Dmitri Korchak, un tenor con futuro

Todos los comentarios que he leído acerca del Eugene Oneguin del Palau de les Arts coinciden en recalcar la excelente labor del joven tenor ruso Dmitri Korchak como Lenski. Ciertamente, en un reparto en el que nadie más destaca para bien ni para mal, Korchak es el único que consigue traspasar la barrera que separa la interpretación mecánica de la partitura del auténtico arte que transmite sentimientos, y lo hace mediante el uso de reguladores y el juego de dinámicas, con unos bellos pianísimos en la segunda estrofa de su aria Kuda, kuda que causan la admiración del público en cada función.

La primera vez que escuche a Dmitri Korchak no fue en directo, sino en un DVD editado en el año 2007, una grabación de una ópera que permanecía sin estrenar pero que es muy recomendable: Il dissoluto punito, ossia Don Giovanni Tenorio, de Ramón Carnicer. Si compré el DVD fue por la curiosidad que me producía escuchar este título, no por el reparto, ya que apenas conocía uno o dos nombres (exceptuando al director, el gran Alberto Zedda) y tampoco me decían gran cosa, pero lo cierto es que quedé muy contento con el resultado y especialmente con el rendimiento de Korchak, que interpreta a Don Giovanni. Vamos a verlo luciendo músculos en un aria de dicha grabación.

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Por lo que he podido saber, Korchak lleva cantando desde al menos el año 2002, cuando graba su primer DVD, precisamente un Eugene Oneguin, con la compañía del teatro Novaya Opera de Moscú. Su lanzamiento internacional, sin embargo, llega en el año 2004 cuando gana el concurso Francisco Viñas y obtiene dos premios en Operalia.

Tras verle como Don Giovanni, volví a encontrarme con Korchak, esta vez en directo, cuando su nombre apareció en el cartel de L'Arbore di Diana de Martín y Soler, ópera con la se estrenó en el año 2008 la sala del Palau de les Arts que lleva el nombre del compositor valenciano. Korchak estuvo muy bien, destacando por encima del resto de papeles masculinos, aunque en esta ópera son las mujeres las que de verdad se llevan el gato al agua. Escuchémosle en una de estas funciones valencianas.

Vídeo de cygankvao

Hasta ahora, su carrera se ha basado sobre todo en el belcanto de Rossini, Bellini y Donizetti y en Mozart, aunque la aparición de papeles como Werther de Massenet o Alfredo de La Traviata de Verdi, así como la reciente escucha de su Lenski y la constatación del ensanchamiento que está experimentando su voz, hace presagiar que en el futuro se irá acercando a papeles cada vez más propios de un tenor lírico y menos de un ligero. Según su página web, en la actualidad tiene estos papeles en repertorio (sin contar misas, oratorios y demás):

Bellini V. – La Sonnambula (Elvino)
Bellini V. – I Puritani (Arturo)
Bizet G. – Les Pecheurs de perles (Nadir)
Carnicer R. – Il Dissoluto punito (Don Giovanni)
Donizetti G. – L’Elisir d’amore (Nemorino)
Donizetti G. – Don Pasqualle (Ernesto)
Donizetti G. – Dom Sebastien (Dom Sebastien)
Donizetti G. – La fille du regiment (Tonio)
Donizetti G. – La Favorita (Fernando)
Ibert J. – Persee et Andromede (Persee)
Jomelli N. – Demofoonte (Demofoonte)
Lehar F. – Die Luestige Witwe (Camille de Rossilion)
Martin y Soler V. – L’arbore di Diana (Endimeone)
Massenet J. – Werther (Werther)
Mozart W.-A. – Die Entführung aus dem Seral (Belmonte)
Mozart W.-A. – Cosi fan tutte (Ferrando)
Mozart W.-A. – Die Zauberflöte (Tamino)
Mozart W.-A. – Don Giovanni (Don Ottavio)
Musorgski M. – Boris Godunov (Jurodivy)
Ravel M. – L’Enfant et les sortileges (Thierry, Rainette)
Ricci F.– Corrado d’Altamura (Roggero)
Rimski-Korsakov N.A. – The Snow Maiden (Tsar Berendey)
Rimski-Korsakov N.A. – Mozart & Salieri (Mozart)
Rossini G. – La Gazza Ladra (Gianetto)
Rossini G. – L'equivoco Stravagante (Ermano)
Rossini G. – Il barbiere di Siviglia (Il Conte Almaviva)
Rossini G. – Il viaggio a Reims (Lebenshof)
Straus R. – Der Rosenkavalier (Italian tenor)
Tchaikovsky P. – Evgeny Onegin (Lensky)
Verdi G. – La Traviata (Alfred)
Verdi G. – Falstaff (Fenton)

Como buen belcantista y buen rossiniano, ha sido un asíduo al festival de Pesaro. Vamos a escucharle cantando el aria Vieni fra queste braccia de la ópera La gazza ladra en el festival del 2008.

Vídeo de cygankvao

Y ahora cantando, muy adecuadamente, el himno ruso de Il viaggio a Reims en el 2009 en la Scala de Milán, con la famosa puesta en escena de Luca Ronconi.


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Pero como no sólo de Rossini vive el hombre, terminaremos escuchándole en un concierto de hace sólo tres meses en el que cantó Ella mi fu rapita... Parmi veder le lagrime, la difícil aria del duque de Mantua en Rigoletto.

