vez representando la azotea del Castel Sant'Angelo, aunque esta vez la aparición de la estátua del ángel que da nombre al edificio evita, lógicamente, que la escena quede desangelada.

Una peculiaridad de esta puesta en escena es la proyección de unas imágenes en las que vemos a Tosca lanzándose al vacío tanto al principio como al final de la obra. Al principio no aportan demasiado, quizá su principal función sea prepararnos para que no nos resulten chocantes cuando las volvamos a ver al final. Como cierre de la obra sí cumplen una función clara, pues evitan que veamos a la soprano simulando un suicidio que en muchas producciones resulta poco creíble. Es, junto con la cantata del segundo acto, la única buena idea de una producción correcta pero demasiado pobretona, que salvo por dos o tres detalles parece más propia de una modesta compañía del este de gira por teatros de provincias.

Pero vayamos a lo más importante, lo musical. Zubin Mehta volvió a meterse al público valenciano en el bolsillo con una dirección que empezó bien, aunque algo pesada y demasiado estridente y fue mejorando, aligerándose y ganando matices hasta un maravilloso tercer acto. Tanto la escena del amanecer, con la cancioncilla del pastor, como la introducción del adiós a la vida fueron los mayores momentos de lucimiento orquestal. El Cor de la Generalitat Valenciana y la Escolania de la Mare de Déu dels Desemparats impresionaron en la escena del Te Deum por volumen y calidad, como supo reconocer el público con sus aplausos.

De los tres principales solistas hay que destacar a Bryn Terfel, pletórico de voz y dominador del que posiblemente sea su papel más destacado (algo raro, tratándose como se trata de un bajo-barítono de voz pesada al que el rol, en teoría, debería quedarle demasiado ligero). Sabía que no es un cantante que se caracterice por sus sutilezas, pero lo cierto es que lo compensa con su gran magnetismo personal y su capacidad actoral. Es uno de esos casos raros de cantantes que llenan el escenario con su carisma y saben llevarse los papeles a su terreno, haciendo que la impresión general sea muy positiva.

Marcelo Álvarez, en cambio, no tuvo un buen día. Dicen quienes asisiteron a las dos funciones anteriores que en ambas estuvo mucho mejor de voz. Y es que ayer, aunque cantó con gusto y mostró su amplia gama de recursos canoros, la voz no le respondió, quedándosele atrás y sonando sin el brillo y el volumen habituales. Su Recondita armonia pasó sin pena ni gloria, como el resto de su intervención en el primer acto, en el que intentó pianissimi muy bien traidos pero apenas audibles. En el segundo acto mejoró e incluso se lanzó con unos vittoria más propios del spinto que no es que del lírico que sí es. En el tercer acto llegó lo mejor de su actuación con su adiós a la vida y su O dolci mani, cantado con gran delicadeza y, esta vez sí, de forma audible. Una lástima que la voz no le respondiera porque el buen canto sí estaba allí.

Oksana Dyka, que nos sorprendió con una gran Butterfly la temporada pasada, estuvo ayer a un nivel muy inferior. Su voz destacaba por su volumen y por un agudo seguro y potente (no así el grave, notablemente más débil), pero su canto fue algo vulgar, carente de variedad y de matices, algo que unido a su dicción le restaba credibilidad en un papel que no puede resolverse de forma satisfactoria sólo a base de agudos y de caudal sonoro. Su Vissi d'arte resultó frío y plano, aunque no todos debieron pensar así ya que se llevó su buena ración de aplausos.

Los comprimarios estuvieron todas muy bien servidos, incluso el pastorcillo del niño soprano Salvador Belda, por mucho que a mí no me simpaticen los niños soprano en las óperas. En general, y a pesar de lo floja que estuvo Dyka, del mal día de Álvarez y de la pobre puesta en escena, fue una buena tarde de ópera y el público salió encantado del teatro.

Airs oubliés: Jaroussky canta Caldara

2011-05-29T18:07:00.005+02:00

Si tenéis cuarenta minutos libres, os recomiendo que los dediquéis a escuchar este concierto basado en arias de Antonio Caldara (aunque no sólo) que bajo el título Airs oubliés ofrecieron el contratenor Philippe Jaroussky y la formación especializada en música barroca Concerto Köln. El programa, basado en el contenido del disco Caldara in Vienna de los mismos intérpretes que salió a la luz el año pasado, es el siguiente:

-Non tremer, vassallo indegno, de Temistocle (A. Caldara)
-Tutto fa nocchiero, de Ifigenia in Aulide (A. Caldara)
-O mi rendi il mio bel ch'io spero, de Scipione nelle Spagne (A. Caldara)
-Opprimete, de La clemenza di Tito (A. Caldara)
-Tercer movimiento (Allegro) del Concierto para violonchelo, RV 407 (A. Vivaldi)
-Misero pargoletto, de Demofoonte (A. Caldara)
-Lo seguita felice, de L'Olimpiade (A. Caldara)
-Alto Giove, de Polifemo (N. Porpora)
-Se un cor annodi, de Achille in Sciro (A. Caldara)

Tanto Jaroussky como los músicos que lo acompañan están soberbios y las arias, aunque olvidadas (no todas, Misero pargoletto está en el Sacrificium de Cecilia Bartoli, publicado un año antes que Caldara in Vienna) son de una belleza espectacular. Muy, muy recomendable. ¡A disfrutarlo!

Vídeo de FILBACH

Mi nuevo héroe: Gianandrea Noseda (Requiem de Verdi en Castellón)

2011-05-18T23:58:00.007+02:00

Miércoles 18 de mayo, ocho de la tarde, Requiem de Verdi en el Auditorio de Castellón. En un alarde de maldad y de falta de respeto hacia el público que deja a la pobre Helga a la altura de un osito amoroso, los organizadores tienen a bien incluir en el programa de mano a la soprano georgiana Tamar Iveri en lugar de a la anunciada Sondra Radvanovsky. Sin una mísera nota pidiendo disculpas o explicando el motivo de la supuesta sustitución, que al parecer conocían con suficiente antelación como para incluir en el programa a la sustituta pero que no anunciaron. Helga, aprende, esto es una gestión malvada e irrespetuosa de verdad.

El resto del reparto, tal y como estaba anunciado, lo formaban el bajo Ildar Abdrazakov, la mezzo Daniela Barcelllona y el tenor Maksim Aksenov, junto a la Orquesta y el Coro del Teatro Regio de Turín y la batuta de su director titular, Gianandrea Noseda.

Salen a escena los miembros de la orquesta, los del coro, los cantantes solistas y, tras unos incomprensibles minutos, el director. Aplausos de cortesía y empieza a sonar la música, poco a poco, en pianísimo. Entra el coro y de repente... suena un móvil. Noseda manda parar a los músicos, se gira en el podio y pide al público que apague los móviles (algo que ya se había pedido previamente por megafonía). Bien por Noseda. Aplausos de nuevo y vuelta a empezar. Levanta la batuta, las cuerdas atacan el pianísimo y... ¡vuelve a sonar el mismo móvil! Y Noseda deja la batuta en el atril y, sin mirar atrás, sale del escenario con gesto de indignación. ¡Bien por Noseda one more time!

Lo mejor fue ver como, tras la "espantá" de Noseda, muchos a mi alrededor sacaron sus móviles de los bolsillos y los apagaron. Se ve que el primer aviso del director no había sido suficiente para convencerles de que lo hicieran.

Tras unos minutos, el director regresa, visiblemente enfadado y el Requiem acaba llevándose a cabo sin más sorpresas hasta el final, en el que, cuando aún está la última nota flotando en el aire, un energúmeno grita un ¡Viva Verdi! que es secundado por breves aplausos por parte de sus vecinos de butaca. Afortunadamente el grueso del público no sigue esta exaltación de verdianismo extemporáneo y permanece en silencio unos segundos más hasta que, por fin, rompe a aplaudir. Pero el hechizo ya estaba roto, y la cara de Gianandrea Noseda cuando se gira para recibir los aplausos es un poema. Un poema trágico, concretamente.

Comentaré el concierto brevemente: Noseda se lució con una dirección estupenda, quizá algo excesiva en el Dies Irae (lo que para mí no es nada malo, excesivófilo que es uno). Mantuvo el dramatismo desde el primer al último compás, a pesar de todos los contratiempos, y supo dar a la partitura los matices necesarios de forma coherente. De entre los solistas, Daniela Barcellona estuvo tan bien como es habitual en ella, Ildar Abdrazakov no me hizo cambiar la opinión que me formé de él en su reciente Mefistofele de Les Arts (buen cantante, voz bonita pero clara y volumen justito) y Maksim Asenov, a quien no conocía y que debutaba en España con este Requiem, me pareció un tenor lírico muy del montón, con la voz totalmente atrás excepto en el agudo (el típico defecto de tantos cantantes rusos). Por último, Tamar Iveri, la encargada de llenar el hueco de Sondra Radvanovsky, no la hizo nada mal, y aunque en ningún momento nos hizo olvidar a la americana, lo cierto es que disfrutamos oyéndola cantar con una voz sana y jóven de centro carnoso y presencia tímbrica.

Supongo que, al acabar el concierto, Gianadrea Noseda le habrá pedido a su manager que apunte el nombre de esta ciudad en su lista negra para no volver jamás, y habrá hecho bien. Es un director con un gran presente y un esperanzador futuro y quien sale perdiendo de este desencuentro no es él, a quien no le faltarán compromisos, sino nosotros, por maleducados y por cafres. Pero, pese a todo, me ha gustado que alguien, por fin, haya puesto la cara roja de vergüenza a aquellos de entre el público que no conocen el respeto hacia los demás ni hacia quienes intentan llevar a cabo su trabajo sobre el escenario de la mejor manera posible. Si hasta ahora lo consideraba un gran director, desde este momento pasa a ser un héroe para mí.

La primera grabación de Tito Schipa

2011-05-15T16:55:00.003+02:00

Si seguís este blog habitualmente sabréis de mi total admiración hacia la figura de Tito Schipa. Sin embargo, hasta ahora no había escuchado nunca su primera grabación, registrada en noviembre de 1913, cuando el tenor tenía 25 años. Se trata de Ah! Dispar vision, la versión italiana del aria Ah! Fuyez douce image de la ópera Manon de Massenet.

Vídeo de GermanOperaSinger

Schipa había debutado cantando La Traviata en 1909, cuatro años antes de entrar en un estudio de grabación por primera vez, pero no fue hasta 1914, un año después de grabar este aria, que alcanzó la fama gracias a su interpretación de Mario Cavaradossi en una serie de funciones de Tosca en Nápoles.

Posteriormente, en 1934, habiendo cosechado triunfos por toda Europa (el primero fuera de Italia fue en enero de 1918, en el Teatro Real de Madrid, precisamente cantando Manon) y tras quince años de exitosa carrera en los Estados Unidos, Schipa grabó de nuevo este aria. Su voz no suena tan juvenil como veintiún años antes, pero el canto es muy superior, propio de un cantante legendario. El uso del chiaroscuro en esta grabación es simplemente magistral.

Vídeo de macciboma

Canciones encadenadas XVIII: Whisky

2011-05-07T17:40:00.001+02:00

Cerramos la última entrada dedicada a las canciones encadenadas escuchando la canción Whiskey in the jar, transformada para la ocasión en Whisky en el bar por los castellonenses Tom Bombadil. Vamos a seguir escuchando canciones en las que aparezca este delicioso licor.

Empieza Teresa proponiendo dos versiones de Tu vuò fa' l'americano, de las cuales nos vamos a quedar con la original de Renato Carosone porque después de haber sido tan maltratada desde hace algún tiempo a causa de una versión infame hace falta reivindicarla. Y porque siempre me hace mucha gracia el tío que toca la batería.

Vídeo de TarAntXon

José Luis nos trae al gran Peter Sellers con los teleñecos cantando Cigarettes And Whiskey And Wild Wild Women. El comentario más votado en youtube dice: "Me gustaría que Tom Waits versionara esta canción". Lo suscribo.

Vídeo de Scooterpiety

Atticus camina por la frontera entre la ópera y la música popular con Alabama Song (Whiskey Bar), perteneciente a Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny, de Weill y Brecht, en la voz de su primera intérprete, Lotte Lenya.

Vídeo de kaatjeaster

Kalamar nos trae a The Police, ya algo viejunos, interpretando Can't Stand Losing You en el mítico Whisky a Go Go de Los Angeles.

Vídeo de policetour07

Xim opta por American Pie, la canción de Don McLean, pero en la versión de Madonna.

Vídeo de MadonnaQueenOfficial

Barbebleue se nos hace contrabandista con Moonshine Whiskey de Van Morrison.

Vídeo de 2shooz

Joaquim, además de ponerme los dientes largos con su Highland Park del 92, elige Whisky sin soda (sexo sin boda), de Joaquín Sabina.

Vídeo de agustintellor

La elección de Baltolkien es Whiskey Man. ¿De quién? The Who.

Vídeo de rcollins93

Assur he elegido una canción muy conocida con un intérprete insospechado. Dado que el vídeo en cuestión tiene la inserción desactivada, podéis verlo pinchando AQUÍ. Buenísimo, ¿eh?

