Dígraf, de Joan Guinjoan

Llevábamos mucho tiempo sin traer algo de música contemporánea por aquí, y eso no está nada bien. Precisamente eso es lo que pensaba el viernes pasado volviendo del trabajo y escuchando Radio Clásica cuando me sorprendió una pieza musical que me impactó como hacía tiempo no lo lograba ninguna otra. Se trataba de Jondo, una obra para piano solo de Joan Guinjoan (Riudoms, 1931), que intepretaba en directo el pianista José Menor. La he estado buscando infructuosamente, pero en la búsqueda me he encontrado con esta otra obra que también me ha dejado impresionado: Dígraf. La escucharemos en la interpretación del citado José Menor, quien recientemente ha grabado en dos volumenes la integral de la obra pianística de Guinjoan.

He encontrado un extracto del programa de mano de un concierto de Menor en la Fundación Juan March en el que interpretó esta pieza. La autora (Rosa María Fernández García) dice lo siguiente:

Dígraf, de 1976, es la única pieza para piano de Guinjoan en la que emplea la escritura de formantes, escritura que el compositor usará también en otra de sus obras de estos años, Puzzle. La obra está dedicada al pianista Jean-Pierre Dupuy, quien la estrenó en París en ese mismo año. A partir de un esquema formal de “tema con variaciones”, Dígraf se inscribe en la escritura denominada flexible, si bien los elementos empleados no son estrictamente aleatorios, ya que todos los parámetros sonoros (altura, timbre, ritmo) están escritos con exactitud en el pentagrama. De esta manera, la flexibilidad acontece a partir del proceso combinatorio de breves fragmentos (los denominados formantes) que contienen elementos comunes -básicamente dos- aparecidos a lo largo de la composición. El primero de estos elementos se dibuja ya al inicio de la obra, y consiste en un doble anillo de carácter ambiental de diez sonidos de la escala cromática, siendo uno de ellos cromático y el otro diatónico. El otro elemento caracterizador de Dígraf deriva del anterior y posee igualmente una naturaleza ambiental. La combinación de estos elementos a través de distintas interversiones origina todo el desarrollo de la partitura.

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Variaciones sobre el tema "La Vaca Lechera", por Juan Lémann

La casualidad no será el método más efectivo para descubrir nuevas obras interesantes, pero sí el que menos esfuerzo requiere y, por tanto, mi favorito. Por casualidad fue como descubrí al compositor y pianista chileno Juan Lémann (Vendôme, Francia, 1928-Santiago de Chile,1998) y lo hice a través de una obra que, como bien sabréis si seguís habitualmente el blog, no podía sino despertar mi entusiasmo. ¿Por qué? Porque es una broma. Una broma mayúscula, y no una broma fina, irónica, elegante y chispeante, no. Una broma de las de verdad, de las que hacen gracia. Lémann,que acabaría siendo un respetable profesor de piano, vicedecano de la Facultad de Ciencias y Artes Musicales de la Universidad de Chile y una figura importante en el mundo musical latinoamericano, compuso siendo un estudiante en 1947 sus Variaciones sobre el tema "La Vaca Lechera" para piano, las cuales interpretó por primera vez en un concierto celebrado en 1952 con el noble propósito de sacarse un dinerito para financiar un viaje de estudios. En las variaciones, Lémann imita el estilo de varios compositores célebres, así como los ritmos del tango, las danzas húngaras, el jazz y la música oriental. Me encanta. Y no debo ser al único: hay un grupo de Facebook con 111 seguidores (yo entre ellos) dedicado a esta obra y del cual he sacado los vídeos que podéis disfrutar a continuación con la interpretación del propio Juan Lémann. También podéis despreciarlos con gesto altivo, compadeceros de mi candidez o intentar comprender cómo puede haber quien disfrute con algo tan banal si lo preferís, que sobre gustos no hay nada escrito. O mejor, sí lo hay, pero no me apetece leerlo, prefiero escuchar "La Vaca Lechera" y sus 14 variaciones.