Vídeo de cygankvao

Yo mismo con mi mecanismo

Hoy vamos a escuchar tres dúos bastantes curiosos, ya que los divos que los cantan lo hacen por partida doble. O sea, que estrictamente no sé si serían dúos, aunque no vamos a marear la perdiz. Por supuesto, esto es posible gracias a los estudios de grabación, pues no creo que ninguno de estos cantantes domine la técnica del canto bifónico mongol.

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En el primero de los vídeos tenemos a Grace Bumbry, una de esas cantantes cuya carrera se ha movido entre los registros de mezzo y soprano, haciéndose cargo de los papeles de Amneris y Aida.

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En el segundo vídeo tenemos al tenor Plácido Domingo cantando los papeles de Figaro y Almaviva de Il barbiere di Siviglia. Ninguno de los dos es especialmente adecuado para su voz, el primero por estar compuesto para barítono y el segundo por ser más adecuado para un tenor ligero o lírico ligero, pero lo cierto es que, aparte de este vídeo, grabó el primero en estudio con Claudio Abbado y cantó el segundo en teatro en sus años mozos.

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Y por último, un dúo que no se debe al capricho del divo sino a la falta de recursos, en este caso a la falta de bajos capaces de enfrentarse a los tres grandes papeles para bajo de la ópera Boris Godunov de Mussorgsky. Cuando en 1952 Walter Legge, factótum de la discográfica EMI, decide llevar a cabo la primera grabación de esta ópera fuera de la Unión Soviética se encuentra con el problema de que en su lado del telón de acero es difícil encontrar quien pueda hacerse cargo de los papeles de Boris, Pimen y Varlaam. Contaba con Boris Christoff, el gran bajo búlgaro, Boris indiscutible de su generación, pero le faltaban otros dos bajos. Finalmente, fue el mismo Christoff quien cantó los tres papeles, diferenciando magistralmente su canto según encarnase a uno u otro. El problema llega cuando, en la escena previa a la muerte de Boris, el zar se reune con Pimen, o lo que es lo mismo, Christoff se reune con Christoff. Vamos a escuchar esta escena, en la que primero hablará Pimen, le seguirá una breve respuesta por parte de Boris y finalmente una larga parrafada en la voz de Pimen que desembocará en la escena de la muerte, no incluída en este corte.

Giulietta Simionato, in memoriam

Ha fallecido, a punto de cumplir los 100 años de edad, una de las mejores cantantes de la historia, al menos desde que tenemos registros sonoros: la grandísima mezzo Giulietta Simionato. Vaya este breve repaso de su carrera en su memoria.

Nacida el 12 de mayo de 1910 en Forli, Giulietta Simionato debutó con 20 años de edad en Rovigo, donde vivía. Sus méritos como cantante le valieron su entrada en la Scala de Milán, donde se juzgó que su material era correcto pero no así su formación, por lo que permaneció 9 años estudiando y cantando sólamente papeles menores. El resultado de este largo periodo de estudio fue una de las técnicas más solidas que pueda uno escuchar (Lauri-Volpi, tan quisiquilloso como era con la técnica ajena, dijo que su emisión era perfecta, sin artificios ni reforzamientos, completamente apoyada sul fiato), así como una capacidad dramática excelente. Ya perfeccionado su canto, su carrera despegó y fue llevada con una gran inteligencia, adoptando nuevos papeles a medida que su voz se ensanchaba y se movía desde la mezzo-soprano ligera de sus orígenes hasta la cuasi-contralto de sus últimos años en activo. Se retiró en 1966, en plena posesión de sus habilidades canoras, aunque permaneció unida al mundo del canto como profesora y jurado en diversos concursos hasta hace bien poco. En sus treinta años de carrera tan solo canceló en tres ocasiones, lo que dice tanto de su profesionalidad como de sus excepcionales cualidades físicas.

Entre sus papeles legendarios están Azucena, Adalgisa y Amneris, que cantó junto a la Callas en México en 1950 y en los cuales es referencia obligada. También cantó con gran éxito papeles rossinianos como los de Il Barbiere o La Cenerentola, donde no llegó al nivel de mezzos más modernas como Berganza o Horne, más hábiles en las agilidades, pero como dejó dicho Gonzalo Badenes en su libro Voces, del que estoy sacando muchos de los datos aquí citados "...si vemos su Rossini a la luz de lo que se hacía en los años treinta, cuarenta o cincuenta, llegaremos a la conclusión de que la Simionato ofreció el mejor Rossini posible para su tiempo". Otras de sus grandes creaciones fueron su Giovanna Seymour en Anna Bolena (junto a Callas y Gencer), su Valentina de Gli Ugonotti, Leonora en La Favorita, Eboli en Don Carlo, Santuzza en Cavalleria rusticana y una larga lista en la que podríamos incluir practicamente la totalidad de sus interpretaciones.

Vamos a escuchar su papel estrella, aquel en el que permanece inigualada después de casi cincuenta años desde que lo abandonó: Azucena de Il Trovatore. El vídeo pertenece a una función ofrecida en la Royal Opera House en 1964, dos años antes de su retirada. El tenor es Bruno Prevedi y el director Carlo Maria Giulini.

Vídeo de felipecunha

En este vídeo, del mismo año, la vemos como Amneris en Aida junto al Radames de Jon Vickers.


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La escuchamos ahora cantando Mira o Norma junto a Maria Callas en Mexico, 1950, bajo la dirección de Guido Picco. El sonido no es muy bueno, pero aun así vale la pena escucharlo. Si algún día inventan la máquina del tiempo, mi primer viaje será a esta función.

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Y por último, la escucharemos cantando Pensa alla patria, de la ópera L'Italiana in Algeri de Rossini.