Por último, yo propongo una canción en la que se mencionan dos tipos de whisky: One Bourbon, One Scotch, One Beer, compuesta por Rudy Toombs, en la que es su versión más conocida, la de John Lee Hooker.

Vídeo de kovacsalmos

Esta última canción es un diálogo entre un cliente de un bar y el camarero. Para la siguiente entrada, vamos a pensar canciones que cuenten historias de bares, tabernas, pubs, cantinas y demás tugurios.

Mefistofele de Boito en Les Arts

2011-04-28T15:52:00.009+02:00

No me gustan las versiones concierto, vaya por delante. La escena es un porcentaje importante de la totalidad de la obra de la misma forma que la interpretación es una parte importante del canto operístico, y eso sólo se puede apreciar de verdad en una función escenificada. A punto estuvo este factor, junto al pésimo sonido del auditorio en el que se representó este Mefistofele y el elevado precio de las entradas con buena sonoridad, de dejarme en casa. Pero al final hubo otro factor que pesó más, el hecho de que la obra representada fuese una de mis favoritas y de que es poco probable que vuelva a tener la ocasión de escucharla en directo, mucho menos acompañada por una puesta en escena. Al menos en el previsible futuro de Traviatas, Toscas, Butterflies y demás que se cierne sobre Les Arts.

Mefistofele es, como ya he dicho, una obra por la que siento una especial debilidad. Se trata de una obra irregular, con momentos muy bellos y otros más vulgares, que combina el efectismo con la delicadeza, el canto exaltado con el recogimiento, todo ello tomando como base un libreto que, debido a la sustanciosa mutilación a la que le sometió el autor después del fracaso de su estreno, presenta las diferentes escenas como cuadros inconexos y dificilmente comprensibles para quien no tenga un conocimiento previo de la historia de Fausto. Quizá por esto sea una obra que se adecua especialmente a las versiones concierto, como también lo hace otra de mis obras favoritas de similar temática, La damnation de Faust de Berlioz.

El primer requisito para que una representación de Mefistofele sea exitosa es contar con una buena orquesta y un buen coro, algo que daba por descontado, aunque con la duda de cómo respondería la Orquestra de la Comunitat Valenciana a las órdenes del director Nicola Luisotti. Afortunadamente, lo hizo muy bien. Luisotti es un director enérgico (sin llegar a la exageración del futuro titular de la orquesta) pero de gesto claro, que supo encontrar en todo momento el tempo adecuado y jugó con las dinámicas a la perfección. Se le veía contento con el sonido que estaba extrayendo de la orquesta, disfrutando en el podio y entregándose. Me gustó mucho su labor, ojalá vuelva a vérsele más a menudo por Les Arts. Como única pega, un exceso de decibelios en el prólogo y el primer acto que corrigió rápidamente y al que sólo volvió al final del epílogo, en un final espectacular en el que el pobre Abdrazakov quedó tapado por completo.

El Cor de la Generalitat Valenciana, estupendo en toda la obra, fue quien se encargó de poner esos decibelios extra, algo de lo que hay que culpar a Luisotti y no a ellos, pues demostraron sobradamente que saben cantar tan bien en fortissimo como en pianissimo y en toda la gama intermedia. Supongo que Luisotti pensó que, con un coro tan bueno, quién necesita solistas. Y la verdad, no le culpo. Algo menos me gustó la Escolania de la Mare de Déu dels Desamparats, cuya intervención, también hay que decirlo, es posiblemente lo más flojo de la partitura.

Pasando a los solistas, tenía miedo de que tanto el bajo como el tenor elegidos para los papeles principales fuesen poco adecuados por tratarse de voces pequeñas, especializadas en repertorio belcantista, que se enfrentan a una obra con una orquestación densa y una línea de canto más cercana al último Verdi o al primer Puccini que a Donizetti y similares. Algo de razón tenían mis sospechas. Sobre las sopranos, dado que no conocía a ninguna de las dos, podía esperarse tanto lo mejor como lo peor, que de todo nos ha traído Helga, y esta vez nos trajo una de cada.

Ildar Abdrazakov es un buen bajo, elegante y buen fraseador, pero no es voz para Mefistofele, pues este papel requiere un volumen y una rotundidad, sobre todo en los graves, que le son completamente ajenos. De hecho, intentando sonar como el bajo que no es, falseó con frecuencia su registro medio y grave, lo que restaba belleza y credibilidad a su canto. Aún así, su actuación fue muy buena y en los fragmentos en los que se encontraba más cómodo y en los que no tenía que luchar contra el volumen de la orquesta demostró ser un muy buen cantante. Me gustaría volver a escucharlo en un papel en el que se encontrase más cómodo, como en el Moïse et Pharaon de Rossini que va a cantar en Roma bajo la batuta de Riccardo Muti. También va a cantar el Procida de I vespri siciliani en Turín, papel que tampoco me parece el más indicado para su voz.

Ramón Vargas cuenta con el mismo handicap que Abdrazakov, pues se trata de un lírico-ligero cantando un papel compuesto para un lírico pleno; uno que, además pueda hacerse oir por encima de la orquesta. Como ya dije cuando comenté su reciente Nemorino de L'Elissir d'Amore, su voz ya no es la de hace años, ha perdido brillo y facilidad para los agudos, pero el arte sigue estando ahí. Empezó bastante flojo, incómodo y demasiado precavido en Dai campi, dai prati. El fraseo se resentía y los agudos parecían costarle y cuando salían estaban estrangulados. Sin embargo, todo mejoró a partir del segundo acto y sus dúos con Margherita y Helena fueron muy buenos. Cerró la obra mucho más cómodo y entregado, cantando muy bien el aria Giunto sul passo estremo. Aún así, el de Fausto es un papel que excede las posibilidades de su voz.

El papel de Margherita corrió a cargo de la soprano canadiense Yannick-Muriel Noah, una joven y desconocida cantante que me gustó bastante y me dejó con ganas de volver a escucharla. Su voz, a diferencia de las de sus partenaires masculinos, sí es adecuada para el papel que interpretó. Se trata de una voz ancha, con mucho cuerpo, pastosa y oscura aunque algo entubada, algo habitual en cantantes negras, no sé si por escuela o por genética. A mí me suelen gustar este tipo de voces, lo que posiblemente me predispuso en cuanto abrió la boca a disfrutar con su canto y así lo hice. En su aria L'altra notte in fondo al mare estuvo muy expresiva y demostró ser capaz de matizar y tener un buen control del fiato. No hizo los trinos, pero ¿quién los hace? Ah, sí, la Callas. Y la Caballé, vale. Bueno, reestructuramos la frase: No hizo los trinos, pero la Tebaldi tampoco los hacía y no pasaba nada.

La venezolana Lucrezia García cantó el papel de Helena demostrando que va sobrada de voz. Va tan sobrada que tiene dos, totalmente desconectadas entre sí. Y aparte del volumen, no pude encontrar en ninguna de ellas muchos aspectos destacables. Correcta pero poco expresiva, sacó adelante su papel y ya está.

Maria Luisa Corbacho y Javier Agulló, secundarios habituales en Les Arts, cantaron sin problemas sus breves dobles papeles de Marta y Pantalis y de Wagner y Nereo respectivamente.

Se me olvidaba comentar que durante toda la representación hubo un obvio pero interesante juego de luces (azul para los coros celestiales, rojo para Mefistofele) que ayudó a ambientar la escena, y que cada vez que cantaban las falanges celestes alguien tuvo la idea de introducir sonidos pregrabados de truenos, en plan Culshaw en el Ring de Solti. Cuando sonó la primera vez, y estando yo sentado como estaba al lado de un altavoz, dí tal bote en mi butaca que creía que me iban a tener que bajar del techo con una carretilla elevadora. Pero pese a los rayos y truenos, fue una gran noche de ópera. Eso sí, habrá que ver qué títulos propone Helga para futuras versiones en concierto, porque o son muy de mi agrado o a mí en ese auditorio de pésima sonoridad no me vuelven a ver el pelo.

PS: Para Assai, que me comentó que no conocía el DVD de Mefistofele con Samuel Ramey y la producción de Carsen (¡imprescindible!), he encontrado la obra entera con subtítulos en español en Youtube. Aquí tienes el primero de los doce vídeos en los que está dividida.

Vídeo de MrMosquiz

Carlosaurio: the mockumentary short

2011-04-21T09:44:00.005+02:00

Ya sé que un horror tan grande como su puesta en escena de Carmen en Les Arts es difícil de perdonar, pero después de haberse prestado a esto, tenemos que admitir que Carlos Saura es un grande.

Carlosaurio (w/ English subtitles) from vicisitud y sordidez on Vimeo.

Aprile

2011-04-09T12:16:00.007+02:00

APRILE - Francesco Paolo Tosti

Non senti tu ne l'aria
il profumo che spande Primavera?
Non senti tu ne l'anima
il suon de nova voce lusinghiera?
È l'April! È la stagion d'amore!
Deh! vieni, o mia gentil su' prati'n fiore!

Il piè trarrai fra mammole,
avrai su'l petto rose e cilestrine,
e le farfalle candide
t'aleggeranno intorno al nero crine.
È l'April! È la stagion d'amore!
Deh! vieni, o mia gentil su' prati'n fiore!

Vídeo de alechorseman

Vídeo de CurzonRoad

Vídeo de musicanth

Vídeo de dphmichigan

Vídeo de columbus79

Vídeo de C1r5a19

Vídeo de RADAMES1983

Vídeo de Stimmritzenprotz

Vídeo de tenorisimo1975

L'elisir d'amore en la playa

2011-04-04T23:01:00.011+02:00

Ayer asistí a la cuarta de las funciones de L'elisir d'amore en el Palau de les Arts y debo decir que salí contento, algo que aún no me había pasado esta temporada. No fue una noche perfecta, no es tampoco un título que me apasione, pero me divertí y tuve la oportunidad de disfrutar con un gran cantante como es Ramón Vargas.

Hay cierta división de opiniones entre los aficionados que han asistido a estas funciones y creo que el motivo principal de tal disparidad está más en la puesta en escena de Damiano Michieletto que en lo musical. Se trata de una coproducción entre el Palau de les Arts y el Teatro Real que ha visto la luz por primera vez en estas funciones y cuya idea principal consiste en trasladar la acción a una playa de nuestra época, transformando a Nemorino en un socorrista, a Adina en la dueña de un chiringuito, a Belcore en un marino de permiso y a Dulcamara (y esto ha sido lo más polémico) en un camello. Tenía mis reservas sobre esto último, es un tema delicado y no sabía si Michieletto lo habría sabido manejar adecuadamente, pero lo cierto es que me convenció, y una gran mayoría del público pareció incluso simpatizar más con Dulcamara que con los otros personajes. En conjunto, mi opinión es que la actualización playera es todo un acierto, pues sigue siendo un paisaje tan costumbrista como el original pero mucho más dinámico y divertido para el público actual. Y es que para tragarse un Elisir con una escenografía fiel al libreto a estas alturas hay que tener voluntad. Además, la publicidad que se hace de tres marcas comerciales presentes en la escenografía supongo que habrá generado ciertos ingresos que no vendrán nada mal.

Dicen quienes asistieron a las primeras representaciones que a Omer Meir Wellber se le fue un poco la mano con las dinámicas, pero ayer estuvo muy controlado y no salió de una eficiente corrección, impersonal y sin demasiada chispa, pero corrección al fin y al cabo. La orquesta volvió a lucir su sonido impecable y el coro volvió a destacar por su calidad, además de por lo bien que actuaron en una puesta en escena que los mantiene casi siempre en escena.

Entre los solistas, el mejor con diferencia fue el tenor mexicano Ramón Vargas, un cantante elegante, con buen gusto y un técnica sólida. Su voz, antaño brillante y de gran belleza, se ha tornado opaca y ha perdido parte de su atractivo, algo normal en un cantante con treinta años de carrera a sus espaldas. Este deterioro, nada alarmante pero incuestionable, fue especialmente notorio durante sus primeras intervenciones, pero a medida que avanzaba la obra la voz de Vargas iba calentándose y ganando en presencia y calidad. Sin embargo, no fue su voz sino su arte lo que disfrutamos más ayer, especialmente en la famosa Una furtiva lagrima, que cantó de forma exquisita, recreándose con unos reguladores y un alarde de fiato de primer nivel. En la faceta actoral, Vargas estuvo muy entregado, componiendo un Nemorino ingenuo pero sin caer en la caricatura.

Por contra, Aleksandra Kurzak no me gustó como Adina. Quizá esperaba algo más, dado que para muchos es una de las promesas más firmes del belcantismo, pero lo cierto es que no me gustó ni su voz, con un timbre agrio en los agudos y sin graves, ni cómo resolvió las agilidades, ni me pareció que destacara por nada en su interpretación. No se si tuvo un mal día o es que no supe apreciar los detalles que han gustado a otros oyentes, pero me pareció una cantante de lo más normalito.

Ilona Mataradze me gustó más en su breve intervención como Gianetta. Tiene una voz bonita y que corre adecuadamente y estuvo muy metida en su papel.

