The Velvet Underground (y VIII) - The End

¡Cuánto tiempo sin traer a la Velvet por aquí! Supongo que si he tardado tanto en escribir esta última entrada es porque a uno siempre le da pena hablar del final de algo que le gusta. En este caso, vamos a escuchar algunas de las últimas canciones que grabó el grupo neoyorquino.

La última ocasión en la que tocaron juntos antes de disolverse fue durante la grabación de su último disco, Loaded. Como solían hacer, grabaron más canciones de las que finalmente aparecerían en el álbum para poder hacer una selección. Son esos descartes, que no vieron la luz hasta varias décadas después de la publicación de Loaded, los que nos ocupan ahora. Empezaremos con un tema instrumental, Ride Into the Sun.

Vídeo de Izorpo

Seguimos con Ocean, una canción de ritmo pausado y en la que volvió a colaborar John Cale, aunque sin que Lou Reed se enterase, pues por aquella época aún estaban enemistados.

Vídeo de cobainacademy

Y un tema muy corto en el que ya se intuye el camino que iba a seguir Lou Reed en solitario: I Love You.

Vídeo de WaldoJeffers25

Aunque aún más claro se ve en esta versión embrionaria de Satellite of Love, canción que Lou Reed acabaría incluyendo en su primer disco de éxito, Transformer.

Vídeo de WaldoJeffers25

Y esto es todo. Una vez descartadas estas canciones y mientras esperaban la publicación de Loaded, Lou Reed anunció que abandonaba el grupo. Los demás miembros siguieron durante un tiempo actuando en directo sin Lou, ya que tenían conciertos contratados y después abandonaron. Sólo quedó Doug Yule, el bajista que entró como recambio de John Cale, que se apropió del nombre de la banda y publicó un nuevo álbum con músicos de estudio, aunque lo único que había de Velvet Underground en ese disco era el nombre en la portada. Lou Reed empezó una fructífera carrera en solitario. John Cale también siguió en el mundo de la música, si bien nunca alcanzó el éxito de Reed. Irónicamente, el prestigio de The Velvet Underground empezó a crecer cuando el grupo ya no existía. Pasaron de no ser nadie a ser una leyenda sin haber llegado nunca a disfrutar de su éxito.

Milagro gruberoviano en Hänsel und Gretel

Hace poco, Maac nos hablaba en su blog de que los milagros existen y la prueba era la fantástica grabación de Hänsel und Gretel, de Humperdinck, con Karajan, Grümmer y Schwarzkopf. Hoy ha ocurrido otro milagro, a pequeña escala, gracias a esta ópera. El milagro sólo afecta a los que, como yo, teníamos algún mecanismo en el cerebro que hacía clic cada vez que escuchábamos a Edita Gruberova (si encima la veíamos, más que clic era ya catacroc) y nos impedía disfrutar con su canto. Pues bien, esta noche, haciendo zapping he acabado encontrando una versión mitad teatral y mitad fílmica de Hänsel und Gretel (algo parecido al Rigoletto o la Cenerentola de Ponnelle, con los cantantes haciendo playback), con un reparto más que atractivo: Georg Solti dirigiendo a la Filarmónica de Viena, los famosos Niños Cantores (véalos antes de que crezcan, que decían Les Luthiers) y como solistas Brigitte Fassbaender y Edita Gruberova como los niños, Helga Dernesch y Hermann Prey como los padres y ni más ni menos que Sena Jurinac en el papel de la bruja. Del milagro me dí cuenta nada más empezar la primera escena. Estaba escuchando a la Gruberova... ¡y me estaba gustando! Pero aún hay más, la estaba viendo poner esas caras que pone ella... ¡y me daba igual! Es cierto que durante la ópera hay momentos en los que, viéndola, uno se pone de parte de la bruja, pero vocalmente me ha conquistado, está fantástica. Veamos esa primera escena:


Vídeo de LaViolettaValery

No es la versión milagrosa de Karajan pero no está nada mal, ¿no? Y hacia el final, con la impresionante bruja de Sena Jurinac, es aún mejor.