TEMA:




1ª VARIACIÓN: JOHANN SEBASTIAN BACH



2ª VARIACIÓN: GEORG FRIEDRICH HÄNDEL



3ª VARIACIÓN: MINUETO AL ESTILO BARROCO



4ª VARIACIÓN: WOLFGANG AMADEUS MOZART



5ª VARIACIÓN: LUDWIG VAN BEETHOVEN, "MARCHA FÚNEBRE"



6ª VARIACIÓN: FRÉDÉRIC CHOPIN - JOHANNES BRAHMS, "LA VACA ROMÁNTICA"



7ª VARIACIÓN: CLAUDE DEBUSSY, "LA VACA SUMERGIDA"



8ª VARIACIÓN: SERGÉI PROKÓFIEV, "PEDRITO Y LA VACA"



9ª VARIACIÓN: ÍGOR STRAVINSKI



10ª VARIACIÓN: VACA AL ESTILO CONTEMPORÁNEO



11ª VARIACIÓN: LA VACA LECHERA EN ARGENTINA



12ª VARIACIÓN: LA VACA EN ESTADOS UNIDOS



13ª VARIACIÓN: UNA VACA EN CHINA



14ª VARIACIÓN: VACA HÚNGARA

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Gulda por Gulda

Friedrich Gulda con sus hijos Rico (izq.) y Paul (der.) - Attersee, 1990

Ya hacía tiempo que no le dedicaba ninguna entrada a Friedrich Gulda, el genial pianista austríaco que, tras alcanzar la excelencia en sus interpretaciones de Bach, Mozart y Beethoven, acabó renegando del ambiente que rodeaba la música clásica e interesándose por el jazz, aunque con el tiempo acabaría teniendo la misma actitud frente a este estilo. En su madurez, Gulda mantenía una relación de amor-odio con ambos estilos, con su público, con el establishment musical y con la crítica. Bueno, con la crítica la relación era sólo de odio. Fruto de estos sentimientos ambiguos, sus conciertos combinaban interpretaciones de obras clásicas con improvisaciones jazzísticas y piezas propias en las que se inclinaba hacia la clásica o hacia el jazz, muchas veces con la simplicidad y la inmediatez de la música pop flotando en el ambiente. Todo ello aderezado con su peculiar atuendo y sus charlas con el público entre pieza y pieza.

Vamos a escuchar una serie de composiciones propias interpretadas en diversos conciertos. La primera de ellas se titula Aria y originalmente formaba parte de su Suite para piano, piano eléctrico y percusión, aunque lo que vamos a escuchar es un arreglo para piano solo. Se trata de un aria da capo sin palabras de clara inspiración italiana y un estilo que se encuentra a mitad de camino entre el clasicismo y el romanticismo.

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Las dos piezas que vamos a escuchar a continuación tienen el denominador común de estar dedicadas a dos de sus tres hijos, Paul y Rico (ambos pianistas, por cierto). La inspiración para ambas es claramente jazzística, con una parte central en la que una serie de improvisaciones se suceden sobre una pesada y repetitiva base rítmica.

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Y acabamos con uno de sus clásicos: las variaciones sobre Light my fire del grupo The doors, algo bachianas aunque mucho más jazzísticas.

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Cuadros de una exposición (I): Primera promenade y Gnomus

Modest Músorgski

Recientemente estaba escuchando la famosa obra de Modest Músorgski Cuadros de una exposición en su versión orquestal adaptada por Maurice Ravel cuando se me ocurrió que sería una buena idea poder ir comparando la versión pianística original y la orquestal pieza por pieza para poder así profundizar en la comprensión de la labor compositiva de Músorgski y en la asombrosa habilidad para la orquestación de Ravel. Dicho y hecho: en esta y las siguientes entradas iremos disfrutando de las dos versiones más conocidas (hay más, Ravel no ha sido el único orquestador que ha conocido la obra), acompañando los números musicales con breves comentarios explicativos y con la contemplación de los cuadros que las inspiraron en los casos en los que estos se conservan.

Viktor Hartmann

Modest Músorgski compuso la Suite Hartmann, posteriormente renombrada como Cuadros de una exposición, en 1874 tras haber asistido a una exposición póstuma de la obra de su amigo el arquitecto Viktor Alexandrovich Hartmann. Ambos habían desarrollado una gran amistad basada en su común nacionalismo artístico. La temprana muerte del arquitecto a causa de un aneurisma conmocionó a su círculo de amistades, quienes rápidamente organizaron una exposición retrospectiva en San Petersburgo. El propio Músorgski colaboró cediendo las obras de Hartmann que poseía para que fuesen expuestas. Pero, afortunadamente para todos los melómanos, su homenaje fue más allá, pues decidió plasmar en música los sentimientos que le habían inspirado diez de las obras de Hartmann presentes en la exposición. La composición de la suite para piano resultante le llevó seis semanas de trabajo obsesivo. Su publicación, sin embargo, no tuvo lugar hasta 1886, cinco años después de la muerte del compositor.