Fabio Capitanucci lució una voz de barítono sana y joven y también se involucró mucho en su actuación como Belcore, pero se echó en falta algo más de imaginación en el fraseo.

Y por último, Erwin Schrott, ya un habitual del Palau de les Arts, demostró una vez más con su Dulcamara la calidad de su voz, grande y bien proyectada, y lo mal que la utiliza a causa de su mal gusto como intérprete. Histriónico hasta lo desagradable, sobreactuado, perdiendo la impostación cada dos por tres en busca de efectos supuestamente cómicos que desestabilizaban la linea de canto hasta hacerla casi irrecinocible (se cargó la barcarola del segundo acto él solito, mientras la pobre Kurzak intentaba cantarla como se debe), uno no puede dejar de lamentar que una voz de calidad se use de esa forma. Sin embargo, el público le aplaudió a rabiar, casi tanto como a Vargas, lo cual me hace ser muy pesimista sobre el futuro de la interpretación operística. Ojalá Schrott acabe topándose con un director musical que lo meta en cintura, pues los cantantes con tendencia al desmelene suelen necesitar de un director fuerte que los frene (como Mario del Monaco con Mitropoulos o Karajan, que lo llevaban atado en corto y le sacaron sus mejores interpretaciones). Si alguna vez algún teatro reuniese al Dulcamara de Schrott y al Nemorino de Villazón en un mismo Elisir, tiemblo solo de pensar lo que podría pasar.

Canciones encadenadas XVII: Irlanda

2011-03-24T19:55:00.001+01:00

En la última entrega del juego de las canciones encadenadas, The Pogues y The Dubliners nos llevaron de Nueva York a Irlanda con su canción The Irish Rover. En esta, vamos a rodearnos de violines, flautas y pelirrojos borrachos escuchando música irlandesa o relacionada con la verde Irlanda.

Empieza el juego Teresa con The Lass of Aughrim, sacada del film The Dead (Dublineses) de John Huston.

Vídeo de RubDMC01

Atticus también opta por una película de temática irlandesa, la inolvidable The Quiet Man, de John Ford, en cuya banda sonora se escucha la canción The Isle of Innisfree de Richard Farrelly, que escucharemos cantada por Anne Shelton.

Vídeo de ferrarial

Seguimos sin salir del cine: Glòria nos trae Women of Ireland, interpretada por The Chieftains, que podemos escuchar en la banda sonora de Barry Lyndon, que dicho sea de paso, es una de mis películas favoritas.

Vídeo de wiktusix

Barbebleue nos saca de la sala de cine con un clásico barbazúlico, Van Morrison, y su canción Irish Heartbeat.

Vídeo de realvsmith

Alfredo nos trae esta intimista interpretación de Irish Ways and Irish Laws de Sinead O'Connor.

Vídeo de ChagrinGauthier

Xim nos descubre a un grupo irlandés, Villagers, con su canción Becoming a Jackal. Dice que tienen un futuro prometedor, y desde luego esta canción lo demuestra.

Vídeo de DominoRecords

José Luis me da a elegir entre la Irlanda dramática y la Irlanda de taberna, no sé si consciente de que mi primera opción siempre será la taberna, hablemos de Irlanda o de cualquier otro lugar. Pero, para evitar la repetición ya que más adelante escucharemos otra versión de la tabernaria Whiskey in the Jar, voy a hacer un esfuerzo y me quedo con la dramática My Love Is in America, de Dolores Keane con Mick Hanley.

Vídeo de ryerin

Kalamar nos trae una canción emblemática si hablamos de Irlanda, Danny Boy, cantada por Judy Garland. Aunque debo decir que a mí me gusta más esta otra versión.

Vídeo de nimbusmiranda

Assur elige el final de Riverdance, un espectáculo de baile tradicional irlandés (stepdance).

Vídeo de Ka3kay

Y por último, mi elección es la versión de la tabernaria Whiskey in the Jar que hizo el grupo de Castellón Tom Bombadil años ha y que se convirtió en uno de los himnos alcohólicos de mi generación: Whisky en el bar. La escucharemos en el que fue el regreso del grupo a la actividad musical en las fiestas de la Magdalena del 2009. Aunque no se me vea, yo estaba entre el público.

Vídeo de tombombadilcs

Para la siguiente entrada, vamos a pensar canciones relacionadas con el WHISKY, posiblemente el licor al que más música se ha dedicado.

Ligeti, la vanguardia y la autocrítica

2011-03-13T18:37:00.006+01:00

"Respecto de la vanguardia se me ocurre la siguiente imagen: Estoy sentado en un avión, el cielo es azul, veo un paisaje. De pronto el avión se sumerge en una nube y todo se vuelve gris y blanco. Al principio, ese tono de gris parece interesante porque contrasta con el paisaje anterior, pero al poco tiempo resulta monótono. Cuando salimos de la nube, se ve de nuevo el paisaje, que ya no es el mismo de antes, ha cambiado totalmente. Con Schönberg y la Escuela de Viena, después con la generación de posguerra de Darmstadt y Colonia (a la cual más o menos yo también pertenecí), en este siglo hemos traspasado esa nube de alta entropía. En el preciso instante en que salgo de esa nube, veo -y lo digo de manera sumamente crítica- que hemos compuesto una música horrible. Nosotros todos, mi generación (no me excluyo). Esa música horrible fue una consecuencia de la música dodecafónica, del cromatismo total."

György Ligeti

Extracto de un diálogo entre György Ligeti y Manfred Stahnke disponible AQUÍ.

Vídeo de ElMiusikman

Maazel se despide del Palau de les Arts con 1984

2011-03-07T18:23:00.011+01:00

Ayer se cerró una etapa de la corta historia del Palau de les Arts con la despedida de quien ha sido el creador y director titular de su excelente orquesta, Lorin Maazel. Se fue demostrando una vez más que es un grandísimo director y que se ha ganado el respeto y la admiración de los miembros de la orquesta, el coro y el público. Desgraciadamente, también ha demostrado que su talento como compositor no es acorde a su buen hacer con la batuta. Y es que su ópera 1984, representada en tan sólo tres ocasiones desde su composición (su estreno en Covent Garden, posteriormente en La Scala y ahora en Les Arts) es un engendro que dificilmente habría visto la luz de no tratarse su autor de quien se trata, si no tuviese las influencias que tiene y si no pudiese imponerla por contrato como todos sospechamos que hizo.

Aunque estaba previsto que esta obra se representase en la segunda temporada de Les Arts, una inundación forzó su retirada del cartel y la pospuso hasta ahora. Creo que a todos nos habría gustado que Maazel se pudiese despedir de su público con una obra de más calado, pero Helga no mandó sus sótanos a luchar contra los elementos y las cosas han venido así. Pese a todo, y como ya dije antes, la escasa entidad de 1984, una mezcolanza de estilos sin demasiado criterio (o peor, con un criterio perverso, lo explicaré a continuación) no ha sido impedimento para que Maazel diese lo mejor de sí mismo sobre el podio e hiciese sonar a la orquesta como sólo él sabe hacerlo.

¿Por qué digo que el criterio a la hora de mezclar estilos de Maazel es perverso? Siguiendo el acertado razonamiento de Fernando López Vargas-Machuca en su crónica de la función del pasado viernes (disponible AQUÍ), Maazel usa la música tonal de inspiración pucciniana (pero sin el talento de Puccini, huelga decirlo) para los momentos de exaltación del amor; el blues, el jazz o el estilo de los musicales de Broadway como recuerdo de una época mejor y como esperanza de un retorno a la felicidad y la música atonal para representar el mundo opresivo del año 1984, la dictadura del Gran Hermano y los tejemanejes de la Policía del Pensamiento. En un momento del segundo acto, cuando Winston escucha a una proletaria cantando una melodía de estilo pseudo-Broadway, dice algo así como: "Los proletarios son el futuro. El Partido grita, los proletarios cantan". Creo que esa es la clave de la obra, y que es una clave perversa. Como bien me dijo maac en el segundo entreacto, si Maazel considera que el Partido grita, podría haberse ahorrado buena parte de los gritos que constituyen el tedioso y excesivamente largo primer acto.

Y es que esa es otra de las razones por las que esta obra no consigue alzar el vuelo: el libreto es excesivamente descriptivo y poco teatral. Insiste una y otra vez en retratar un mundo que el espectador con un poco de cultura literaria ya conoce y hace que los personajes caigan con frecuencia en el monólogo infructuoso, totalmente ajeno a la acción. Los momentos con una música más elaborada, como la intervención de Syme o la clase de gimnasia, ambos en el primer acto, están absolutamente aislados de la trama y no tienen otra función que la de servir de ambientación.

Vocalmente, hay que destacar la actuación del Cor de la Generalitat, con el que Maazel se mostró inmisericorde al enfrentarlos a un volumen orquestal excesivo, y de los coros infantiles (Escola Coral Veus juntes de Quart de Poblet, Escolanía de la Mare de Déu dels Desamparats y Pequeños Cantores de Valencia).

Entre los solistas, me gustó Michael Anthony McGee como Winston Smith, más en lo actoral que en lo puramente vocal (habría que escucharlo en alguna obra más cantable para hacerse una idea de sus posibilidades). Nancy Gustafson (Julia), cuya voz acusa el paso del tiempo, no tiene problemas con un papel hecho a su medida. Lo mismo puede decirse del tenor Richard Margison (O'Brien), otra voz importante pero gastada, que me pareció el mejor cantante de cuantos subieron al escenario ayer. Tanto Silvia Vázquez como Andrew Drost, la primera en su doble papel de monitora y de borracha, el segundo como Syme, se enfrentan a una partitura difícil y la salvan de forma impecable. También Lynton Black (Charrington) y Mary Lloyd-Davies (proletaria) cumplen con corrección en sus breves papeles, así como la soprano Irina Ionescu cuyos sobreagudos se oyen por encima del coro de la primera escena y doblan por momentos a Syme en su primera intervención. Graeme Danby (Parsons) fue el único que no dio la talla y quedó tapado por la orquesta con facilidad.

Así como todas las críticas han coincidido en la mediocridad de la música y el libreto, también hay unanimidad en la buena opinión que merece la puesta en escena de Robert Lepage, basada en una plataforma giratoria que sirve para crear diversos ambientes, ayudada por el uso de proyecciones. La estética está muy lograda, mezclando elementos propios de la dictadura stalinista que inspiró a Orwell con otros que le resultan más cercanos al público actual, como los monos de color naranja de los prisioneros que inmediatamente relacionamos con Guantánamo. Lo mejor, sin embargo, no está en la escenografía ni en el vestuario, ambos muy logrados, sino en la cuidadísima dirección de actores, que consiguió sacar lo mejor de cada intérprete, especialmente del protagonista, al que somete a un gran desgaste físico.

A pesar de que su propia obra no está a su altura como director, Maazel fue braveado y aplaudido efusivamente por el público, más como agradecimiento por su labor durante los últimos años que por su calidad como compositor. Como su despedida coincidió con su 81 aniversario, la orquesta le sorprendió tocando "cumpleaños feliz", que fue coreado por el público y acompañado por el lanzamiento de octavillas y papelitos de colores. Tras largos minutos de aplausos, se cerró el telón y con él la primera etapa del Palau de les Arts. Queda por depejar la incógnita que a todos nos preocupa, si la orquesta superará la marcha de su creador y la escasez presupuestaria de Les Arts sin perder su calidad.

Maazel y el contrabajo más pequeño del mundo

2011-03-02T18:26:00.003+01:00

Buscando información sobre la ópera 1984 de Lorin Maazel he dado con este vídeo, que no tiene nada que ver con tal obra sino con tal año, concretamente con el vienés concierto de año nuevo en el que Maazel, director de turno, decidió interpretar una polka de Johann Strauss él mismo con su contrabajo, si hacemos caso del locutor de TVE.

Vídeo de munrraku

Nixon, Ross, Schoenberg y unas señoritas enseñando cacho

2011-02-19T00:50:00.002+01:00

Algunos de los que estáis leyendo esto acudísteis la semana pasada a los cines de vuestra ciudad en los que se proyectaba en directo desde el Met la ópera Nixon in China de John Adams. Otros, como yo, vivimos en el culo del mundo y no tenemos ningún cine cerca al que acudir a ver óperas, lo que no nos impide hablar sobre ello, como demuestran estas líneas, porque como ya he dicho varias veces, si sólo hablásemos de lo que conocemos iba a tener un blog el maestro armero.

Pues bien, me dispongo a hablar de la reciente retransimisión de Nixon in China, ópera de la que sólo he escuchado fragmentos y que me despierta mucha curiosidad (aunque debo decir que he escuchado otros trabajos del mismo autor y nunca han acabado de convencerme) más por lo que tuvo de peculiar su retransmisión que por sus cualidades musicales, ya comentadas ampliamente en otros blogs como In Fernem Land o Calamares en su tinta. Y concretamente, lo que me lleva a escribir sobre esta ópera es el hecho de que una obra de reciente composición forme parte del repertorio, al menos al otro lado del Atlántico, donde se ha venido representando con cierta frecuencia desde su estreno en 1987. De hecho, actualmente está representándose al mismo tiempo en el Met de Nueva York y en el Four Seasons Centre de Toronto, sede de la Canadian Opera Company, y está programada en las temporadas de ópera de Kansas City y San Francisco el próximo año.