Por cierto, ¿no estaría bien hacer un montaje con el Casta Diva de la Grube como sonido y la imagen del minuto 6:19 del vídeo anterior repitiéndose una y otra vez, una y otra vez...? MWAHAHAHAHAHA!!!

Il dissoluto punito, de Ramón Carnicer

No sé si por una relación de ideas ante las crónicas que he leído estos días del Don Giovanni del Liceu o por pura casualidad, hace poco decidí darle una oportunidad a un DVD que había comprado unos meses atrás y que aún no había tenido tiempo de ver. Me refiero a Il dissoluto punito, ossia Don Giovanni Tenorio, de Ramón Carnicer, una grabación de una de las funciones que tuvieron lugar en La Coruña en junio del 2006. Lo compré por dos razones, curiosidad y precio, pues tuve suerte y lo encontré muy rebajado. También me llamó la atención la puesta en escena, o lo que se intuía de ella por las fotos que venían en la contraportada del estuche, me resultó muy atractiva visualmente y decidí que estaría bien verlo.

La ópera de Carnicer se mueve entre las citas del Don Giovanni de Mozart, conocido por el autor pero no por el público español (se estrenó en España con posterioridad a este Dissoluto) y el lenguaje de inspiración rossiniana habitual en este compositor. El libretto, de autor desconocido, copia fragmentos del de Da Ponte, como el aria del catálogo, aunque hay diferencias: desaparecen Zerlina y Masetto, el comendador muere al final del primer acto, y el personaje de Don Giovanni es más humano, se llega a enamorar de Donna Anna y siente miedo en la escena del cementerio. He encontrado un artículo bastante ilustrativo que comenta el CD que se editó a partir de estas mismas funciones y que podéis ver AQUÍ.

Mientras veía el DVD no podía dejar de comparar la magnífica puesta en escena de Damiano Michieletto con lo que hizo Bieito para el Don Giovanni de Mozart en el Liceu, son dos caras de una misma moneda. Frente al abigarramiento de Bieto, la sobriedad de Michieletto; frente a la visceralidad, la contención; frente al feísmo, una estética cuidadísima en la que sólo hay tres colores, rojo, blanco y negro.

Todas las escenas tienen lugar en una cocina de un blanco aséptico, en la que un coro de cocineros prepara el banquete para la boda de Don Ottavio y Donna Anna. Con muy pocos elementos en juego, la escenografía se presta a mutar dependiendo de lo que se esté cantando en ese momento, sin ir nunca en contra del libreto sino más bien complementándolo y sirviendo de apoyo a la música.

Algo que me resultó muy curioso fue la presencia de escenas de contenido sexual (un desnudo, un grupo de figurantes, sirvientes de Don Giovanni, contoneándose lascivamente, la escena de la violación de Donna Anna...) sin llegar nunca a resultar desagradables, como siempre resulta el sexo en las puestas en escena de Bieito. Al final del segundo acto, la escena de la cena (cacofónica frase) a la que Don Giovanni invita al comendador, es sustituida por una especie de orgía en la que las sirvientes de Don Giovanni son los platos, algo que aporta una nueva dimensión al diálogo entre el burlador y su criado pero que en nigún momento desvirtua la obra, sino todo lo contrario.

Lamento no poder ofreceros ningún fragmento de esta obra. Eso sí, os recomiendo su adquisición, ya sea en cualquier tienda o mediante métodos más económicos y que están a tan solo un mail de distancia.

Anna Netrebko canta I Capuleti ed I Montecchi

Seguimos con rusos, esta vez con una grabación pirata de la que creo que ha sido la última ópera que ha cantando la soprano Anna Netrebko antes del parón al que se ha visto forzada por su embarazo. Se trata de I Capuleti ed i Montecchi, de Bellini. Las representaciones tuvieron lugar el pasado junio en la Opéra Bastille de París y el director fue Evelino Pidò. Aquí tenemos a Netrebko cantando el aria de Giulietta del segundo acto.