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Iván Kozlovski, excesivo e inigualable

Hace unos días hablamos del compositor Józef Kozlowski y eso me hizo pensar en otro Kozlovski, más conocido que el primero aunque menos de lo que se merece. Me refiero al tenor Iván Kozlovski, una de las mayores glorias del canto de la época soviética. Casualmente, hace justo un año que dediqué una entrada al que fue su rival durante muchos años en el Bolshoi, Sergei Lemeshev.

Iván Semiónovich Kozlovski (1900-1993) nació en Bila Tserkva (hoy Ucrania, entonces parte del Imperio Ruso) y empezó a cantar a los siete años en el coro del Monasterio de San Miguel. Estudió arte dramático, piano y canto en Kiev y pronto empezó a cantar en coros de forma profesional junto a su hermano Fedir, una actividad que tuvo que interrumpir durante la Revolución Rusa. Tras el cambio de régimen, sus cualidades excepcionales para el canto le valieron su ingreso en el cuerpo de ingenieros del ejército, concretamente en la banda de música de tal agrupación, de la que fue cantante solista.

En 1920 debutó sobre el escenario cantando Faust en la ópera de Poltava. Tras unos años cantando en teatros de provincias, en 1926 es contratado como primera figura del teatro Bolshoi, donde cantará ininterrumpidamente hasta 1954. Durante estos años se fragua su rivalidad con el otro gran tenor de la época, Sergei Lemeshev, con quien compartía algunas características vocales y casi todo el repertorio, pero difería en estilo y personalidad (Kozlovski era expansivo, excéntrico, exhibicionista, excesivo y muchas otras cosas que empiezan por -ex, mientras que Lemeshev era introvertido, moderado y poco dado a la pirotecnia vocal que tanto gustaba a Kozlovski; podríamos decir que Kozlovski era un cantante dionisíaco y Lemeshev un cantante apolíneo, pero no lo diremos porque queda muy pedante; ups, demasiado tarde, ya lo he dicho). Lo cierto es que Kozlovski llegó al Bolshoi seis años antes de que lo hiciera Lemeshev y además lo hizo de la mano de Leonid Sobinov, el más importante tenor ruso por aquel entonces, de forma que entró por la puerta grande y tuvo unos años de reinado indiscutido hasta la llegada de su rival.

Aunque las preferencias de los aficionados y los corazones de las fans adolescentes estaban divididos entre estos dos grandes tenores, Kozlovski contaba con un seguidor que inclinaba la balanza sensiblemente a su favor: Iósif Stalin. El dictador disfrutaba tanto escuchando su voz que llegaba a llamarle en mitad de la noche para que fuera al Kremlin a cantar para él. Stalin concedió a Kozlovski varios caprichos, tales como numerosas grabaciones en las que era protagonista absoluto, una compañía propia de ópera y el premio Artista del Pueblo de la URSS, pero nunca le permitió viajar a occidente, pues tenía miedo de que se fugase, tal y como había hecho su hermano Fedir tras la revolución (a modo de anécdota diremos que, estando en el exilio, Fedir fue ordenado sacerdote por la iglesia ortodoxa ucraniana y posteriormente se fue a vivir a Nueva York).

Iván Kozlovski cantó ópera de forma regular hasta 1970 y después siguió cantando en conciertos y recitales hasta 1989, cuando se retiró definitivamente. Recordemos que había nacido en 1900, así que se retiró a los 89 años de edad, poniéndole a Plácido Domingo el listón a una altura que sólo el tiempo nos dirá si puede superar. Esto último es broma, ¿eh? O no, quien sabe.

Tras este rollazo que os acabo de soltar, vamos con la parte realmente interesante, las escuchas. Iván Kozlovski es uno de los últimos representantes de la escuela de canto rusa, heredera de los maestros italianos que se trasladaron a la Corte Imperial de San Petersburgo durante la época de los zares. Su estilo, por tanto, está emparentado con el de los cantantes anteriores a Caruso o con el de aquellos que no siguieron la senda iniciada por éste, como Schipa. Es un estilo que prácticamente ha desaparecido, por lo que puede que a muchos les suene antiguo y desfasado, pero lo cierto es que en determinados aspectos como el cuidado en el fraseo, la variedad dinámica y la perfección técnica es plenamente disfrutable y no podemos más que lamentar su extinción.

En cuanto a la voz, clara y brillante (en exceso según los estándares post-carusianos, que prefieren la oscuridad en el centro del registro), es destacable la facilidad con la que subía al agudo hasta alcanzar notas casi sobrehumanas. Una vez alcanzadas, Kozlovski solía mantenerlas en un alarde de fiato, haciendo caso omiso de la duración escrita en la partitura, todo ello con una seguridad pasmosa. En muchas ocasiones tales exhibiciones rayaban el mal gusto, cuando no caían plenamente en él, pero aún así, ¡qué voz! ¡Y qué técnica!

Escuchamos una de estas grabaciones de dudoso gusto: Ecco ridente in cielo (Il Barbiere di Siviglia, Rossini), grabada en 1943, con unas alocadas cadenzas inventadas para la ocasión en las que va desde el agudo más extremo hasta graves más propios de la cuerda de barítono.

Vídeo de IHATEWINDOWS

Pero también era capaz de cantar sin perder los papeles y sin dejarse llevar por las ganas de lucirse. Como ejemplo, una estremecedora versión de El mariscal de campo, perteneciente al ciclo Canciones y danzas de la muerte de Modest Músorgski.