Maurice Ravel

Pocos años después de que la partitura para piano saliese a la luz, el compositor ruso Mikhail Tushmalov compuso la primera de las numerosas orquestaciones de la obra. Le seguirían otras muchas, pero la más conocida, superando incluso la fama del original, es la de Maurice Ravel. El compositor francés, un reconocido maestro del colorido orquestal, realizó una adaptación excelente y, a diferencia de las orquestaciones previas, sorprendentemente fiel al original al que complementa y expande.

Las versiones que escucharemos en esta serie de entradas son la de la joven pianista georgiana Nino Gvetadze y la de Carlo Maria Giulini dirigiendo a la Chicago Symphony Orchestra. La razón de la elección es fácil de entender: son las que tenía más a mano.

Empecemos pues con los dos primeros números de la suite, la primera promenade y el cuadro Gnomus.

PROMENADE

Músorgski se retrata a sí mismo paseando por la exposición con un tema que se repetirá en cinco ocasiones (cuatro en la versión orquestal, pues Ravel eliminó una de las repeticiones) y que irá cambiando, adaptándose al tono de los cuadros. Aunque Promenade sea una palabra francesa (paseo, en castellano), el tema tiene su origen en la música folklórica rusa. Recordemos que tanto Músorgski como Hartmann se adscribían al movimiento cultural del nacionalismo ruso. Escuchemos primero la versión original de Músorgski.

Y a continuación, la versión orquestal, en la que Ravel utiliza la trompeta, a la que contesta una fanfarria de metales acompañados por las cuerdas.

GNOMUS

El cuadro que inspiró el número denominado Gnomus (latín para gnomo) era un diseño de Hartmann para un cascanueces con forma de gnomo que usaba sus largos dientes para partir las cáscaras. Desgraciadamente el cuadro se ha perdido, como casi toda la obra de Hartmann, pero podemos ver otro que quizá guarde similitud con él. Se trata de un diseño que Hartmann realizó para el personaje de Chernomor, de la ópera Ruslán y Ludmilla de Glinka.

Músorgski retrató al gnomo del cuadro de Hartmann dando torpes pasos con sus piernas retorcidas en medio de aullidos y convulsiones.

La orquestación de Ravel ayuda a resaltar el ambiente lóbrego que rodea al personaje.

Volveremos con una nueva entrada en la que podremos escuchar la segunda promenade y el cuadro titulado Il vecchio castello.

Anamorfosi, de Salvatore Sciarrino

Dice la wikipedia: Una anamorfosis o anamorfismo es una deformación reversible de una imagen producida mediante un procedimiento óptico (como por ejemplo utilizando un espejo curvo), o a través de un procedimiento matemático.

El más célebre uso de la anamorfosis en la historia del arte lo encontramos en el cuadro de Hans Holbein el Joven Los embajadores, que encabeza esta entrada. A los pies de los dos jóvenes representados, una mancha gris que traza una diagonal sobre el suelo se transforma en una inquietante calavera cuando el cuadro se ve desde una determinada perspectiva o se refleja en un espejo curvo, por ejemplo en el dorso de una cuchara. Comprobadlo vosotros mismos:

El interesantísimo compositor italiano Salvatore Sciarrino, a quien espero poder dedicar una entrada más extensa dentro de poco, tiene en su catálogo una obra llamada Anamorfosi. Si os parece bien, vamos a hacer un experimento: antes de seguir leyendo, escuchad la pieza (dura menos de tres minutos). La interpretación corre a cargo del pianista Massimiliano Damerini.