Vídeo de QUETZALCOM

Junto a Netrebko estaba, en el papel de Romeo, la mezzo Joyce DiDonato, quien canta actualmente el papel de Idamante en el Idomeneo del Teatro Real. En el siguiente vídeo, procedente de un ensayo, podemos verlas a ambas. Es la primera vez que escucho una Giulietta con el timbre más oscuro que Romeo. Me pasa como con el Elissir de Merritt y Bruscantini, a veces cuesta distinguir cuál de los dos está interpretando a Dulcamara.

Vídeo de coloraturafan

Valery Gergiev, lo que nos espera

Hace poco, con motivo del rumor que nos hizo temer que Jesús López Cobos sucediera a Lorin Maazel en el podio del Palau de les Arts, escuchamos una escena de la coronación de Boris Godunov dirigida por el temible zamorano y la comparamos con otra dirigida por Alexander Vedernikov (ver AQUÍ). Seguimos sin saber quién acabará siendo el nuevo director titular, pues Helga Schmidt dice que su intención es que vuelva a haber uno dentro de tres temporadas. Lo que sí sabemos es que la temporada 2009-2010 se la repartirán Zubin Mehta, que ha acordado ampliar su presencia y no limitarse sólo al Festival del Mediterrani y Valery Gergiev. ¿Vendrá Gergiev sólo para esa temporada o será una presencia habitual? ¿Será él quien suceda a Maazel o sólo volverá como director invitado una vez se haya nombrado a un titular? Aún es muy pronto para decirlo, pero de momento parece que hay motivos para respirar tranquilos, la amenaza de la dirección gris y mortecina se desvanece. Eso sí, el volumen brutal de Maazel perdurará, a Gergiev también le va la caña.

Para hacernos una idea de lo que nos espera y siguiendo con la comparación antes mencionada, vamos a escuchar a Valery Gergiev dirigiendo a la orquesta y el coro del Teatro Mariinsky en la escena de la coronación de Boris Godunov. Como en los dos vídeos anteriores, se trata de la orquestación original de 1872, realizada por el propio Músorgski. En el papel de Boris, Nikolai Putilin.


Vídeo de RADAMES1983

Menuhin interpreta el Concierto para violín nº1 de Bruch

Max Bruch (1838-1929) es un compositor interesante pero poco difundido, sólo una de sus obras ha conseguido pasar a la posteridad al mismo nivel que las obras de autores más conocidos. Me refiero a su Concierto para violín nº1 en sol menor, op.26 (1866), uno de los más populares conciertos románticos. Heredero directo del concierto para violín de Mendelssohn, del que copia la unión entre movimientos y la superación del modelo de exposición orquestal y variación del solista, Bruch va un paso más allá eliminando la posibilidad de incluir una cadenza de lucimiento (sólo las hay, muy cortas, en el primer movimiento). Para muchos críticos, el concierto romántico alcanzó aquí su cumbre.

Escucharemos la versión del gran violinista Yehudi Menuhin, dirigida por Ferenc Fricsay.

Primer movimiento - Vorspiel: Allegro moderato


Segundo movimiento - Adagio


Tercer movimiento - Finale: Allegro Energico

Vídeos de Tbromley

Una curiosidad: Di Stefano canta Otello

Giuseppe di Stefano, el tenor recientemente fallecido, cantó un fallido Otello a finales de los años 60, cuando ya no era ni una sombra de lo que había sido en su juventud. Nunca tuvo la voz adecuada para cantar un papel tan dramático, pero ya sabemos que Pippo se atrevía con todo. Aún así, con Otello se atrevió cuando ya no tenía nada que perder, pues ya lo había perdido todo.