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De entre todos los papeles que cantó Iván Kozlovski en su larga carrera hay tres en los que destacó especialmente y que marcaron la forma en la que esta se desarrolló. El primero de ellos es el del poeta Lensky en la ópera Eugene Onegin de Chaikovski. No llega a ser tan mágico como el de Lemeshev, pero por poco. Os dejo un vídeo en el que podemos verle cantando la célebre aria Kuda, kuda (aviso: el aria empieza en el minuto 1:00 del vídeo).

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Otro papel que interpretó en numerosas ocasiones es el de Lohengrin (cantado en ruso, como era habitual que se hiciera con las óperas extranjeras). Su voz brillante y su figura alta y estilizada le convertían en un intérprete ideal para el caballero del cisne. Para dar muestra de su longevidad, vamos a escuchar dos versiones del racconto de Lohengrin, el conocido In Fernem Land, la primera de 1937 y la segunda de 1973, posterior a su retirada de los escenarios. Sirvan ambas también como homenaje al blog In Fernem Land y a su alma mater, el amigo Joaquim, que está pasando por un momento doloroso y al que mando un abrazo desde estas líneas.

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Vídeo de gnativerson

Y por último, el papel en el que más destacó Iván Kozlovski, en el que alcanzó las cotas artísticas más elevadas y en el que, ahora sí, podemos decir que se convirtió en un referente inalcanzado en la historia de la ópera. Con apenas diez minutos de canto en medio de una ópera de grandes dimensiones, Kozlovski se convertía en el protagonista absoluto cada vez que cantaba el papel del idiota (iurodivi) en la ópera Boris Godunov de Modest Músorgski. Lo vamos a ver, y con esto os dejo por hoy, junto al también excelente Boris de Alexander Pirogov.

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La scala di seta en el Martín i Soler

La scala di seta en el ROF. La puesta en escena es la misma que pudimos ver ayer en el Palau de les Arts.

El teatro Martín i Soler, la más pequeña de las salas que forman el Palau de les Arts de Valencia, acogió ayer una representación de la ópera bufa de Rossini La scala di seta. Los intérpretes fueron alumnos del Centro de perfeccionamiento Plácido Domingo, entidad vinculada al Palau de les Arts y dirigida por Alberto Zedda, quien también se encargó de la dirección musical en esta representación.

Antes de seguir he de introducir un párrafo reivindicativo, ya me conocéis. La scala di seta apareció en la programación de Les Arts haciendo honor a su nombre, como una seta, de la noche a la mañana. Un día uno entra en la web de Les Arts y descubre que hay un par de funciones de esta obra anunciadas. Sin embargo no se pueden comprar entradas por internet y los empleados que atienden la venta telefónica ni siquiera se han enterado de la aparición de este título. Vamos mal. Finalmente, se pone en marcha la venta de entradas. Como un primo, uno va y se la compra. Pasan los días y la cosa no avanza, parece que a la gente no le interesa la obra, o los cantantes, o el teatro, o posiblemente ni siquiera se han enterado de que ha aparecido una seta en la programación. El Palau de les Arts, siguiendo su línea de desprecio contínuo al abonado, hace públicos una serie de descuentos, para abonados, para grupos... en algunos casos llegaban hasta el 50%. Pues bien, yo, que soy abonado y que podía haber formado parte de un grupo con solo mandar un par de e-mails, me quedo con mi entrada pagada a tocateja sin descuento ninguno. Mensaje captado, la próxima vez que salga una seta se va a comprar una entrada Rita la cantaora. En todo caso, cuando empiecen a aparecer descuentos, bien sea porque les entra el pánico al ver que incluso una sala de aforo muy reducido amenaza con quedar vacía, bien sea porque la descordinación en la gestión hace que los descuentos aparezcan cuando ya se han vendido entradas a precio completo, probaré a ver si puedo comprar algo.

Superado el cabreo inicial, vamos a centrarnos en la función de ayer, en la que creo que todos los asistentes (al final el teatro se llenó, no sé cómo ni por qué) disfrutamos mucho, y eso que la obrita no da para mucho. La scala di seta, para quien no la conozca, es la típica comedia de enredo con el típico tutor viejuno que quiere casar a su pupila con un señor, la típica pupila que no quiere casarse con ese señor porque está enamorada de otro, el típico tenor que está enamorado de la pupila, el personaje tonto que se pasa la obra haciendo gracietas y liando la madeja... en fin, lo mismo que ya hemos visto un millón de veces y que sólo nos conseguirá entretener si nos lo sirven bien presentado, tanto en lo musical como en lo escénico.

De lo primero se encargó Alberto Zedda, una leyenda viva del rossinianismo, dirigiendo a la Orquestra de la Comunitat Valenciana con el brío que le caracteriza, quizá excesivo, aunque en este repertorio más vale pecar por exceso que por defecto. Sobresaliente para él y para los músicos que respondieron tan bien como se espera de esta formación.

De entre los alumnos del centro de perfeccionamiento, destacó la soprano Dolores Lahuerta en el papel protagonista (Giulia). Posee un instrumento de gran volumen, con un personalísimo timbre metálico que no le resta belleza. Su voz se afianza en los agudos, atacados con seguridad y repletos de brillo. No tuvo ningún problema con las agilidades, incluso cuando la producción le obligaba a realizarlas en situaciones de lo más inverosímil. Nos quedamos con ganas de escucharla en papeles de más enjundia.