Vídeo de musicvideoing

Independientemente de mi opinión sobre la obra, aún no formada, o sobre mi parecer sobre la música de John Adams en general, debo decir que me alegro de que una obra actual haya conseguido entrar a formar parte de un repertorio que parecía inmutable y que corría el riesgo de apolillarse o de expandirse sólo gracias al redescubrimiento de partituras olvidadas del pasado. Siempre he defendido que cada época necesita de unos artistas que hablen de temas que interesen a su público y lo haga en un lenguaje propio de la época, y me parece antinatural que haya quien, en el siglo XXI, sienta más afinidad con las historias románticas de Walter Scott o Victor Hugo musicadas por Donizetti o Verdi que con los temas de los que tratan las óperas de John Adams. Ojo, estoy hablando de temática, que no de calidad musical. Yo soy el primero que disfruta como un enano con Lucia di Lammermoor o Ernani, pero reconozco que esas óperas tratan temas que interesaban al público en la época de sus estrenos y ahora han quedado como piezas de museo, al igual que las obras literarias en las que se basaban.

Supongo que aquí es donde saltará más de uno diciendo que más vale malo conocido que bueno por conocer, que el público sigue prefiriendo las obras de toda la vida antes que estas moderneces y que siempre tendrá más éxito una buena Tosca que un Nixon in China. Bueno, pues no es así, o al menos no lo es a todos los niveles. A raiz de la retransimisión de Nixon in China se ha visto un movimiento en las redes sociales, concretamente en Twitter, que nunca antes se había producido. Y este movimiento, este interés de un público joven por comentar sus impresiones acerca de una ópera, a veces incluso en directo, no se ha producido con una Tosca, ni con una Traviata, ni con una Valquiria, sino con Nixon in China. Como comentan algunos tweets (podéis leerlos AQUÍ), es el primer hashtag con temática operística que recibe un seguimiento masivo desde que existe Twitter. El crítico musical Alex Ross, autor del célebre libro sobre música contemporánea The Rest is Noise (traducido pésimamente al castellano por culpa de Luis Gago como El ruido eterno) comentó, también a través de Twitter: "It's very fun—actually kind of thrilling—to read the twitterwide reaction to #nixoninchina. Is this prophetic?" (Es muy divertido -en realidad algo excitante-leer la reacción en twitter a #nixoninchina. ¿Es esto profético?). Pues posiblemente la respuesta sea sí.

En nuestro país también se está a punto de producir una conjunción de obras contemporáneas, pues al reciente estreno de La página en blanco de Pilar Jurado en el Tetro Real de Madrid se une la inminente aparición de 1984 de Lorin Maazel en la cartelera del Palau de les Arts. Quienes han asistido al estreno de la primera comentan que tiene ciertos aspectos positivos, aunque no consigue superar el lastre que le supone un pésimo libreto, lo que parece augurarle una corta vida. Tampoco 1984, que servirá como despedida de su autor como director titular del Palau de les Arts, parece que vaya a sobrevivirle, pues hasta ahora su programación en los teatros ha ido unida a su presencia como director y no sería descabellado pensar que el propio Maazel la ha impuesto como condición ineludible al firmar su contrato. En cualquier caso, el hecho de que se estrenen obras nuevas, sean mejores o peores, es siempre una señal de que el género sigue vivo.

Vídeo de elnim

Me dejo para el final una reflrexión que no es mía, sino del ya mencionado Alex Ross en el ya mencionado libro The Rest is Noise. Es bastante habitual escuchar voces entre el público que acusan a los autores contemporáneos de no estar interesados en agradar al público, de sentirse superiores y componer música extremadamente difícil, cuando no directamente experimental, sin tener en cuenta que a quienes asisten a los teatros les gusta la melodía tradicional, sin atonalismos, sin dodecafonismos, sin minimalismos, sin rarezas de esas. Es también habitual, desgraciadamente, escuchar que la ópera murió con Puccini o como mucho con Strauss y la culpa es de los compositores que, a partir de entonces, se olvidaron del público. Pues bien, eso no es así, no fueron los compositores quienes dieron la espalda al público sino el público quien dió la espalda a los compositores. Y si hay un caso en el que este cambio de actitud queda patente, ese es el de Arnold Schoenberg.

Schoenberg, de origen humilde, tuvo que luchar y esforzarse para poder estudiar música primero y para llegar a estrenar sus composiciones después. Heredero de la tradición romántica de Brahms, Wagner y Mahler, sus primeras composiciones suponen una evolución, nunca una ruptura, del estilo imperante en la época, una vuelta de tuerca a la música de Mahler, Strauss, Zemlinsky... Quien escucha piezas tempranas como el sexteto de cuerdas Verklärte Nacht o los Gurre-lieder esperando encontrarse con algo árido y escabroso, al estilo de las composiciones serialistas del Schoenberg maduro, suele sorprenderse porque son mucho más fáciles de lo que creía, el hilo que las une con grandes favoritos del público como los mencionados Mahler y Wagner es evidente. Podemos decir, y diremos bien, que Schoenberg tuvo en cuenta los gustos del público cuando las compuso, limitándose a dar un paso más en la evolución musical. Sin embargo...

...los compositores sí tenían una buena razón para revelarse contra el gusto burgués: el culto del pasado imperante amenazaba su propio sustento. Viena estaba realmente obsesionada con la música, pero estaba obsesionada con la vieja música, con las obras de Mozart y Beethoven y el ya fallecido doctor Brahms. Estaba moldeándose un canon y las obras contemporáneas estaban empezando a desaparecer de los programas de concierto. A finales del siglo XVIII, el 84 por ciento del repertorio de la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig estaba integrado por música de compositores vivos. En 1855, la cifra había descendido al 38 por ciento, en 1870 al 24 por ciento. Entretanto, el gran público estaba enamorándose del cakewalk y de otras novedades populares. El razonamiento de Schoenberg era el siguiente: si el público burgués estaba perdiendo interés por la nueva música, y si el emergente público masivo no tenía apetito de música clásica, nueva o vieja, el artista serio debería dejar de agitar sus brazos en un intento de llamar la atención y retirarse, en cambio, a una soledad en compañía de sus propios principios.

extracto de The Rest is Noise, de Alex Ross

Schoenberg, por lo tanto, no dió la espalda al público, sino que, tras ver como el público le daba la espalda, decidió concentrarse en sus experimentos, ajeno a la recepción que estos tenían entre una audiencia cerrada a cualquier novedad. De estos experimentos con la atonalidad surgió el serialismo, que supuso otro paso adelante en la evolución de la música occidental y gracias al cual podemos disfrutar de auténticas maravillas como su ópera Moses und Aron o Wozzeck y Lulu, de su discípulo Alban Berg. Sin embargo, Schoenberg siempre lamentó en su fuero interno esta desconexión con el público. En otro capítulo del libro de Alex Ross, Ronald Schoenberg, hijo del compositor, recuerda como una vez, cuando la familia se había trasladado e Estados Unidos huyendo del Tercer Reich, entraron en un bar de zumos en la Autopista 1 y la radio estaba emitiendo Verklärte Nacht. "Jamás lo vi tan contento", dice.

Así pues, si fue el público quien cerró las puertas a los músicos contemporáneos, obligándoles a iniciar la travesía del desierto, también debe ser el público quien salga al encuentro de los compositores, interesándose por sus creaciones, apoyando las que crean mejores y perdiendo de una vez por todas ese miedo a lo moderno y esa obsesión acomodaticia que hace que muchos se cierren en banda ante cualquier cosa que no sea su enésima Tosca o su enésima Traviata. Que hay vida después de Puccini.

Y para acabar, os dejo con el vídeo marciano de la semana, recién encontrado en Youtube. Una mezcla de imágenes de bellas señoritas de senos turgentes con Verklärte Nacht como fondo musical con el inquietante título "Tetas y Schoenberg, no necesitas nada más". Una combinación que nunca se me habría ocurrido y que de buen seguro habrá atraído a más de uno hacia la música de Schoenberg. No me preguntéis quién lo ha colgado ni qué pretendía con ello, que yo soy el primer sorprendido.

Vídeo de darkmoma

Canciones encadenadas XVI: New York

2011-02-08T20:13:00.001+01:00

La última edición del juego de las palabras encadenadas la cerró Lou Reed con su Romeo Had Juliette, sacado de su álbum New York. En esta nueva edición vamos a escuchar canciones inspiradas por esta ciudad norteamericana.

Abre el juego Alfredo con Chelsea Hotel, la canción que Leonard Cohen le dedicó a Janis Joplin.

Vídeo de ark80

Xim rescata a Nina Hagen del punk de los 80 con New York New York.

Vídeo de Zekitcha2

Allau opta por el Manhattan de Rodgers & Hart en la voz de Ella Fitzgerald.

Vídeo de phalenopsis1

Glòria se acuerda de No hay marcha en Nueva York de Mecano. Con versos tan gloriosos como "No hay marcha en Nueva York / y los jamones son de York".

Vídeo de Mecano7

José Luis prefiere la versión de estudio de New York's Not My Home de Jim Croce, pero como el usuario que la colgó en youtube ha cerrado su cuenta, nos conformaremos con este directo, que también está muy bien.

Vídeo de ppmcsk

Barbebleue vuelve a uno de sus clásicos: Jefferson Airplane, esta vez filmados por Jean-Luc Godard en una azotea neoyorquina.

Vídeo de dustasdu

Kalamar elige el corto PIXELS, de Patrick Jean, en el que los videojuegos invaden la gran manzana.

Vídeo de onemoreprod

Assur pide la escena del museo de historia natural de Un día en Nueva York cantada por Ann Miller. ¿Es esta, por un casual?

Atticus sigue a Assur en su elección hollywoodiense y elige Puttin' On the Ritz, de Irving Berlin, en la interpretación de Fred Astaire en la película Blue Skies. Yo prefierto la de Gene Wilder y Peter Boyle en El jovencito Frankenstein, pero vaya, esta tampoco está mal.

Video de inonemus

Baltolkien me daba a elegir entre dos canciones y la ganadora ha sido New York City Boys de Pet Shop Boys.

Vídeo de Parlophone

Joaquim también extrae su elección de una película, concretamente de New York, New York, de Martin Scorsese, en la que Liza Minelli canta el tema homónimo de Kander & Ebb.

Vídeo de Nimopota

Y seguimos en el cine con la elección de Teresa, la emocionantísima Innocent When You Dream de Tom Waits, sacada de la película Smoke de Wayne Wang.

Vídeo de badhill

Ya solo queda mi elección, que en este caso es The Irish Rover, interpretada por The Dubliners y The Pogues, que cuenta la historia de un barco que salió del puerto de Cork con un cargamento de ladrillos para construir el ayuntamiento de Nueva York. ¿Acaso no podían fabricar ladrillos en América?

Vídeo de whiteSM05

Para la siguiente entrada, siguiendo el título de este último tema, pensaremos en canciones que guarden algún tipo de relación con Irlanda o los irlandeses. Espero vuestras propuestas mientras me bebo una (o varias) Guiness a vuestra salud.

Dmitri Korchak, un tenor con futuro

2011-01-31T17:50:00.002+01:00

Todos los comentarios que he leído acerca del Eugene Oneguin del Palau de les Arts coinciden en recalcar la excelente labor del joven tenor ruso Dmitri Korchak como Lenski. Ciertamente, en un reparto en el que nadie más destaca para bien ni para mal, Korchak es el único que consigue traspasar la barrera que separa la interpretación mecánica de la partitura del auténtico arte que transmite sentimientos, y lo hace mediante el uso de reguladores y el juego de dinámicas, con unos bellos pianísimos en la segunda estrofa de su aria Kuda, kuda que causan la admiración del público en cada función.

La primera vez que escuche a Dmitri Korchak no fue en directo, sino en un DVD editado en el año 2007, una grabación de una ópera que permanecía sin estrenar pero que es muy recomendable: Il dissoluto punito, ossia Don Giovanni Tenorio, de Ramón Carnicer. Si compré el DVD fue por la curiosidad que me producía escuchar este título, no por el reparto, ya que apenas conocía uno o dos nombres (exceptuando al director, el gran Alberto Zedda) y tampoco me decían gran cosa, pero lo cierto es que quedé muy contento con el resultado y especialmente con el rendimiento de Korchak, que interpreta a Don Giovanni. Vamos a verlo luciendo músculos en un aria de dicha grabación.

Vídeo de hotazzoperastud

Por lo que he podido saber, Korchak lleva cantando desde al menos el año 2002, cuando graba su primer DVD, precisamente un Eugene Oneguin, con la compañía del teatro Novaya Opera de Moscú. Su lanzamiento internacional, sin embargo, llega en el año 2004 cuando gana el concurso Francisco Viñas y obtiene dos premios en Operalia.