Previamente, en 1956 (o 1957, según la fuente que se consulte) grabó para EMI una serie de fragmentos de diversas óperas entre los que estaba el dúo Gia nella notte densa. Para aquel entonces su voz estaba deteriorada, pero aún se podía distinguir la belleza tímbrica que la había hecho famosa diez años antes, además de sus rasgos característicos: la dicción inmaculada y el fraseo apasionado. Como Desdemona le acompaña la soprano Rosanna Carteri, una especialista en el papel.

Vídeo de Onegin65

Tom Waits hace magia en Barcelona

La gira Glitter and Doom de Tom Waits tiene dos atractivos fundamentales, el primero que no sigue a la presentación de un nuevo disco, lo que le permite moverse libremente por todo su repertorio para elegir las canciones y además, dado lo vasto de tal repertorio, cambiar sus elecciones de un concierto a otro. El segundo atractivo, el definitivo, es que por primera vez visita nuestro país, por lo que sus conciertos han hecho que sus seguidores tiremos de tren y de billetera, dado el precio de la entrada y vayamos a verle pensando "ahora o nunca". Y puede que no sea así, puede que regrese, pero mejor no arriesgarse.

Dos notas previas al concierto del lunes 14 de julio: Uno, fue graciosísimo ver la cantidad de gente disfrazada de Tom Waits que había. Posiblemente ellos no se consideraban imitadores sino gente con estilo, pero ese estilo es de Tom Waits, no suyo. En la cola del bus nocturno con el que íbamos a cruzar Barcelona tras el concierto estábamos situados entre una fotocopia viviente de la portada de The Heart of Saturday Night, con su gorra y su barba de chivo y un extraño ser que, intentando peinarse a lo Waits había conseguido parecerse a Kramer, el de la serie Seinfeld. Dos, las medidas de seguridad fueron excesivas, que una cosa es asegurarse de que no hay reventa y otra tener que entrar con el DNI en la boca y ser sorprendido en mitad del concierto por una linterna apuntándote a los ojos porque a alguien en una butaca cercana le han sorprendido haciendo fotos al escenario con su móvil. Ah, y al salir cinco minutos exactos para pedir una cerveza y a bebérsela a la calle, que hay que cerrar.

A lo que íbamos, al concierto. Lo primero y principal, Tom Waits es una de las personas más carismáticas del mundo. Sin necesidad de abrir la boca y sin moverse de una pequeña tarima circular, sólo con sus gestos, sus bailes y su gigantesca sombra proyectada en el fondo del escenario es capaz de hacer enloquecer al público. Cuando abre la boca y deja salir esa voz a mitad camino entre Louis Armstrong y el lobo feroz es ya el delirio. El público estaba entregado de antemano, es lo que pasa cuando visitas un país por primera vez cuando ya llevas treinta y cinco años de carrera a tus espaldas y te has convertido en un mito, que donde el profano ve a un señor que canta, el seguidor devoto ve magia.

Lo siguiente a resaltar es su banda, capaz de pasar de lo áspero y agresivo a lo tierno y melancólico sin perder nunca la originalidad del sonido Waits, caótico y a la vez sencillo, cacofónico y a la vez delicioso. Sólo lamenté la ausencia de Marc Ribot, el guitarrista habitual de Waits desde Rain Dogs. Omar Torrez es un gran guitarrista, pero le falta la originalidad de Ribot, menos dado a solos virtuosísticos pero capaz de reinventar con éxito en directo melodías tan asentadas en la memoria del público como la intro de Jockey Full of Bourbon, que Torrez tocó practicamente tal y como suena en el disco.

El concierto empezó, tras la ovación de un público entregado y devoto al ídolo Waits, con una mezcla entre Lucinda y Ain't Goin' Down to the Well, ambas canciones sacadas de Orphans, concretamente del disco Brawlers. Siguió con un repaso a sus últimos discos, especialmente Real Gone, haciendo escapadas ocasionales hasta Rain Dogs, Frank's Wild Years y, sorpresa, The Black Rider: Down to the Hole, Clap Hands, Lucky Day, Rain Dogs (mezclada de forma sorprendente con la instrumental Russian Dance), All The World is Green y unas vigorosas versiones de Lie To Me, Sins of My Father, Metropolitan Glide y Make It Rain, con la que cerró el concierto tras una lluvia de purpurina dorada sobre su bombín. La versión más sorprendente fue la de Hang Down Your Head, con unos rasgueos de guitarra cercanos al reggae. La más energética y posiblemente la mejor del concierto, Hoist That Rag, a la que sus hijos Casey y Sullivan imprimieron un ritmo salvaje desde la percusión.