Aunque con un inicio dubitativo, el barítono Lluís Martínez, quien encarnaba al criado Germano, se convirtió en el otro triunfador de la función, sobre todo gracias a su aria, en la que pudo lucir un amplio rango vocal con unos graves estupendos. Resolvió con efectividad un papel mucho mas complejo que agradecido e hizo gala de una excelente vis cómica.

El tenor que se encargó de Dorvil, el colombiano Hans Ever Mogollón, tiene un instrumento mucho más limitado que el de sus dos compañeros. Defendió el papel con dignidad y de forma inteligente evitó comprometerse con agudos imposibles, pero su actuación quedó lastrada por la comparación con los dos cantantes ya mencionados.

Muy por detrás, Isaac Galán como Blansac y Ekaterina Metlova como Lucilla, aunque en ambos casos es destacable su implicación actoral. Del Dormont de Javier Tomé poco se puede decir por tratarse de un personaje de poca importancia y sin apenas texto.

La puesta en escena de Damiano Michieletto recién traida del Rossini Opera Festival de Pesaro (dirigido también por Alberto Zedda) fue un acierto y ayudó al éxito de la función, aunque hay aspectos mejorables. Sobre el escenario aparece un plano arquitectónico a escala natural, reflejado en un espejo inclinado en la perte superior. los cantantes se mueven por el plano como si lo hiciesen por un piso real, simulando que abren y cierran puertas inexistentes o que se apoyan en paredes que sólo están dibujadas en el suelo. ¿Acaso hay alguna relación entre la obra y la arquitectura? No, pero es una estratagema muy inteligente, porque la ausencia de paredes permite al público ver a todos los personajes en todo momento y así entender mejor una trama muy enrevesada. Estéticamente, la escenografía obra de Paolo Fantin es impecable.

Ahora bien ¿se quejaba parte del público de que en Les Troyens no había ni un solo momento de estatismo? Pues aquí se llega a lo frenético. No hay ni una sola aria en la que, mientras un personaje canta, no haya otro haciendo payasadas y distrayendo la atención del público. Yo, con mi manía de fijarme en quien está cantando, me perdí la mitad de las gracietas. Incluso los cantantes se ven forzados a realizar movimientos de todo tipo mientras cantan, y no es que lo que cantan sea fácil ni mucho menos. ¿Nos molestaban los ruidos que hacían los fureros en escena? Aquí un grupo de personajes vestidos con monos de trabajo se encargan de llenar de muebles ruidosamente un escenario, inicialmente vacío durante la obertura, que por cierto es lo más destacable de la obrita y que se ve seriamente perjudicada por el barullo general. A mí no me molestó ni el exceso de imágenes de la Fura ni su horror vacui, sin embargo ayer habría agradecido algo más de tranquilidad en la dirección de actores y sobre todo, una obertura silenciosa y con el telón bajado, que es como deberían ser todas las oberturas por decreto-ley.

Podéis leer la crónica de Atticus, tan completa y bien escrita como es habitual en él, pinchando AQUÍ.

Chris Merritt canta Balena in man del figlio

No soy muy rossiniano, lo cual en estos tiempos post-Rossini renaissance, en pleno reinado tenoril de Juan Diego Flórez, parece una rareza. El caso es que este domingo toca La scala di seta en el Palau de les Arts y conviene ir preparándose. No voy a hablar de la obra en cuestión porque ya lo ha hecho Atticus en su blog estupendamente.

Si me meto en repertorio rossiniano ando un tanto perdido, no conozco muchas de las obras, otras las conozco parcialmente, otras las he escuchado enteras varias veces y no me han dejado ningún poso, con otras he disfrutado mucho. Ya que no sé por donde empezar, lo hago por un intérprete de esos que hacen que nos acerquemos a un repertorio que en principio no nos resulta especialmente llamativo sólo para poder disfrutar de su arte. Me refiero a Chris Merritt, una voz entre un millón, que cantó como nadie que yo haya escuchado el repertorio de baritenor rossiniano. En este caso, vamos a escuchar la interminable aria Balena in man del figlio seguida de su correspondiente cabaletta. Trece minutos de espectaculares agilidades y subidas estratosféricas al agudo resueltas con la maestría de un tenor fuera de serie en su mejor momento de forma. El vídeo está sacado de una de las funciones de la ópera Ermione con Montserrat Caballé en el papel titular, pero no vamos a hablar de su rendimiento porque siempre ha sido un tema muy controvertido y, sinceramente, carezco de criterio para opinar.




Vídeos de fabiantenor

Prom 29: Roma en Londres

Vuelvo de mis cortas vacaciones londinenses y aunque no sé si queda por ahí alguien dispuesto a leer esto o estáis todos de vacaciones en alguna playa paradisíaca me dispongo a contaros mi experiencia en el Prom 29 el pasado martes 6 de agosto. Supongo que ya lo sabréis, pero por si no es así os explicaré muy por encima lo que son los Proms. Organizados por la BBC cada verano, su nombre completo es Henry Woods Promenade Concerts, y reciben este nombre porque originalmente fueron pensados para que los asistentes pudiesen pasear por el Royal Albert Hall mientras disfrutaban de la música. Hoy en día ya no se pasea, más que nada porque el éxito de asistencia hace que el público que compra las entradas de pie (al módico precio de cinco libras, cinco euros y medio al cambio) abarrote la platea, de forma que se limitan a permanecer en su sitio en un admirable silencio (qué gozada, un público silencioso).