Vídeo de scriabinwasmydad

Si conocéis la obra Jeaux d'eau, de Maurice Ravel, os habréis dado cuenta de que esto no es más que una reelaboración de sus primeros compases. Si no la conocéis, escuchémosla en la versión de Marta Argerich:

Vídeo de PananXD

Muy bien, ahora ya todos sabemos que Sciarrino ha copiado el principio de los Jeaux d'eau, pero ¿a qué se debe el título, Anamorfosi, si la copia es más que evidente y no hace falta ningún cambio de perspectiva para reconocerla? Quizá algunos ya os hayáis dado cuenta, pero por debajo de los Jeaux d'eau hay otra melodía, mucho más conocida, que queda disimulada. Probad a volver a escuchar si formáis parte de este segundo grupo, a ver si se os queda la misma cara de bobos que se me quedó a mí cuando la reconocí.


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Henri Dutilleux: Sonata para piano

Henri Dutilleux (Angers, Francia, 1916) es uno de los compositores contemporáneos más importantes, a pesar de tener una producción de apenas treinta obras. Sus influencias hay que buscarlas en los autores franceses de principios de siglo, Debussy, Ravel y Roussel, así como en Stravinski, aunque si por algo destaca la obra de Dutilleux es por su originalidad.

La primera pieza de Dutilleux que se estrenó en público, tras una serie de composiciones destinadas a concursos y a pruebas en el conservatorio, fue Sarabande et Cortège para fagot y piano. Dicha obra se interpretó por primera vez en París en 1941, en plena II Guerra Mundial. Durante los años de la guerra también estrenó Cuatro melodías para canto y piano, la Sonatina para flauta y La Gèole para voces y orquesta. Sin embargo, no fue hasta 1946, con la guerra acabada y tras su matrimonio con la célebre pianista Geneviève Joy, que Dutilleux no empieza a componer la primera pieza que considera digna, repudiando así todas las compuestas anteriormente. Esta pieza es la Sonata para piano, una obra donde el autor agota las capacidades tímbricas del instrumento y que introduce dos características que se repetirán en sus creaciones posteriores: la técnica de la variación y el gusto por las atmósferas oníricas. La composición de esta pieza, dedicada a su esposa, al igual que toda la obra pianística que escribiría posteriormente, le llevó dos años.

Escuchemos el tercer movimiento de la Sonata para piano de Henri Dutilleux, Chorale et Variations, interpretado por Thomas Yu (quien, por cierto, se considera un pianista amateur a pesar de realizar giras de conciertos, pues su auténtica profesión es la de dentista).


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Los compositores tocan sus obras

De la misma forma que hace poco escuchamos una serie de transcripciones de obras para otros instrumentos, ahora, e igualmente de forma desordenada y sin otra pretensión que pasar un buen rato, vamos a escuchar las interpretaciones que varios compositores famosos hicieron de sus propias obras. Empezamos con uno de mis compositores favoritos, Sergei Prokófiev, interpretando su Suggestion Diabolique al piano en una grabación de 1935:

Vídeo de theoshow2

Pasamos a otro pianista, Edvard H. Grieg tocando en 1906 una de sus piezas líricas, Mariposa (op.43 nº1):

Vídeo de theoshow2

Antes de la era del fonógrafo existía la posibilidad de grabar las interpretaciones pianísticas en rollos de paple perforado para pianola. No es lo mismo, pero menos da una piedra. Escuchemos como suena la Pavane (op.50) de Gabriel Fauré en la versión para pianola que el mismo grabó. Sorprende el ritmo acelerado de la misma, en comparación con las interpretaciones actuales.

Vídeo de theoshow2

Otro rollo (perforado, quiero decir) que podemos escuchar es el de Claude Debussy en 1913 interpretando Golliwogg's Cakewalk de su colección Children's Corner:

Vídeo de theoshow2

Volvemos a las grabaciones fonográficas. Alexander Scriabin interpreta en 1910 su Etude op.8 nº12:

Vídeo de louiu

Sergéi Rajmáninov grabó muchas de sus obras con el sistema Ampico, una versión mejorada de los rollos de papel perforado que permitía grabar también las dinámicas. También dejó un buen número de grabaciones fonográficas interpretando sus obras así como las de Liszt o Chopin entre otros. Escuchemos el primer movimiento de su Concierto para piano nº2 en una grabación de 1929 junto con la Philarmonia Orchestra dirigida por Leopold Stokowski.