Tras verle como Don Giovanni, volví a encontrarme con Korchak, esta vez en directo, cuando su nombre apareció en el cartel de L'Arbore di Diana de Martín y Soler, ópera con la se estrenó en el año 2008 la sala del Palau de les Arts que lleva el nombre del compositor valenciano. Korchak estuvo muy bien, destacando por encima del resto de papeles masculinos, aunque en esta ópera son las mujeres las que de verdad se llevan el gato al agua. Escuchémosle en una de estas funciones valencianas.

Vídeo de cygankvao

Hasta ahora, su carrera se ha basado sobre todo en el belcanto de Rossini, Bellini y Donizetti y en Mozart, aunque la aparición de papeles como Werther de Massenet o Alfredo de La Traviata de Verdi, así como la reciente escucha de su Lenski y la constatación del ensanchamiento que está experimentando su voz, hace presagiar que en el futuro se irá acercando a papeles cada vez más propios de un tenor lírico y menos de un ligero. Según su página web, en la actualidad tiene estos papeles en repertorio (sin contar misas, oratorios y demás):

Bellini V. – La Sonnambula (Elvino)
Bellini V. – I Puritani (Arturo)
Bizet G. – Les Pecheurs de perles (Nadir)
Carnicer R. – Il Dissoluto punito (Don Giovanni)
Donizetti G. – L’Elisir d’amore (Nemorino)
Donizetti G. – Don Pasqualle (Ernesto)
Donizetti G. – Dom Sebastien (Dom Sebastien)
Donizetti G. – La fille du regiment (Tonio)
Donizetti G. – La Favorita (Fernando)
Ibert J. – Persee et Andromede (Persee)
Jomelli N. – Demofoonte (Demofoonte)
Lehar F. – Die Luestige Witwe (Camille de Rossilion)
Martin y Soler V. – L’arbore di Diana (Endimeone)
Massenet J. – Werther (Werther)
Mozart W.-A. – Die Entführung aus dem Seral (Belmonte)
Mozart W.-A. – Cosi fan tutte (Ferrando)
Mozart W.-A. – Die Zauberflöte (Tamino)
Mozart W.-A. – Don Giovanni (Don Ottavio)
Musorgski M. – Boris Godunov (Jurodivy)
Ravel M. – L’Enfant et les sortileges (Thierry, Rainette)
Ricci F.– Corrado d’Altamura (Roggero)
Rimski-Korsakov N.A. – The Snow Maiden (Tsar Berendey)
Rimski-Korsakov N.A. – Mozart & Salieri (Mozart)
Rossini G. – La Gazza Ladra (Gianetto)
Rossini G. – L'equivoco Stravagante (Ermano)
Rossini G. – Il barbiere di Siviglia (Il Conte Almaviva)
Rossini G. – Il viaggio a Reims (Lebenshof)
Straus R. – Der Rosenkavalier (Italian tenor)
Tchaikovsky P. – Evgeny Onegin (Lensky)
Verdi G. – La Traviata (Alfred)
Verdi G. – Falstaff (Fenton)

Como buen belcantista y buen rossiniano, ha sido un asíduo al festival de Pesaro. Vamos a escucharle cantando el aria Vieni fra queste braccia de la ópera La gazza ladra en el festival del 2008.

Vídeo de cygankvao

Y ahora cantando, muy adecuadamente, el himno ruso de Il viaggio a Reims en el 2009 en la Scala de Milán, con la famosa puesta en escena de Luca Ronconi.

Vídeo de signorinaermione

Pero como no sólo de Rossini vive el hombre, terminaremos escuchándole en un concierto de hace sólo tres meses en el que cantó Ella mi fu rapita... Parmi veder le lagrime, la difícil aria del duque de Mantua en Rigoletto.

Vídeo de cygankvao

Yevgueni Oneguin en Les Arts

2011-01-23T18:20:00.003+01:00

Ayer tuvo lugar el estreno de la ópera Yevgueni Oneguin de Piotr Chaikovski en el Palau de les Arts. Debido al poco tiempo del que dispongo últimamente no había podido preocuparme en averiguar nada sobre los intérpretes, todos ellos nuevos para mí, incluyendo al nuevo director titular de la orquesta de Les Arts, Omer Meir Wellber y excluyendo al tenor Dmitri Korchak, a quien ya conocía y de quien esperaba un buen rendimiento.

Empecemos por la labor de Omer Meir Wellber al frente de la orquesta. Tras haber obtenido un éxito considerable con Aida, algo que no pude constatar pues la única función a la que asistí estuvo dirigida por Lorin Maazel, Wellber se enfrentaba a una de las obras cumbres del repertorio ruso que, según dicen, es una de sus especialidades. Lo primero que noté, corroborando lo que muchos comentaron después de su Aida, es que su gestualización es excesiva. Supongo que debido a ello la orquesta responde pasándose de rosca y perdiendo así la capacidad de matizar adecuadamente. Aún así, hay que reconocer que su dirección nunca cayó en la desidia y que el sonido de la orquesta fue tan bello como acostumbra a ser, con esas cuerdas elásticas y esos metales tan precisos. También el coro estuvo tan bien como acostumbra. En lo negativo, algunas veces a Wellber se le descuadraron las voces y la orquesta ligeramente y, sobre todo, la gran polonesa del tercer acto acabó convertida en un batiburrillo informe en la que cada sección de la orquesta parecía ir por libre. Creo que estos detalles negativos pueden ir puliéndose en las próximas funciones y que Wellber, un director prometedor, puede evolucionar a mejor a medida que vaya dominando su gestualidad y que la orquesta se vaya acostumbrando a sus peculiaridades.

En las voces, dominadas por una corrección que no va más allá de lo mínimamente admisible, destacaron los papeles masculinos por encima de los femeninos. Artur Rucinski interpretó el papel principal con un exceso de frialdad en lo actoral y un canto tirando a lo monocorde, sin embargo su voz es de calidad, bella y potente, y eso le permitió salir bien parado. Mucho mejor estuvo Dmitri Korchak como Lenski, superando mis expectativas, con un Kuda, kuda cargado de expresividad y cantado con gran elegancia, haciendo gala de una rica paleta de matices. También gustó mucho al público el Príncipe Gremin de Günther Groissböck, un bajo con una hermosa voz y unos buenos graves. El único cantante masculino que me pareció estar por debajo de lo correcto fue Emilio Sánchez, con un deficiente Triquet al que, desde luego, no ayudaba nada la excesiva ridiculización a la que le somete la puesta en escena.

En las mujeres, correctas sin más Lena Belkina como Olga, Margarita Nekrasova como Filíppievna, Helene Schneiderman como Lárina y, desgraciadamente, también Irina Mataeva como Tatiana. En los casos de las tres primeras, la brevedad de sus papeles hace que la simple corrección sea suficiente, pero el papel de Tatiana pide algo más que simplemente dar las notas y ese algo más fue lo que faltó ayer. No hizo nada mal, desde luego, no desafinó ni fue tapada por la orquesta, no se inventó notas ni evitó los momentos más comprometidos, pero su canto no me transmitió todo lo que yo espero que me transmita una Tatiana.

Y por último, la puesta en escena a cargo de Mariusz Trelinski, procedente del Teatr Wielki (Opera Narodowa) de Varsovia. En el primer acto quedó claro que su intención era la misma que en su Madama Butterfly de la pasada temporada: que la escena reflejase no tanto lugares sino estados de ánimo o sentimientos pertenecientes a la psicología de los personajes, y esto se consigue mediante repentinos cambios de color en la iluminación, juegos de sombras o la presencia de elementos escénicos recurrentes como los árboles o las manzanas que aparecen en el primer acto y vuelven a aparecer, rodando por el escenario al final de la ópera. Pues bien, lo que en Madama Butterfly funcionó a la perfección, ayer se me atragantó por diversas razones. La primera, el recurso a un personaje interpretado por un mimo que hace la función de alter ego de Oneguin y cuya presencia acaba resultando cansina e innecesaria, pues no hace sino recalcar obviedades que ya quedan bien definidas por la música de Chaikovski. Si a eso le añadimos que Trelinski, seguramente desconocedor de la cultura española, le hace caminar como a Chiquito de la Calzada, el resultado final es negativo. Otra razón del fiasco es la falta de coherencia de la propuesta, pues a un primer acto minimalista y elegante le sigue una escena de la fiesta en casa de Lárina con un recurso al feísmo (esas lámparas verdes, ese fondo morado) que llega al ridículo cuando aparece Triquet convertido en una especie de Pumuky vestido con una levita rosa y acompañado por tres querubines en tanga y una especie de bulbo gigante rosa del que sale una bailarina. Desde luego que la escena de Triquet es una horterada, pero si Chaikovski fue capaz de plasmar lo hortera del personaje sin caer en el ridículo, ¿no sería más acertado intentar hacer lo mismo? Tras esto, regresó el minimalismo en una elegante y sobria escena del duelo para depués volver a caer en lo feo y en lo exagerado en el tercer acto. La fiesta en casa del Príncipe Gremin se abre con una especie de desfile de muertos vivientes al ritmo de la polonesa, que no parece lo más indicado y desde luego no lo es. La ambientación también se las trae: suelo ajedrezado plagado de luces rojas, una gran flecha desdendente de color rojo al fondo del escenario y Tatiana convertida en una especie de femme fatale que no le pega ni al personaje ni a la pobre Irina Mataeva, que hizo lo que pudo. Y por último, algo que tampoco me gustó fue la colocación de una pasarela por delante del foso orquestal en la que tienen lugar algunas de las escenas de más tensión, como la discusión entre Lenski y Oneguin o el dúo final. Y es que más allá de lo estético que pueda resultar acercar a los intérpretes al público, los cantantes necesitan una caja escénica para que su voz se proyecte de forma adecuada por la sala y cada vez es más frecuente que los directores de escena no tengan esto en cuenta, haciéndolos cantar desde posiciones que no les favorecen.

Renata Tebaldi, una Tatiana inusual

2011-01-19T18:30:00.000+01:00

Se acerca el estreno de Eugene Onegin en el Palau de les Arts y para prepararnos vamos a escuchar la famosa escena de la carta interpretada de forma magistral por Renata Tebaldi. No es Tebaldi una soprano que se suela identificar con el papel de Tatiana, pero lo cierto es que lo incorporó a su repertorio y lo interpretó, siempre en italiano, en unas cuantas funciones en la Scala, obteniendo un éxito merecidísimo, a juzgar por lo que se escucha en estos vídeos. Desgraciadamente, no hay grabación de estas interpretaciones scalígeras, pero sí se conserva esta escena de la carta, perteneciente a una gala celebrada en la Ópera de Chicago en 1956 en la que junto a Renata Tebaldi participaron Giulietta Simionato y Ettore Bastianini, dirigidos por Georg Solti.

Vídeos de MARISOLDELMONACO

Duelo de contratenores: Ombra cara

2011-01-11T18:25:00.002+01:00

Entre las novedades discográficas del pasado año 2010 hubo dos discos que tienen bastantes cosas en común: Handel Mezzo-soprano arias, de Max Emanuel Cencic y Ombra cara, de Bejun Mehta. Ambos artistas son dos contratenores de nueva hornada, en ambos casos con una técnica admirable, y ambos discos están íntegramente dedicados a composiciones de G. F. Haendel. Por si fuera poco, los dos cuentan con el acompañamiento inmejorable de directores y agrupaciones especialistas en el repertorio: Diego Fasolis con I Barocchisti en el caso de Cencic, René Jacobs con la Freiburger Barockorchester para Mehta. Y ya puestos a sacar parecidos, ambos contratenores fueron destacados niños-sopranos, como podemos comprobar en estos vídeos en los que ambos cantan piezas de Haendel:

Vídeo de fengbo1984

Vídeo de CubbyNH

El disco de Cencic juega con la polémica desde su mismo título, pues tal y como parece indicar, el contratenor croata se ha apropiado de algunas piezas que Haendel compuso para ser cantadas por mujeres en travesti y no por castrati. Son sólo cuatro piezas de las doce que contiene el disco, pero sirvieron para darle una publicidad que no le vino nada mal y para que más de uno se rasgara las vestiduras. Dejando a un lado la anécdota, es un disco muy recomendable en el que Cencic destaca especialmente en los difíciles pasajes de agilidad, resueltos con gran pericia técnica. Podemos comprobarlo en este vídeo en el que vemos la grabación de una de las arias recogidas en el álbum, Lunga serie d'alti eroi, extraída de la cantata Parnasso in festa.

Vídeo de FILBACH

El lanzamiento de Ombra cara no ha resultado tan polémico y por tanto no ha recibido tanta publicidad, aunque el producto la merece. En su primer recital como contratenor (grabó uno como niño-soprano), Mehta se ciñe en la elección del repertorio a arias compuestas para el famoso castrato Francesco Bernardi, Senesino, aunque realmente aparecen unas pocas arias que fueron compuestas para otros castrati, como la que escucharemos seguidamente. Mehta también posee una sólida técnica que le permite enfrentarse a las partes más demandantes (atentos a la larga messa di voce en la palabra "amor" en el vídeo) pero además es un intérprete muy inteligente que sabe sacar lo mejor de cada aria, profundizando psicológicamente y haciendo gala de un registro grave del que no todos los contratenores pueden presumir. Vamos a ver un vídeo, también perteneciente a la grabación del álbum, en el que canta el aria Sento la gioia, de la ópera Amadigi di Gaula.