Vídeo de wallywalt

Hacia la mitad del concierto, Waits paró la máquina y se sentó al piano. Acompañado sólo por el contrabajo, llegó el momento de temas íntimos como You Can Never Hold Back Spring, On the Nickel y la que para mí es la canción más bonita de todos los tiempos: Johnsburg, Illinois. Este paréntesis en el que Waits aprovechó para hablar de las curiosas leyes en Rusia, del oído absoluto de Mozart y de cualquier otro tema igualmente coherente, terminó con el público acompañándole (tímidamente, es cierto) en la maravillosa Innocent When You Dream.


Vídeo de wallywalt

Al final hubo tres bises: November, Come On Up to the House y Day After Tomorrow. Me sorprendió que apenas tocase canciones de Swordfishtrombones y de Mule Variations, dos de mis discos preferidos. Sí lo hizo en San Sebastián dos días antes, luego supongo que dependerá de como tenga el día.

En definitiva, valió la pena el desembolso y el desplazamiento. Uno puede ir a más conciertos, pero pocas veces con esta sensación de haber presenciado un acontecimiento histórico que tiene tanto de musical como de mágico o religioso, tal era el fervor de los presentes hacia Tom Waits. Y no exageraban.

Los vídeos fueron grabados el pasado 26 de junio en St. Louis, antes de que la gira Glitter and Doom cruzase el Atlántico.

Bejun Mehta canta Fammi Combattere

Hace unos meses, con motivo del magnífico Orlando que cantó Bejun Mehta en les Arts, busqué algún vídeo de youtube en el que se le escuchase cantando tal papel pero no encontré nada. Hasta que hoy, un alma generosa ha colgado el siguiente vídeo. El sonido no es muy bueno, pero menos da una piedra.


Vídeo de CubbyNH

Ya es oficial la temporada 2008-2009 del Palau de les Arts

Y se puede ver AQUÍ.

Empezamos con lo que, a priori, parece el título y el reparto más atractivo de la temporada: PARSIFAL, de Wagner, con Christopher Ventris, Stephen Milling (el reciente Fafner de Siegfried) y dos Kundry de lujo, Katarina Dalayman y Violeta Urmana. Afortunados los que puedan disfrutar de ambas, yo me temo que me tendré que conformar con la que me toque. La puesta en escena estará a cargo del cineasta Werner Herzog y el director será Maazel, por lo que podremos comparar su Wagner con el de Mehta y aquellos a los que no les gustó la dirección del Siegfried no tendrán excusa para no volver a caer por estas tierras (eh, Ximo?).

La siguiente ópera, también dirigida por Maazel, será la verdiana LUISA MILLER, con Marcelo Álvarez y dos habituales de la casa, Orlin Anastassov y Carlos Álvarez. El punto flaco llega en la elección de Alexia Voulgaridou para el rol de Luisa, pues tras una Micaela y una Liù de lo más insulso, o se pone las pilas o esto no despega. En fin, siempre nos quedará Quando le sere al placido.

Y hablando de Plácido, vuelve Domingo con la producción del Met de IPHIGÉNIE EN TAURIDE, junto con Violeta Urmana e Isamel Jordi y la dirección de Patrick Fournillier, quien ya dirigió a Domingo en el Cyrano de la primera temporada. De esta ópera no comento nada dado que no la conozco.

La siguiente ópera, que tampoco he escuchado nunca, será L'ARBORE DI DIANA, del valenciano Vicente Martín i Soler, con la también valenciana Ofelia Sala en el papel principal. Contará con una nueva producción de Daniel Slater y el director será Rubén Dubrovsky.