Vídeo de kspm01

Otro gran maestro ruso, Dmitri Shostakovich, no sólo nos dejó grabaciones de sus piezas, sino incluso un vídeo en el que se le ve interpretando el final de su Concierto para piano nº1 (op.35) en 1934

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Y para acabar, ya que ha quedado todo demasiado pianístico, cambiamos de instrumento con el violinista virtuoso Pablo de Sarasate (a quien ya escuchamos en Zigeunerweisen) interpretando su Caprice jota en una grabación de 1904:

Vídeo de sobie99

Mozart: Sonata para piano nº9 en La menor, K310

Seguimos dándole a los teclados, en este caso al del piano. Hace poco compré por el módico precio de 18,76 euros la integral de sonatas para piano de W. A. Mozart interpretada por María Joao Pires. No se trata de la versión que grabó en 1991 para Deutsche Grammophon (esa vale más de 100 euros), sino de una versión anterior, grabada en 1974, cuando la pianista lisboeta tenía 30 años y publicada ahora bajo licencia por el sello holandés Brilliant, que gracias a su política de grandes versiones a precios bajos se ha convertido en mi preferido.

Llevo unos días escuchando sonata tras sonata y disfrutando como un enano. Algunas las conocía, otras las estoy descubriendo ahora. Entre las primeras hay una que no por conocida deja de parecerme emocionante cada vez que la escucho: la Sonata nº 9 en La menor, K 310 (considerada la nº8 por algunos autores, lo que crea un pequeño caos a la hora de buscar referencias en la web). Mozart compuso esta sonata en 1778, a los 22 años, influenciado por un acontecimiento trágico, la inesperada muerte de su madre mientras él estaba en París dando una serie de conciertos. Al componer esta pieza abandonó el estilo clásico y galante del resto de las sonatas para dar paso a un dramatismo que nos puede parecer un claro precursor del movimiento romántico. La intención de la obra ya no es deleitar nuestros oídos con su belleza, sino transmitirnos los sentimientos del autor en un momento tan doloroso.

Para descargar la Sonata nº9 en la versión de Maria Joao Pires (1974), pichar AQUÍ.

El primer movimiento, Allegro maestoso, repleto de disonancias, se mueve desde el sombrío tono menor hacia la tonalidad mayor del segundo tema, siempre con una tensión casi palpable, para volver a la tonalidad menor original en la recapitulación. La tensión se ve incrementada durante el desarrollo de los temas por los cambios de dinámica de fortissimo a pianissimo. Escuchemos este movimiento en la versión de Alexei Lubimov, interpretada en un fortepiano construido a imitación de los de la época del autor.

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El segundo movimiento, marcado como Andante cantabile con espressione, comienza con una sección que recuerda a un aria y pasa de forma abrupta a por una sección intermedia de gran dramatismo en tono menor. Los sentimientos de alivio y superación que parecía transmitir la primera parte se ven súbitamente aniquilados por las disonancias punzantes y el ritmo embravecido que les suceden. Finalmente, con el regreso al primer tema, tras una serie de modulaciones, parece que el dolor queda finalmente oculto por la recuperada paz espiritual, quedando tan sólo la melancolía. Escucharemos este seguno movimiento interpretado por Sviatoslav Richter en una grabación en directo de 1959.

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La pieza se cierra con el tercer movimiento, Presto, escrito en modo menor. Tras el cierre del segundo movimiento con una aceptación del dolor, Mozart podría haber dado paso a la esperanza o, al menos, a la consolación en este tercer movimiento. En lugar de eso, nos sumerge en una música de carácter rítmico que "parece estar persiguiendo un fantasma", según dice el folleto de la versión Pires que tengo delate. Al revés de lo que pasaba en el segundo movimiento, aquí la sección central parece intentar escapar de la tristeza y se entrevé algo de optimismo, pero inmediatamente regresa el primer tema hasta llegar a un violento fin en tono menor. La versión que vamos a escuchar es la del gran pianista Dinu Lipatti.

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Noche en el monte pelado, de Músorgski, al piano

Estamos acostumbrados a escuchar los Cuadros de una exposición de Modest Músorgski en su versión orquestal, a cargo de Ravel, y no en su versión original, al piano. Hoy, lo que os propongo es justo lo contrario, vamos a escuchar una transcripción para piano de una obra orquestal, su aterradora Una noche en el Monte Pelado. El pianista es el ruso Boris Berezovsky.


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