Vivica Genaux

El Prom al que yo asistí tenía un hilo conector: Roma. La BBC Philarmonic dirigida por Gianandrea Noseda era la protagonista del programa, contando con la lujosa colaboración de la mezzo Vivica Genaux, que cantó dos arias de Rossini. El concierto empezó con la Sinfonía Nº4 en La mayor "Italiana" de Mendelssohn, interpretada con suma corrección por una reducida orquesta en la que quizá se echó en falta algo más de sentimiento en los pasajes más líricos, en los que Noseda prefirió la contención a la emotividad. Para cerrar la primera parte, Vivica Genaux cantó Mura felici... Elena! oh tu, che chiamo de La donna del lago y el rondó final de La Cenerentola. Aunque mi posición en el recinto, detrás de la cantante, no me permitió analizar con toda la claridad que hubiera sido deseable su canto y las características de su voz, sí he de destacar la facilidad con la que resolvió las agilidades y sobre todo cómo su voz llenó la inmensidad del Royal Albert Hall, una sala con capacidad para 8000 espectadores, que se dice pronto.

Sir Peter Maxwell Davies

La primera parte fue muy buena, pero el verdadero espectáculo llegaba con las dos obras de la segunda parte, ambas pensadas para una orquesta de tamaño muy superior, con una nutrida sección de percusión y que hacían un uso intensivo del impresionante órgano de la sala, el más grande del Reino Unido, dicho sea de paso. La primera de estas obras, estrenada en 1998 e interpretada por primera vez en el marco de los Proms, fue Roma amor de Sir Peter Maxwell Davies, quien se encontraba presente en la sala y salió a saludar tras su interpretación. La segunda obra, mucho más conocida, fue los Pinos de Roma de Ottorino Respighi. Ambas obras son colecciones de retratos sonoros de la capital italiana en las que podemos encontrar melodías populares, el ruido del tráfico, las campanas de las iglesias o el canto de los niños jugando en un parque, por ejemplo. Ninguna de ellas se acerca en calidad a la obra de Mendelssohn, pero ambas resultaron plenamente disfrutables por el uso que hacen de las sonoridades orquestales, algo que pude disfrutar desde una posición privilegiada, pues estaba sentado justo encima de las butacas del coro, con los músicos y el órgano a escasos metros. Aquí sí me gustó sin paliativos la dirección de Noseda, muy eficaz contolando el impresionante caudal sonoro de la orquesta y muy expresivo. Quizá por lo inesperado, me gustó especialmente la obra de Maxwell Davies, una interesante fusión entre lo moderno y lo clásico, tal cual la propia ciudad de Roma.

Podéis escuchar este Prom, al igual que el resto de los que se ofrecen diariamente en el Royal Albert Hall, en la página de la BBC Radio 3. Pinchad en los siguientes links si estáis interesados:

Prom 29: Primera parte
Prom 29: Segunda parte

Canzonetta Spagnuola a cascoporro

Mira que habré escuchado veces la Canzonetta Spagnuola de Rossini, pero tuvo que venir Cecilia Bartoli a cantarla la semana pasada para que me diese cuenta de todo el potencial que tenía esta pieza. Desde entonces no me la quito de la cabeza y como parece que va a tardar en irse, he pensado que quizá queráis compartir conmigo esta obsesión momentánea. Vamos a escuchar unas cuantas versiones, ya me diréis con cual os quedáis.

Cecilia Bartoli

Vídeo de napat14

Joyce DiDonato

Vídeo de LindoroRossini

Marilyn Horne

Vídeo de Onegin65

Ewa Podlés

Vídeo de trrill

Montserrat Caballé

Vídeo de Onegin65

Vivica Genaux

Vídeo de Gudrun74

Jadranka Jovanovic

Vídeo de Coloraturissimo

Casualidades de la vida: el día de Adolphe Nourrit

Resulta que tal día como hoy en 1828 se estrenó en la Ópera de París La Muette de Portici, de Daniel François Esprit Auber. Resulta que nunca hasta ahora había escuchado nada de esta obra, o si lo había hecho debo reconocer que lo he olvidado, y para suplir nuestras carencias como operófilos tenemos a nuestra disposición el youtube. Resulta que leo por ahí que lo más destacable de esta ópera es el aria Du pauvre seul ami fidéle, que fue interpretada por el legendario tenor Adolphe Nourrit en el estreno de la obra. Resulta que la escucho cantada por William Mateuzzi y me parece una maravilla y decido que esto tengo que traerlo por el blog para que lo podáis escuchar.

Vídeo de Meyerbeer1

Resulta que también tal día como hoy, aunque unos años más tarde, en 1836, se estrenó Les Huguenots, de Giacomo Meyerbeer. Resulta que en aquel estreno, cantando el papel de Raoul de Nangis estaba también Adolphe Nourrit. Resulta que tampoco he escuchado nunca Les Huguenots, aunque de esta sí he escuchado fragmentos muchas veces. Resulta que decido volver a usar el youtube para tratar de paliar mi ignorancia y me encuentro con Nicolai Gedda y Rita Shane cantando el dúo Beauté divine enchanteresse así de bien y pienso: otro vídeo para compartir en el blog.

Vídeo de gruberovito

Resulta que hoy también hay otro aniversario, el del nacimiento de Gioachino Rossini en 1792. Resulta que muchos de los papeles de tenor de las óperas francesas de Rossini fueron estrenados por Adolphe Nourrit: el Néocles de Le siège de Corinthe, el Aménophis de Moïse et Pharaon, el papel titular de Le comte Ory y el Arnold de Guillaume Tell, cuya aria Asile hereditaire vamos a escuchar interpretada, no sin notorias dificultades, por el valiente Marcello Giordani, un tenor que ha aparecido un par de veces en los carteles del Palau de les Arts pero ninguna en el escenario.