A continuación vendrá una zarzuela, EL REY QUE RABIÓ, también obra de un valenciano, Chapí. No conozco a nadie del reparto, supongo que serán habituales del Teatro de la Zarzuela, dado que de ahí procede la producción, pero no lo sé.

Vuelve la ópera y vuelve Maazel con FAUST de Gounod, en la producción de David McVicar para el Covent Garden. Los cantantes principales serán Vittorio Grigolo, Cristina Gallardo-Domâs y Erwin Schrott, los tres ya conocidos por el público del Palau.

La penúltima ópera de la temporada será el cierre de la trilogía Mozart-Da Ponte: COSÌ FAN TUTTE, Dirigida por Tomás Netopil (que ya dirigió Le Nozze di Figaro) e interpretada por Barbara Frittoli (a ver si esta vez se luce más que en el Don Giovanni de la primera temporada), Alessandra Marianelli, Joel Prieto, Joan Martín-Royo y Natale de Carolis.

La temporada se cerrará de forma liceística, o sea, repitiendo la producción de TURANDOT que se estrenó esta temporada para hacer caja. Esta vez el director no será Mehta sino Maazel en lo que puede suponer su despedida de Valencia si no cambia de opinión o Helga no se rasca el bolsillo. El reparto será el mismo que el de esta temporada, con Guleghina y Marco Berti, pero con el acertado cambio en la Liù de Alexia Voulgaridou por la de Cristina Gallardo-Domâs.

Aparte de estas óperas, habrá una serie de conciertos (sinfónicos y de cámara) y recitales, entre los que destaca el de Juan Diego Flórez el 18 de noviembre, del que ya se puede consultar el programa en el enlace que he dejado al principio de la entrada. También habrá una gira de la Orquestra de la Comunitat Valenciana y Lorin Maazel que les llevará a Abu Dhabi y a distintas localidades alemanas.

En un alarde de optimismo también han colgado la programación del II Festival del Mediterrani, si bien dejan claro que es sólo un avance, luego hemos de pensar que puede que haya cambios, como pasó este año. Se cerrará el ciclo del Anillo con dos funciones de GOTTERDÄMERUNG con el reparto habitual y a continuación se harán dos ciclos completos. El único título en el que habrá cambios de reparto significativos será Die Walküre, pues, a falta de saber quién cantará el papel de Sieglinde, ya anuncian que Siegmund será en una de las funciones Torstern Kerl, lo que me parece una gran noticia. En la otra será Plácido Domingo quien se atreva, lo que supongo provocará que la gente se mate por conseguir una entrada. Aviso a los interesados, el Palau de les Arts no os lo va a poner fácil, preparaos a hacer cola, acampar en la puerta o sobornar a algún conseller para que os ceda una entrada.

López Cobos suena como candidato para relevar a Maazel en el Palau de les Arts

Ay ay ay, qué miedo.

Más información en este artículo del diario Levante.

Y ahora, un ejercicio comparativo. Vamos a escuchar la coronación de Boris Godunov en dos versiones diferentes, la del Teatro Real, bajo la dirección de López Cobos y con Roberto Scandiuzzi como Boris y la del Bolshoi, dirigida por Alexander Vedernikov y cantada por Mijail Kazakov. En ambos vídeos se interpreta la partitura original de Músorgski en vez de la orquestación más opulenta de Rimski-Korsakov, que últimamente parece estar cayendo en desuso. Cada cual que saque sus propias conclusiones.