Vídeo de harmoniamundivideo

Y ahora, la confrontación directa: Sólo una de las arias elegidas por Cencic y Mehta para sus respectivos discos coincide. Se trata del lamento Ombra cara di mia sposa, de la ópera Radamisto. Vamos a escuchar ambas versiones y que cada cual se quede con la que prefiera.

MAX EMANUEL CENCIC:

Vídeo de ilcodega

BEJUN MEHTA:

Canciones encadenadas XV: Shakespeare

2011-01-05T17:11:00.008+01:00

Cambiamos de año pero no de juego. Vuelven las canciones encadenadas, esta vez con el hilo conductor de William Shakespeare y su obra, especialmente Romeo y Julieta, ya que Lou Reed citaba unos versos de esta obra en la canción Legendary Hearts, con la que cerramos la última edición.

Kalamar abre la tanda de canciones shakesperianas con Romeo and Juliet, de los Dire Straits.

Vídeo de davidebruno99

Xim opta por Midnight Summer Dream, de The Stranglers.

Vídeo de nerobat

Allau elige Macbeth de John Cale, que escucharemos en una reciente interpretación en directo.

Vídeo de runwhiteyrun06

Atticus nos trae la fantástica y larguísima Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again, de Bob Dylan, pero como los señores de Sony se dedican a borrar todos los vídeos de youtube con canciones de Dylan, lo más parecido que podemos ver es el inicio de la película I'm Not There, de Todd Haynes, que la usa como banda sonora.

Alfredo opta por la voz de Plácido Domingo cantando In Pace, de Patrick Doyle, temaperteneciente a la BSO de Hamlet, el film de Kenneth Branagh.

Vídeo de ceb2633

Barbebleue se nos pone clásico y nos trae a Piero Cappuccilli cantando el monólogo de Iago, perteneciente a la ópera Otello de Verdi, dirigida en esta ocasión por Carlos Kleiber.

Vídeos de musicman19gtr

Joaquim elige Brush up your Shakespeare, del musical Kiss me Kate de Cole Porter, interpretada por Lee Wilkof y Michael Mulheren, dirigidos por Paul Gemignani.

Vídeo de SISAPIS

Como West Side Story de Leonard Bernstein es una modernización del Romeo y Julieta shakespeariano, Teresa opta por la famosa canción America.

Vídeo de krissit13

Pilar propone un tema de Ciniko, cantante de hip hop, o de rap, no sé cuál es la diferencia entre ambos estilos o si son palabras sinónimas. La canción se titula Romeo y Julieta SXXI.

Vídeo de danny117pk

Tras haber descartado un par de piezas, José Luis acaba eligiendo To Be Or Not To Be, intepretada por los Bee Gees en una época en la que eran todo tupé y dientes.

Vídeo de ZaldarEagle

Maac dice que no soporta Romeo y Julieta de Karina, pero aun así la elige. Pues bueno, pues vale, pues aquí está.

Vídeo de monre1949

Glòria nos trae a Nureyev bailando el Romeo y Julieta de Prokofiev en un vídeo de 1966.

Vídeo de ik4us

Baltolkien se incorpora al juego de las canciones encadenadas con Whatever (I had a dream last night) de Butthole Surfers, sacada de la BSO de Romeo & Juliet, de Baz Luhrmann.

Vídeo de PsychoChick1994

Sólo quedo yo y debo excusarme por volver a traer al mismo cantante que elegí en la edición anterior, Lou Reed, pero es que si pienso en Romeo y Julieta lo primero que me viene a la cabeza es Romeo Had Juliette, la canción que abre su imprescindible álbum New York, en mi opinión la última obra maestra de su carrera. Podría haber optado por Elvis Costello y el Brodsky Quartet con sus Juliet Letters, o por Nick Lowe con la pegadiza Cruel To Be Kind (una cita de Hamlet), o por Tom Waits con Romeo Was Bleeding, pero cualquiera de ellas habría sido una elección falsa, así que pondremos la sinceridad por delante de la variedad y escucharemos esta maravilla.

Vídeo de vivemaker.

Y dado que esta canción pertenece al álbum New York, para la sighuiente edición vamos a buscar canciones relacionadas con esta ciudad. Espero vuestras propuestas.

Feliz 2011

2010-12-31T16:30:00.000+01:00

Berceuse, de William-Adolphe Bouguereau.

Apenas sin tiempo para escribir una entrada como es debido, sólo quiero desearos a todos un feliz año 2011, que vuestros deseos se hagan realidad y que el nuevo año os traiga salud, amor y buena música.

Para mí, más allá de lo musical, este fin de año está marcado por la reciente llegada a la familia imperial de la princesa heredera, que está aquí a mi lado echándose una siestecita mientras escribo esto. Espero que sabréis disculparme si próximamente no puedo dedicarle al blog el tiempo que merece, ya sabéis que las princesas requieren cuidados constantes y que los emperadores somos gente muy ocupada. Aun así, intentaré seguir en la brecha en la medida de lo posible, aunque la periodicidad de las entradas no pueda ser la misma.

Este año 2010 se ha celebrado el segundo centenario del nacimiento de Frédéric Chopin y a mi se me ha pasado por alto dedicarle la entrada que merecía. Todavía estoy a tiempo, y aprovechando que la princesita está empezando a despertarse, vamos a escuchar su Berceuse op.57 interpretada por Arthur Rubinstein, a ver si vuelve a quedarse dormida y me deja desearos de nuevo un FELIZ AÑO NUEVO!!!!!!

Vídeo de ehttsinaip

God rest you merry, gentlemen

2010-12-24T10:46:00.004+01:00

En Navidad es imposible escapar de los villancicos, así que lo mejor es resignarse y, dentro de los posible, intentar ser selectivos y escuchar aquellos que más nos gusten. Y los hay, aunque a veces la saturación nos impida darnos cuenta de ello.

En esta ocasión vamos a fijar nuestra atención en un villancico de origen inglés que no suele escucharse demasiado por aquí, lo que puede ayudar a que lo escuchemos con los oídos más frescos. Se trata de God rest you merry, gentlemen, de autor desconocido, origen incierto y con un título de grafía variable, pero en cualquier caso una melodía muy hermosa.

Digo que su origen es incierto porque, si bien su música parece indicar que nos encontramos ante una pieza del siglo XV, lo cierto es que no fue publicado hasta 1833. Al parecer, existen referencias que indican que ya había sido publicado antes, en 1760, y que se anunció entonces como "a new Christmas carol", un nuevo villancico. De ser así, el estilo renacentista no sería más que una impostura, pero una impostura muy bien hecha.

También decía que su título es variable porque no es raro encontrarnos versiones tituladas God rest ye, merry gentlemen, con la forma arcáica ""ye" en vez de "you" y la coma delante de la palabra "merry" y no detrás. Sabemos que en la primera publicación que se conserva, la de 1833, así como en las referencias a su publicación en 1760 se utiliza siempre la forma "you", como era habitual en los siglos XVIII y XIX, así que el uso de la forma "ye" no es más que un añadido a la impostura que ya hemos comentado con la pretensión de darle a la pieza una pátina de falsa antigüedad.

Más curioso es el habitual error a la hora de situar la coma. Bien situada, la traducción sería "Dios os conserve felices, caballeros". Sin embargo, es muy habitual verla escrita detrás de la palabra "merry", lo que no tiene demasiado sentido. La razón de este error es que el uso del verbo "rest" con el significado "conservar", así como el uso del subjuntivo, han dejado de ser habituales en la lengua inglesa. Muchos de quienes cantan este villancico en la actualidad no saben qué es lo que están diciendo (no es tan raro, ¿alguien sabe por qué nosotros decimos "ande, ande, ande" o "fum, fum, fum"?) y en su intento de buscar un significado coherente optan por uno que no es el adecuado.

Y tras esta disertación que posiblemente sólo habrá intersado a los filólogos locos, o sea, a mí mismo, vamos a escuchar un par de versiones de God rest you merry, gentlemen para que cada cual se quede con la que más le guste. En la primera de ellas, el coro del King's College de Cambridge canta un arreglo de David Willcock. La segunda corre a cargo de Jethro Tull.

¡FELIZ NAVIDAD!

Vídeo de cantorisdecani

Vídeo de rekatsrovert

El herrero armonioso de Haendel

2010-12-18T16:15:00.001+01:00

En 1720, G.F. Haendel publicó sus ocho primeras suites para clave. Entre ellas hay un movimiento, concretamente el último de la Suite nº5 en Mi mayor HWV 430, compuesto por un aria y cinco variaciones, que se ha hecho famoso por sí solo y al que se conoce como The Harmonious Blacksmith (el herrero armonioso).

Hay varias leyendas que explican el origen de tal nombre. Según una de ellas, una tormenta sorprendió a Haendel mientras estaba trabajando en Cannons para el duque de Chandos y tuvo que refugiarse en una herrería. Allí, el sonido del martillo golpeando el yunque le inspiró esta melodía, en cuya primera variación la repetición de la nota Si en la mano derecha recuerda el martilleo del herrero.

Otra variante dice que lo que inspiró a Haendel fue una melodía que cantaba el herrero, de la cual sacó la base para el aria. Esta variante es especialmente acorde con la costumbre de tomar prestadas melodías que tenía Händel, pero lo cierto es que ambas versiones son falsas.

En realidad no fue hasta el siglo XIX, época en la que este movimiento empezó a ganar popularidad y a interpretarse separado del resto de la suite, que empezó a ser conocido con el nombre de The Harmonious Blacksmith. Richard Clark fue el primer escritor que hizo referencia a tal nomenclatura en su libro Reminescences of Handel (1836). El mismo Clark inventó una historia según la cual el herrero que dio nombre a la pieza fue William Powell, cuando la realidad es que Powell había sido el pastor de la parroquia de Whitchurch, en la que Haendel tocaba el órgano. Eso no impidió que los habitantes de Whitchurch recaudaran fondos para dedicar una lápida a la memoria de Powell el herrero, que posteriormente fue cambiada por otra en la que ya se menciona su auténtica profesión.

Más verosímil parece otra versión según la cual el herrero armonioso sería William Lintern, un aprendiz de herrero de Bath que posteriormente se dedicó a la música y que abrió una tienda en la que vendía partituras de Haendel y otros compositores. Al parecer, Lintern publicó el movimiento en cuestión bajo el título The Harmonious Blacksmith porque ese era su apodo (el de Lintern) y la pieza en cuestión era su favorita y la que más solía interpretar al clave.

Sea cual sea el origen del nombre, en el plano estrictamente musical también hay misterios sin resolver. Una bourrée de Richard Jones incluye la misma melodía del aria, aunque en clave menor. ¿Copió Haendel a Jones o Jones a Haendel? No se sabe, aunque el hecho de que una melodía similar aparezca en la ópera Almira de Haendel, compuesta con anterioridad, hace que el sajón tenga más credibilidad como posible autor original.

Vamos a escuchar The Harmonious Blacksmith, aria y cinco variaciones (semicorcheas en la mano derecha; semicorcheas en la mano izquierda; tresillos de semicorcheas en las manos derecha e izquierda y fusas en ambas manos) en la interpretación de Trevor Pinnock.

Vídeo de andreacivisromanus

Las tres frottole de Josquin des Prés

2010-12-13T00:03:00.003+01:00

Josquin de Prés, uno de los mayores compositores del renacimiento, autor de numerosas misas polifónicas y de un importante número de motetes y chansons de estilo francés, también cultivo un género tipico de la Italia de la época, la frottola, antecesora del madrigal. Sólo tres de sus composiciones pueden catalogarse como frottole: El grillo, In te Domine speravi y Scaramella va alla guerra.

Escuchamos El grillo interpretado por The Hilliard Ensemble. Según se cree, Josquin pretendía con esta frottola satírica recordar a su patrón, Galeazzo Sforza, que se había retrasado en el pago a los músicos.

Vídeo de zoologischergarten

El grillo è buon cantore
che tiene longo verso.
Dale beve grillo canta.
Ma non fa come gli altri uccelli,
come li han cantato un poco van`
de fatto in altro loco,
sempre el grillo sta pur saldo
Quando la maggior è [l`] caldo
alhor canta sol per amore.

Pasamos a escuchar In te Domine speravi, de temática religiosa, interpretado por The Orlando Consort.

Vídeo de MusicPortray

In te Domine speravi,
non confundar in aeternum.
Tribulando ad te clamavi:
In te Domine speravi!

Y por último escuchamos Scaramella va alla guerra, de tono cómico, en la que aparece un personaje popular en la época, el bufonesco soldado Scaramella, protagonista de canciones e historias de taberna. La interpretación corre a cargo del grupo Early Music Consort of London.

Vídeo de AntonioMSFilipe

Scaramella va alla guerra
colla lancia et la rotella,
la zombero, boro, borombetta,
la zombero, boro, borombò.

Scaramella fa la galla
colla scarpa e la stivalla,
la zombero, boro, borombetta,
la zombero, boro, borombò.