Vídeo de Arsace86

¡Que viene Chailly!

Como ya nos adelantaban Zerlina y Atticus, el director italiano Riccardo Chailly ha sido el elegido para tomar el relevo de Lorin Maazel al frente de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, titular del Palau de les Arts. Riccardo Muti y Essa-Pekka Salonen quedan, por tanto, definitivamente descartados. Particularmente los tres nombres me merecen el máximo respeto y me alegro mucho de que el recambio de Maazel sea un director de reconocido prestigio, pero tampoco voy a negar que tenía mis esperanzas puestas en la improbable elección de Riccardo Muti. Pekka-Salonen, a pesar de no estar especializado en la dirección de ópera, seguramente habría supuesto la elección de un repertorio que me habría gustado más que el que previsiblemente nos va a traer Chailly. Pero, repito, los tres nombres merecen mis respetos, son grandísimos profesionales y me alegro de que uno de los valores seguros de les Arts, su orquesta, caiga en buenas manos. Además, el fantasma del mortecino López-Cobos se desvanece y muchos suspiramos aliviados.

Pinchad AQUÍ para leer la noticia en el Levante.

Para que nos vayamos acostumbrando a lo que nos espera, aquí tenemos a Riccardo Chailly dirigiendo la obertura de La Cenerentola en un vídeo que ya tiene unos añitos. Rossinianos, estáis de enhorabuena.


Vídeo de Fuiga

Preparando el concierto de Flórez

Juan Diego Flórez a punto de beber de su cubata imaginario.

El próximo martes 18 de noviembre, si puedo escaparme del curso que con tan mala pata me han colocado los martes por la tarde (yo creía que estas cosas sólo le pasaban a Álvaro), asistiré en compañía de otros habituales de los blogs al concierto de Juan Diego Flórez en el auditorio del Palau de les Arts. Será la primera vez que yo escuche en directo a tan afamado tenor, pero no la primera vez que él cante en Les Arts, pues ya lo hizo hace dos temporadas. En aquella ocasión el concierto tuvo lugar en la sala principal mientras que ahora será en el auditorio, situado en lo más alto del Palau y con una sonoridad deficiente en varios aspectos, como ya comenté tras el Requiem de Verdi de hace unos meses.

Cuando asisto a una función de ópera intento ir con la lección aprendida, dentro de mis modestas posibilidades. Como mínimo, intento haber escuchado aunque sea un par de veces la obra en cuestión, conocer su argumento de antemano y saber dónde están los momentos clave en los que los cantantes deben destacar. Con los recitales no suelo molestarme en prepararlos así, aunque haya obras que no conozco, pero tratándose este de uno de los puntos fuertes de la temporada de Les Arts y siendo yo tan desconocedor del repertorio belcantista he pensado que no estaría de más repasar el programa que nos ofrecerá Flórez. Eso sí, lo haremos escuchando a otros cantantes para no llegar saturados al concierto.

Empezamos con Bellini, concretamente con el aria de Tebaldo È serbata a questo acciaro, de la ópera I Capuleti e i Montecchi. Así la cantaba Luciano Pavarotti en 1966:

Vídeo de midas45

A continuación viene Rossini, el autor cuya música Flórez ha conseguido unir a su nombre indefectiblemente. La primera pieza rossiniana que interpretará el peruano será el aria Tu seconda il mio disegno, de la ópera Il turco in Italia que escucharemos en la voz de Ramón Vargas.

Vídeo de fabiantenor

Y ahora llega lo que puede ser el plato fuerte de todo el concierto, la prueba más dura que Flórez tendrá que superar ese día. Me refiero al aria Asile héréditaire seguida de la cabaletta Amis, amis, secondez ma vengeance, de Guillaume Tell. Tanto el aria como la cabaletta requieren una voz con una zona media intensa y graves audibles que sea capaz de subir al agudo con facilidad, aparte de un canto legato y un control del fiato fuera de serie. Un aria, en principio, más indicada para voces con mucho cuerpo, como la del gran baritenor rossiniano que fue Chris Merritt, a quien pasamos a escuchársela.

Vídeo de philopera

Tras una pausa, Flórez volverá con dos fragmentos zarzueleros. El primero perteneciente a El Guitarrico, de Pérez Soriano y el segundo a Los Emigrantes de Barrera. Los escucharemos cantados por Manuel Ausensi y Alfredo Kraus respectivamente.

Vídeo de lagioconda007


Vídeo de coralrabida

Tras este paréntesis regresa la ópera con el autor que faltaba para completar el trío belcantista, Donizetti. Para empezar, La maitresse du roi... Ange si pur de La Favorite (para los que estamos habituados a la versión italiana de la ópera, Spirto gentil). Escucharemos la versión francesa en la voz de Giuseppe Filianotti.

Vídeo de babyfairy

Y para acabar, los fuegos artificiales: Ah, mes amis de La fille du régiment, conocida como "el aria de los nueve does" o "agudos a cascoporro". Famosas son las versiones de Pavarotti, Kraus o el propio Flórez, pero como los dos primeros ya han salido y al tercero ya habrá tiempo para escucharlo el próximo martes, he elegido a Gregory Kunde.