Vídeo de wolfmadrid


Vídeo de Gabba02

Siegfried Wagner en la voz de Dagmar Schellenberger

Hace poco dije que estaríamos un tiempo descansando de Wagner, pero los recientes comentarios sobre el Siegfried que ha cantado Ben Heppner en Aix-en-Provence me han dado ganas de volver a las andadas. Para no caer en la tentación y llevado por una de esas asociaciones de ideas tan tontas a las que os tengo acostumbrados, he pensado que Siegfried + Wagner = Siegfried Wagner, así que le dedico esta entrada no al gran Richard, del que seguimos en período de abstinencia bloguera (solo bloguera, sigo como un niño con zapatos nuevos con el cofre de la DECCA, y gracias a maac tengo el Anillo de Keilberth en espera), sino a su hijo Siegfried, también compositor y director durante más de dos decadas de la Orquesta del Festival de Bayreuth.

Siegfried Wagner (1869-1930) no sólo fue hijo de un genio (Richard Wagner), sino también nieto de otro (Ferenc Liszt). Fue este último quien empezó a enseñarle armonía, pues su padre falleció cuando él era un niño. Posteriormente continuó sus estudios musicales con un alumno de su padre, el también compositor Engelbert Humperdinck. Abandonó más tarde la música para estudiar arquitectura, aunque una vez obtenido el título y durante un viaje a Singapur decidió que prefería dirigir orquestas y componer a diseñar casas. Pronto se ganó un merecido prestigio como director, tanto en Bayreuth como en otros teatros, éxito que también obtuvo como compositor con su primera ópera, Der Bärenhäuter, obra de marcado caracter romántico. Pero, para su desgracia, ése fue su único éxito en esta faceta. Los gustos del público estaban empezando a cambiar y pronto la escena musical estaba dominada por figuras tan dispares como Stravinsky, Strauss o Debussy, todos explorando nuevos caminos musicales que se alejaban del tradicionalismo de Siegfried Wagner. A veces hablamos de artistas que se adelantan a su tiempo, pero en este caso podríamos decir lo contrario: la obra de Siegfried Wagner nació con varias decadas de retraso, fue apreciada por los más viejos y despreciada por los más jóvenes. A todo esto hay que sumarle el peso del apellido, pues es justo reconocer que, aún siendo un notable compositor, nunca llegó a acercarse a la altura de su padre o su abuelo.

Vamos a escuchar fragmentos de tres de sus óperas, todos ellos a cargo de la soprano Dagmar Schellenberger y extraídos del disco Dagmar Schellenberger sings Siegfried Wagner, publicado por cpo.

El primero que vamos a escuchar es la canción final de Agnes, con la que se cierra la ópera Sternengebot. Agnes le explica a Heinz (el futuro rey Enrique el pajarero) que ha prometido amar eternamente al general Helferich. En este fragmento Siegfried Wagner emplea una técnica heredada de su padre, el uso de leit motiven. Aunque haría falta escuchar toda la obra para poder apreciarlos, según el libreto del CD aparecen, por este orden, el motivo de las palabras del astrólogo, el motivo de las estrellas, el de las consecuencias personales, el del amor hacia Helferich y finalmente, tras los gritos de júbilo de la multitud que despide a Helferich cuando éste parte en busca de aventuras, el motivo del impulso del corazón, al que las violas replican con el motivo del destino.

'Canción final de Agnes - Sternengebot'

El siguiente fragmento, de gran inspiración, es la escena de Mita, de la ópera Der Friedensengel. Mita, la amante de un adúltero, ha ingresado en un convento para expiar sus culpas tras el suicidio de éste. Mientras el resto de monjas entonan el Stabat Mater, Mita reflexiona sobre su pasado, estableciéndose una especie de diálogo entre su lamento y la oración de las monjas.

'Escena de Mita - Der Friedensengel'

Acabamos con la escena del baile, de la ópera Sonnenflammen, ambientada en la corte bizantina. Una pantomima tiene lugar en la corte en la que se representa el ataque de Artemisa y sus sacerdotisas a las ménades. Una intérprete, acompañándose con un harpa, narra la acción al emperador. En realidad, toda la pantomima esconde un plan secreto para matar al emperador, pero cuando una de las bailarinas se lanza sobre él con su cuchillo apenas consigue rozar su piel, ya que el juglar Gomella, que conocía los propósitos de los conspiradores, le ha prevenido de lo que va a pasar y ha organizado su defensa.