[...] la comberom, berombetta
la comberom, berom berombetta.

Lou Harrison: Tributes to Charon

2010-12-08T12:44:00.006+01:00

Lou Harrison (1917-2003) fue un compositor norteamericano que tuvo entre sus maestros a Arnold Schoenberg y Henry Cowell y entre sus amigos a John Cage y Charles Ives. Durante su carrera se interesó por las músicas del mundo, incorporando elementos propios de diversas tradiciones en sus composiciones, así como elementos cotidianos (despertadores, frenos de coche...). También se alejó de la forma de entender la música occidental en su utilización del sistema de entonación justa en lugar del de temperamento igual y en su utilización de los microtonos, lo que le acerca a otros compositores contemporáneos como Ligeti o Scelsi. Muchas veces se le ha considerado un antecesor de los minimalistas, aunque sus intereses eran bien diferentes.

Su obra Tributes to Charon, para trío de percusión y reloj despertador es una de las muchas que compuso en la década de 1930 para grupo de percusión y que solía interpretar él mismo con ayuda de sus amigos. El segundo movimiento fue compuesto en 1939 a petición de John Cage, pero el primero no vio la luz hasta 1982, aunque Harrison ya tenía pensadas su estructura y su instrumentación desde el principio. A pesar de su brevedad, en esta pieza queda patente el interés de Harrison en la variedad tímbrica, la transformación de los motivos melódicos y la coherencia formal.

La intención de Lou Harrison con esta pieza era ilustrar la historia de Proserpina, raptada por Plutón para convertirla en su esposa, que pasa medio año acompañándole en el inframundo (movimiento I: Passage through darkness) y el otro medio en la superficie con su madre, Ceres, diosa de las cosechas (movimiento II: Counterdance in the Spring).

Escucharemos Tributes to Charon interpretada por Graziano Colella, Claudio Marchetti y Didier Bellon, dirigidos por Guido Facchin.

Vídeo de Wellesz

Canciones encadenadas XIV: Heart

2010-12-04T17:53:00.003+01:00

Esta edición de las canciones encadenadas es especial porque, siguiendo la sugerencia de Alfredo, intenté adivinar cuáles eran las canciones que los participantes íbais a elegir antes de que lo hiciérais. Como era previsible, no he acertado ni una, aunque al menos espero que os gusten mis suposiciones. Si no es así, podéis decirlo abiertamente sin apenas riesgo de que os mande a unos sicarios con un bate de béisbol para ajustaros las cuentas.

Vamos a ver cuéles fueron vuestras elecciones y cuéles mis suposiciones.

Allau eligió I Think I Need a New Heart, de Magnetic Fields.

Vídeo de Auronutd

Pero yo creí que iba a elegir Heart of Glass, de Blondie.

Vídeo de xjinphx2003

Teresa eligió Someone To Watch Over Me, de George Gershwin, interpretadopor Ella Fitzgerald.

Vídeo de Nocaro

Pero yo creí que iba a elegir Historia de un amor, famoso bolero compuesto por Carlos Eleta Almarán, interpretado por Diego El Cigala y Bebo Valdés.

Vídeo de HernanM2009

Xim eligió Anyone Who Had a Heart, compuesta por Bacharach y David para Dionne Warwick.

Vídeo de dibotis

Pero yo creí que iba a elegir Groove Is In the Heart, de Deee Lite.

Vídeo de Foxxconn777

Atticus eligió I Left my Heart In San Francisco, de Cory & Cross, interpretada por Tony Benett y Judy Garland.

Vídeo de johncrosby24

Pero yo creí que iba a elegir My Heart belongs To Daddy, de Cole Porter, interpretada por Marilyn Monroe.

Vídeo de dorcia72

José Luis eligió Hearts and Bones, de Paul Simon.

Vídeo de MOG32

Pero yo creí que iba a elegir Au bois de mon coeur, de Georges Brassens.

Vídeo de jacquesurlus

Alfredo eligió How My Heart Behaves, de Feist.

Vídeo de virtualangelicus

Pero yo creí que iba a elegir Total Eclipse Of The Heart, de Bonnie Tyler.

Vídeo de susogr

Glòria eligió Unchain My Heart, compuesta por Bobby Sharp, interpretada por Joe Cocker.

Vídeo de niacin65

Pero yo creí que iba a elegir Everybody Has A Hungry Heart, de Bruce Springsteen.

Vídeo de Hardrocker2947

Barbebleue eligió Greasy Heart, de Jefferson Airplane.

Vídeo de iwait4u

Pero yo creí que iba a elegir Heart Of Gold, de Neil Young.

Vídeo de farmaid

Assur eligió Cor meu, de Marina Rossell.

Vídeo de mcastrocastro

Pero yo creí que iba a elegir Les coeurs tendres, de Jacques Brel.

Vídeo de bleujour14

Kalamar eligió Heart of Stone, de los Rolling Stones.

Vídeo de LungTury54

Pero yo creí que iba a elegir Unchain My Heart, por Joe Cocker. Como ya hemos escuchado esta versión, vamos a escuchar ahora la de Ray Charles.

Vídeo de SwingMan1937

Joaquim eligió With A Song In My Heart, de Rodgers & Hart, interpretada por Jessye Norman.

Vídeo de Menkhar

Pero yo creí que iba a elegir A Heart Full Of Love, del musical Les Miserables de Claude-Michel Schönberg.

Vídeo de tinngrinn

Y por fin mi elección, que logicamente coincide con lo que yo creí que iba a elegir, es Legendary Hearts, de Lou Reed.

Vídeo de dmtken

Y como en esta última canción Lou Reed cita unos versos de Romeo y Julieta de William Shakespeare, vamos a buscar para la próxima edición del juego de las palabras encadenadas canciones en las que se haga referencia a Romeo, a Julieta, a William Shakespeare o a culaquier de sus obras. Parece dificil, pero si nos paramos a pensar hay un montón.

La Aida de Maazel

2010-11-30T00:18:00.004+01:00

La Aida que se representó el domingo en el Palau de les Arts no era la de Verdi, por mucho que aparezca el nombre del compositor italiano en los carteles, sino la de Maazel. En todo caso, habría que decir algo así como "adaptación de la obra original de Giuseppe Verdi". Dicho esto, entiendo perfectamente la estupefacción e incluso las reacciones negativas que uno puede leer por esos cibercampos del señor, ya que quien espere encontrarse con la Aida de Verdi se puede llevar un chasco. Sin embargo, los que seguimos a Maazel desde hace años nos hemos ido acostumbrando a su peculiar manera de dirigir hasta llegar a una devoción absoluta. Somos maazeladictos y se lo permitimos todo.

Lorin Maazel inicia el que será su último año al frente de la orquesta que él mismo creó dando una vuelta de tuerca más a su peculiar concepto de dirección con tempi lentísimos pero intensos que permiten el lucimiento orquestal (el sonido que consigue esta formación es bellísimo) y que pone en más de un apuro a coro y solistas. E incluso al publico: hubo varios momentos ayer en los que yo mismo no sabría decir si hubo desajustes en la entrada del coro y de algunos solistas o fue mi mente la que era incapaz de seguir el ritmo tan pausado de la batuta y se adelantaba a los acontecimientos. Como tantas veces sucede en Les Arts, lo mejor de la función fueron la orquesta y el coro. Éste último se luce especialmente en el delicadísimo e hiper-ralentizado interno del primer acto, cuadro segundo.

En cuanto a los solistas, destacó la Amneris de Daniela Barcellona, que está debutando el papel en estas funciones. Quizá defraudará a los amantes de las grandes voces verdianas pues ni por volumen, ni por densidad, ni por graves puede acercarse a las grandes referencias en este rol. Sin embargo, es una cantante muy inteligente que sabe sacar partido de sus virtudes y acaba sacando adelante el papel de forma excelente. Algo reservona, aunque correcta, en los tres primeros actos, es en el cuarto acto donde despliega todos sus recursos vocales e interpretativos, haciendo que su dúo con Jorge de León sea de alto voltaje.

Me gustó el Radamés de Jorge de León, valiente y entregado aunque con una gama de matices muy limitada. Gustará a quienes sepan perdonar lo segundo a cambio de escuchar esa rara avis que es una auténtica voz de spinto, con un agudo liberado y seguro que no duda en lucir siempre que puede y un volumen atronador. Lástima de cierta falta de homogeneidad entre sus zonas aguda y media.

Indra Thomas, en el papel de Aida, realizó ayer la última de sus actuaciones en esta serie de funciones y también la mejor, a decir de quienes han asistido a las otras. Se trata de una soprano con graves carencias, entre las que destaca una voz metida totalmente atrás, una pésima pronunciación (la típica patata en la boca de tantos cantantes anglosajones) y la molesta costumbre de respirar donde le da la gana, cargándose cualquier aproximación al canto legato. También tiene virtudes, principalmente el volumen, que la hace destacar en los números de conjunto a pesar de que su proyección no es la adecuada y su facilidad en el agudo, pero no bastan para levantar el papel. Además, dramáticamente está en las antípodas de la implicadísima Barcellona. En conjunto, lo mejor que podemos decir de la mejor de sus actuaciones es que al menos no enturbió la labor de sus compañeros de reparto.

Una agradable sorpresa fue escuchar a Giacomo Prestia como Ramfis, pues posee una voz de bajo de las de verdad, grande y con graves sonoros y nada trampeados. También me gustó Marco Spotti, Il Re, por la misma razón aunque su instrumento es algo más discreto.

Gevorg Hakobyan como Amonasro cuenta con el mismo handicap que Barcellona, le falta pasta y caracter verdiano, pero mientras que Barcellona sabe suplir sus carencias con gran habilidad, el joven barítono georgiano no pasa de los límites de la corrección.

Muy bien Javier Agulló como mensajero y Sandra Ferrández como gran sacerdotisa.

En cuanto a la puesta en escena de David McVicar, pasada por la indignante censura de Helga Schmidt, se puede resumir en sólo dos ideas. 1: Donde debería haber egipcios hay samurais. 2: La escena está vacía y oscura. La primera de estas dos ideas tiene la ventaja de evitar el aire kitsch en el que acaban cayendo todas las puestas en escena fieles al libreto. También consigue cabrear a los amantes del cartón piedra, lo cual siempre está bien. La segunda idea no aporta nada, pero al menos sale barata. Lo único que no me gustó fue que en la polémica escena de los sacrificios humanos (acto I, cuadro II), se distrae excesivamente la atención del espectador que está más pendiente de los figurantes que del pobre Jorge de León, que es quien debería lucirse.

Cinco canciones populares argentinas, de Alberto Ginastera

2010-11-24T16:56:00.004+01:00

Dentro de la campaña pro-Ginastera que estoy llevando a cabo, hoy vamos a escuchar sus Cinco canciones populares argentinas. Esta obra se inscribe en la primera etapa de la evolución del autor, el autodenominado "nacionalismo objetivo", en la que se reproducen literalmente citas de la música popular argentina, aunque también es posible encontrar reminescencias de autores como Manuel de Falla. Los textos de las canciones pertenecen al cancionero popular.

La primera de las piezas, Chacarera, es una danza rápida con ritmo tripartito procedente del norte de Argentina.

Chacarera
A mí me gustan las ñatas
Y una ñata me ha tocado
Ñato será el casamiento
Y más ñato el resultado.
Cuando canto chacareras
Me dan ganas de llorar
Porque se me representa
Catamarca y Tucumán.

A continuación viene Triste, un tipo de danza caracterizada por su tono melancólico con una introducción lenta y una melodía en forma de recitativo en la que los arpeggios del piano imitan la guitarra de un gaucho.

Triste
Debajo de un limón verde
Donde el agua no corría
Entregué mi corazón
A quien no lo merecía.

Triste es el día sin sol
Triste es la noche sin luna
Pero más triste es querer
Sin esperanza ninguna.

La tercera pieza, Zamba (que no "samba"), es una danza de origen peruano con un ritmo binario de 6/8 y un texto casi siempre melancólico.

Zamba
Hasta las piedras del cerro
Y las arenas del mar
Me dicen que no te quiera
Y no te puedo olvidar.

Si el corazón me has robado
El tuyo me lo has de dar
El que lleva cosa ajena
Con lo suyo ha de pagar

En cuarto lugar, Arrorró, una nana tradicional.

Arrorró
Arrorró mi nene,
Arrorró mi sol,
Arrorró pedazo
De mi corazón.
Este nene lindo
Se quiere dormir
Y el pícaro sueño
No quiere venir.

Y por último Gato, una danza tradicional de ritmo enérgico dividida en seis partes.

Gato
El gato de mi casa
Es muy gauchito
Pero cuando lo bailan
Zapateadito.
Guitarrita de pino
Cuerdas de alambre.
Tanto quiero a las chicas,
Digo, como a las grandes.
Esa moza que baila
Mucho la quiero
Pero no para hermana
Que hermana tengo.
Que hermana tengo
Si, ponte al frente
Aunque no sea tu dueño,
Digo, me gusta verte.

Escucharemos las Cinco danzas populares argentinas de Alberto Ginastera en la voz del tenor Raúl Giménez, acompañado al piano por Nina Walker.

Vídeo de tenorisimo1975

Feeling good

2010-11-20T17:54:00.003+01:00

Ustedes me disculparán, pero hoy no tengo el cuerpo para tenores, sopranos, violines ni batutas. Ni tampoco para Nina Simone. Me apetece algo más ligero y a la vez más pesado.

Muse y Jools Holland interpretan el clásico Feeling Good.

Vídeo de screenaged

La canción del mercader indio de Sadko (Rimski-Kórsakov)

2010-11-13T17:34:00.007+01:00

Recientemente pude ver la versión de la ópera Sadkó de Nikolái Rimski-Kórsakov que se puede encontrar fácilmente en cualquier comercio dirigida en 1996 por Valery Gergiev, con Vladimir Galouzine en el papel principal. Mi fragmento preferido de esta ópera, llamadme original, es la canción del mercader indio, que en esta ocasión está interpretado por Gegam Gregorian. Me temía lo peor y la verdad es que no era para tanto, Gregorian consigue salvar los muebles a pesar de todo. El caso es que desde hace unos días estoy buscando diferentes versiones de esta conocida aria y he encontrado un buen puñado de interpretaciones excelentes, así como unas cuantas marcianadas que paso a compartir con vosotros.

Para quien no conozca la obra ni el aria en cuestión, diremos que Sadkó es una ópera en la que se narra la historia y los viajes del trovador que da nombre a la obra. En un momento dado, Sadkó debe decidir cuál será el destino de su viaje, por lo que pide a tres mercaderes, un vikingo, un indio y un veneciano, que le canten las bondades de sus países. De los tres, el veneciano será quien conseguirá convencerle, si bien es el indio el que cuenta con el aria más inspirada.

Empezaremos escuchando a Gegam Grigorian en la versión ya mencionada:

Vídeo de SMCmorg

No está mal, pero para escuchar una versión igualmente idiomática a cargo de un tenor muy superior, retrocedemos hasta encontrar al gran Sergei Lemeshev, quien hace una creación referencial:

Vídeo de EvaHartwig

No podía faltar el gran rival de Lemeshev, el igualmente grande Ivan Kozlovski:

Vídeo de Herur22

Abandonamos el idioma original para deleitarnos con la interpretación de una de las voces de tenor más bellas que jamás se hayan grabado, la del sueco Jussi Björling, que la canta en su idioma nativo:

Vídeo de 302MarkVII

Si Björling cambia el idioma, Rosa Ponselle no se contenta con eso (que también, ya que la canta en inglés), sino que también cambia la tesitura original de tenor a la de soprano. A ella se lo perdonamos por tratarse de una intérprete exquisita:

Vídeo de MrCafiero

También en inglés, y además a calzón quitado y con unos arreglos orquestales de dudoso gusto, la cantó Mario Lanza:

Vídeo de cuzinkevin

Ahora pasamos al húngaro con la excelente interpretación del tenor József Réti, un especialista en Bach y Mozart que grabó infinidad de discos para Hungaroton pero cuya carrera es poco conocida fuera de su país natal:

Vídeo de franzhun

También hubo quien la cantó en francés, como el imprescindible Georges Thill:

Vídeo de TAUBERFANLEHAR2

Puestos a cambiar el idioma de la letra, vamos a escucharla en castellano, en dos versiones diferentes a cargo de dos grandes tenores. El primero de ellos es Miguel Fleta, que la grabó en 1930:

Vídeo de GerardoRosvaenge

Y la segunda versión en español es la que grabó Alfredo Kraus en 1960. Llena de detalles de calidad, pero no me acaba de convencer:

Vídeo de kraustrujillo

Espero que hayáis disfrutado con esta selección. Ya me diréis con cuál de todas os quedáis.

Suite Panambí, de Alberto Ginastera

2010-11-07T16:13:00.007+01:00

Tras una pausa, volvemos a la carga con Alberto Ginastera. Si en una entrada anterior dijimos que su obra más célebre es la Suite de danzas de Estancia, elaborada con material sacado de su ballet Estancia ante la imposibilidad de encontrar una compañía de danza que lo representara, hoy hemos de decir que no fue esa la primera ocasión en la que Ginastera recurría al formato suite para dar a conocer música de ballet que no encontraba quién la bailase. De hecho, la primera vez que recurrió a tal estrategia fue en la primera obra de las que conforman su catálogo, la Suite Panambí, en la que utiliza cuatro números del ballet Panambí, compuesto a lo largo de dos años durante sus estudios en el Conservatorio Williams. Ginastera compuso el ballet sin tener esperanzas respecto a su puesta en escena, pero el éxito de la suite, estrenada por el director Juan José Castro en el Teatro Colón de Buenos Aires en 1937, hizo que el mismo teatro se interesara por la obra que le dio origen y que la misma viera a luz en 1940. Como ya dijimos anteriormente, Lincoln Kirstein, director del Ballet Caravan, quedó tan impresionado por el ballet Panambí que le encargó a Ginastera la composición de un ballet para su compañía y de ese encargo saldría el ballet Estancia.

El ballet Panambí, Leyenda Coreográfica se basa en la mitología de los indios guaraníes, habitantes de las riberas del Paraná y el Paraguay. En la suite, Ginastera cambió el orden de los números, de forma que es imposible seguir la narración original escuchándola. El primero de los cuatro movimientos, de naturaleza descriptiva, se titula Claro de luna sobre el Paraná. A continuación, la percusión irrumpe con fuerza, complementada por el viento metal, en la Invocación a los espíritus poderosos. Sigue un movimiento de lirismo a flor de piel, el Lamento de las doncellas, en el que las cuerdas forman un mullido colchón. Finalmente, la percusión vuelve a hacer su entrada en la Fiesta indígena-Danza de los guerreros, con su ritmo de reminescencias tribales.

Escucharemos la Suite Panambí interpretada por la NBC Symphony Orchestra bajo la batuta de Erich Kleiber, residente por aquellos años en Argentina.

Vídeo de CaptainBluebear08

Canciones encadenadas XIII: Saturday

2010-11-03T23:32:00.001+01:00

La última canción que escuchamos en la pasada edición de las canciones encadenadas fue Hot Patootie, del musical Rocky Horror Show, en la voz de Meat Loaf. El primer verso de esta canción dice "Whatever happened to Saturday night", lo que nos da pie a seguir con una nueva entrada dedicada al sábado, posiblemente el día de la semana que más aparece en canciones de todos los estilos.

Atticus empieza proponiendo la que para mí es la única forma de disfrutar con las canciones de Elton John: buscando versiones de otros cantantes. En este caso The Who interpreta el tema Saturday Night's Alright (For Fighting).

Vídeo de OxAeroBabioX

Alfredo elige Saturday in the Park, de Chicago, que veremos en un directo de 1972.

Vídeo de ChicagoKid1969

Diez años antes, en 1962, Mina cantaba Sabato notte, la canción elegida por Teresa.

Vídeo de swan5046

Barbebleue opta por One More Saturday Night, de los Grateful Dead. Los veremos en un directo del 72, que al parecer fue un buen año para los directos.

Vídeo de j0ndaily

Xim nos trae a David Bowie transformado en un híbrido glam-espacial cantando Drive In Saturday, una canción híbrida futurista-sexual. Lo veremos en un directo del año... oooooh, 1974. Por poco.

Vídeo de gbbmmm

Maac se adelanta unas horas y pasa del sábado al domingo por la mañana con Sunday Morning, de The Velvet Underground. Pillado por los pelos, pero aceptamos gustosamente pulpo como animal de compañía porque la canción es una maravilla.

Vídeo de vacantmoon

Kalamar elige a The Carpenters con su canción Saturday de 1973, un año después de 1972.

Vídeo de TheCarpenters

Y mi elección es una de mis canciones preferidas, (Looking For) The Heart Of Saturday Night, del álbum homónimo de Tom Waits, uno de sus mejores discos, que es como decir uno de los mejores discos jamás grabados.

Vídeo de TheRickynow

La palabra que nos va a servir para continuar la cadena será heart, corazón. Espero vuestra participación y espero también, siguiendo una sugerencia de Alfredo que pondré excepcionalemente en práctica en la futura entrega, adivinar cuáles serán vuestras elecciones. He escrito en un papel que queda sellado y guardado ante notario una preferencia para cada uno de vosotros, no sé si coincidiremos pero espero que al menos os guste la que he elegido. La lista se hará pública cuando hayáis participado todos.

La vida de Chaikovski según los Monty Python

2010-10-30T13:24:00.005+02:00

Me encuentro actualmente inmerso en la revisión de las cuatro temporadas de la serie Monty Python's Flying Circus, emitida en la BBC entre 1969 y 1974. Anoche, viendo el segundo episodio de la tercera temporada, me encontré con esto. La interpretación del concierto para piano del final, a cargo de Sviatoslav Richter, es impagable.

dandelion1967

Bomarzo, la ópera

2010-10-26T20:05:00.010+02:00

Soy muy mal lector y por ello suelo esperar al verano para hincarle el diente a novelas largas, cuya lectura en épocas del año en las que estoy más ocupado podría eternizarse. Este verano le tocó el turno, entre otras, a Bomarzo, del escritor argentino Manuel Mújica Láinez. Esta novela narra la vida de Pier Francesco Orsini, llamado Vicino por sus allegados, un noble de la Italia renacentista marcado por su deformidad (era jorobado y cojo) a quien se recuerda sobre todo por haber creado el jardín de los monstruos, un conjunto de esculturas de oscuro significado, en su palacio de Bomarzo. Por las páginas de la obra pasan personajes célebres: artistas del renacimiento, nobles, papas, alquimistas... así como acontecimientos tan relevantes como la coronación de Carlos V o la batalla de Lepanto, narrados con multitud de detalles, siempre desde los ojos del protagonista. También la magia juega un papel importante, pues la vida de Vicino está marcada por lo sobrenatural desde el mismo momento de su nacimiento, cuando un astrólogo pronostica su inmortalidad.

Sabía de la existencia de una ópera con música de Alberto Ginastera y libreto del mismo Manuel Mújica Láinez basada en la novela, así que, aprovechando la época ginasteriana que está atravesando el blog, me hice con una grabación de su estreno absoluto y la escuché recientemente. Dicho estreno tuvo lugar en Washington en 1967 y la grabación cuenta con los handicaps de la toma de sonido algo deficiente, la mala pronunciación de algunos intérpretes, que posiblemente no sabían el significado de sus frases y la tendencia al grito desaforado de parte del reparto. La verdad es que el estilo dodecafónico que combina canto y recitado se presta a ello, pero hay momentos en los que se echa en falta una lectura más contenida, sobre todo por parte del protagonista.

Curiosamente, la obra tardó en ser estrenada en Argentina, pues una prohibición de última hora por parte del gobernante de facto Juan Carlos Onganía, debido a que, cito literalmente, "el argumento de la pieza y su puesta en escena revelan hallarse reñidos con elementales principios morales en materia de pudor sexual", supuso su retirada del cartel cuando todo estaba ya preparado para su estreno. Los bonaerenses tuvieron que esperar hasta 1972 para poder ver la obra, cuando ya había sido representada en Washington, Nueva York, Los Angeles, Kiel, Zurich y Londres. Tras su estreno, se repuso en 1984 y 2003.

Mújica Láinez solía bromear con Ginastera diciendo que si la ópera había sido censurada sería debido a la partitura que había compuesto, ya que la novela contenía un mayor contenido sexual y había pasado la censura. Ginastera, satíricamente, animó al gobierno de Onganía a prohibir cualquier función de ópera, pues decía que si Bomarzo no había logrado pasar la censura tampoco lo haría Don Giovanni, ni Tristan und Isolde, ni mucho menos Salome. Podemos leer un artículo sobre el tema (en inglés) publicado en 1967 en la revista TIME pinchando AQUÍ.

Mi opinión sobre la ópera aún no está acabada de formar, necesitaría escucharla más veces, a ser posible en una versión diferente. Y lo ideal sería verla representada, pues, como suele pasar con las óperas compuestas en el siglo XX, el elemento visual cobra muchísima importancia. El estilo recuerda bastante a Alban Berg, mezclando dodecafonismo con melodía y pasajes recitados con otros cantados, aunque por una parte no deja de estar presente el sello distintivo del autor y por otra no se alcanza la tremenda fuerza que tienen las dos óperas del autor austríaco. Con todo, es una obra destacable, sobre todo por la efectividad con la que crea una atmósfera oscura y opresiva. Ojalá tuviésemos la oportunidad de verla representada en algún teatro español.

Escuchemos ahora la escena quinta de Bomarzo, la muerte de Girolamo a la orilla del río Tíber, tal y como se interpretó en Washington en 1967, estreno absoluto de la ópera. Los intérpretes son Claramae Turner (Diana Orsini, abuela de Pier Francesco), Salvador Novoa (Pier Francesco Orsini) y Robert Grigori (Girolamo, su hermano).

Y a continuación la escena final, con Claramae Turner, Salvador Novoa y David Prather en el papel del jóven pastor.

Vídeo de opertutto