'Escena del baile - Sonnenflamen'

Cuando Humperdinck escuchó esta escena se lamentó de que su alumno siguiera los pasos de Salomé. Y es que el parecido entre la danza de las ménades y la obra de Richard Strauss, amigo de la infancia de Siegfried Wagner, es notable.

Angela Denoke, pasado, presente y futuro

La soprano alemana Angela Denoke acaba de pasar por Madrid, donde ha cantado el papel de Emilia Marty en Vec Makropulos, de Leos Janácek. Según dicen las críticas, tanto en prensa como en foros y blogs, ha estado espléndida. Es algo que no extraña, pues desde hace unos años la Denoke está en racha en casi todo lo que canta, lo que demuestra además lo bien que sabe elegir su repertorio, centrado en Wagner y Strauss y también en autores menos programados como Korngold, Janácek, Hindemith o Berg. Su voz es plena y sana y su canto combina la precisión técnica con una expresividad que se complementa con su excelente labor como actriz.

Una de las obras que más está cantando por toda Europa es Die Tote Stadt, de Erich Wolfgang Korngold. En el siguiente vídeo Angela Denoke y Torstern Kerl cantan la canción de Marietta, la melodía más conocida de esta obra.


Vídeo de Kryltoppa

Pinchando AQUÍ accederéis al vídeo de una entrevista en su camerino con motivo de su reciente actuación en Vec Makropulos en el Teatro Real. En el blog de Gino, Esta noche barra libre, tenéis la crónica de una de las funciones y un par de enlaces para descargar su debut en esta ópera y la versión referencial de la misma.

¿Y el futuro? Pues el futuro más inmediato pasa por Munich, donde cantará la Salomé de Strauss bajo la batuta de Kent Nagano en una producción de William Friedkin. En el siguiente vídeo vemos imágenes de esa Salomé, así como de la obra que la complementará: Das Gehege, de Wolfgang Rihm, con Gabriele Schnaut, la dedicataria de la obra.

Vídeo de Arsace86

Maazel anuncia que deja les Arts

Decíamos hace poco que había que disfrutar del actual nivel de la orquesta y de los dos principales directores del Palau de les Arts porque era imposible que esto durase para siempre. Pues bien, ayer mismo Lorin Maazel anunciaba en su web que no renovará su contrato con les Arts tras la próxima temporada. El motivo de su marcha es, según la web, la creación por parte de Maazel de un festival anual de música en Castleton (Virginia, EEUU). A causa del tiempo que le llevará poner en marcha ese proyecto, que empezará el 4 de julio del 2009, no podrá seguir al frente de la Ópera de Valencia.

Según informa el diario ABC, Helga Schmidt, intendente del Palau de les Arts, no pierde la esperanza de que Maazel acabe cambiando de idea y decida quedarse. Lo que todos nos preguntamos ahora es qué pasará si Maazel finalmente no renueva su contrato. ¿Contratarán a otro director de relumbrón a golpe de talonario o aprovecharan para reducir gastos? ¿Apostarán por alguien joven, estrategia que ha funcionado bien con muchos de los cantantes que nos han visitado, o preferirán volver a confiar en un veterano? ¿Se quedará Kynan Johns, hasta ahora ayudante de Maazel y director ocasional o se lo llevará con él a Castleton? En cualquier caso, quien venga se encontrará con una orquesta de una calidad inmensa y eso es mérito del maestro Maazel, que fue quien la montó, la puso a punto y la ha ido supervisando durante estas dos temporadas.

Camilla Tilling canta "Dagen är nära"

Camilla Tilling, la joven soprano sueca que cantó (muy bien, por cierto) el papel de Dorinda en el Orlando de les Arts esta temporada, canta el aria de G.F. Haendel Dagen är nära, que no es ni más ni menos que Lascia ch'io pianga en sueco.


Vídeo de pacificaaurawynn