Vídeo de operaappassionate

Una promesa: Sergey Romanovsky

Me llegan noticias de una jóven promesa rossiniana, el tenor ruso Sergey Romanovsky. Concretamente, me llega un link al foro Grandi Tenori, que desconocía hasta hoy mismo, en el que comentan el siguiente vídeo:

Vídeo de Compozitor

Por lo que he podido averiguar, Romanovsky tiene sólo 24 años y estudia canto en el Conservatorio Chaikovski de Moscú. Actualmente canta comprimarios en la Kolobov Novaya Opera de Moscú, aunque es de esperar que vaya asumiendo papeles de más importancia con el tiempo. De momento, sus vídeos en youtube despiertan la admiración de cuantos los ven, a juzgar por los comentarios dejados allí mismo y en el foro anteriormente citado. Su voz es bella y recia, lejos de la insustancialidad blanquecina típica de algunos tenores ligeros. A la belleza de su timbre se une una técnica que le permite un canto expresivo y variado, unas agilidades muy bien definidas y una ascensión al agudo con aparente facilidad y firmeza.

El año pasado cantó el papel del joven gitano en la ópera Aleko de Rachmaninov en la Quincena Musical de San Sebastián. La crítica del diario Deia decía: "El Joven Gitano tiene poca labor, bien interpretada por el también joven tenor Sergei Romanovsky, con suave color pero poco volumen, como se apreció en su duettino con la Zemphira y en su romance". Es imposible juzgar el volumen de un cantante basándose en un vídeo, pero cuando lo escuché pensé que su voz parecía tener bastante volumen, me sorprende que la crítica diga lo contrario, aunque por supuesto el crítico del Deia lo ha escuchado en directo y por tanto su opinión es la que vale.

Escuchemos ahora a Romanovsky cantando el dúo de Libenskof y Melibea de la ópera Il viaggio a Reims (Rossini) junto a la mezzo Olesya Chuprinova, ambos alumnos del conservatorio.

Vídeo de Compozitor

Y acabamos con su interpretación de E serbato a questo acciaro, de I Capuletti e i Montecchi (Bellini).


Vídeo de archillout

Espero que tenga una carrera larga y fructífera, alguien que despierta el interés del público cuando aún no ha terminado sus estudios no merece otra cosa.

Kasarova en la tele

He aquí dos intervenciones de la mezzo búlgara Vesselina Kasarova en el programa Klassisch!, de la ZDF alemana. ¿No os da envidia el nivel de programación de otros paises? Mientras en Alemania y Francia hay programas semanales dedicados a la música clásica, aquí tenemos El Conciertazo, y ahora que se han quitado de en medio a Argenta supongo que ni eso. Luego se quejan de que nuestro nivel cultural es más bajo que el de nuestros vecinos europeos. En fin, escuchemos a la Kasarova y relajémonos, al menos en internet se pueden encontrar estos oasis que los programadores de televisión nos niegan.

Una voce poco fa, de la ópera Il barbiere di Siviglia (Rossini)


Connais-tu le pays, de la ópera Mignon (Thomas)

Vídeos de hansiclever

La Cenerentola de Ponnelle

Ayer tuve por fin ocasión de ver la versión medio fílmica y medio teatral de La Cenerentola rossiniana que dirigió Jean-Pierre Ponnelle en 1981. A buenas horas, diréis los que la conocéis desde hace tiempo. Pues sí, había visto fragmentos que me habían gustado mucho y tenía ganas de verla entera, pero hasta ayer no se había dado la ocasión. Dejando a un lado lo musical, que es extraordinario, con un Claudio Abbado sentando cátedra y unos protagonistas (Frederica Von Stade y Francisco Araiza) en su mejor momento de forma, vamos a centrarnos en la puesta en escena, en la actuación, en la gestualidad y vamos a acabar rindiéndonos ante ese gran director de escena que fue Jean-Pierre Ponnelle.

El método utilizado para esta película fue grabar primero las voces en estudio para que después, en el escenario del Teatro alla Scala, los cantantes pudiesen hacer play-back y centrarse en la actuación. En principio, es un método que no me parece preferible a grabar una función en vivo, pues se pierde la emoción del directo, pero es cierto que permite jugar más con las cámaras y con los decorados. No fue la única vez que Ponnelle utilizó este método, también están por ahí su Rigoletto, su Madama Butterfly, su Barbiere y otras, pero ninguna de ellas me parece preferible a una grabación tomada del vivo excepto esta Cenerentola y, en todo caso, su trilogía monteverdiana con Harnoncourt.

Veamos un fragmento en el que podremos apreciar el manejo del movimiento y la gestualidad del coro, algo que tanto se echa en falta en muchas producciones actuales, y la capacidad de Ponnelle de conjugar las acciones de los cantantes y la música con resultados divertidísimos. Me refiero a la entrada del criado Dandini (Claudio Desderi) en casa de Don Magnifico haciéndose pasar por el príncipe. Como el vídeo no es insertable, podéis verlo directamente en youtube pinchando AQUÍ.

Pasemos a ver un fragmento correspondiente a una digresión respecto al libreto que se permite Ponnelle. No estoy en contra de las digresiones siempre y cuando haya un motivo para llevarlas a cabo, como es el caso. Aquí Ponnelle pone el aria de Alidoro (Paul Plishka), en la que el sabio hace el papel de hada madrina y cambia el destino de la Cenerentola, en boca de una figura que se presenta como casi divina. No es para menos, pues se trata del mismísimo creador de la obra, Gioacchino Rossini, que aparece además tal y como se le representó en la estatua que se puede contemplar en el propio Teatro alla Scala.

Vídeo de madamemauve

Acabemos con la pieza más lograda desde el punto de vista estético, el sexteto Questo è un nodo avvilupato, donde Ponnelle utiliza las siluetas a contraluz, tan típicas del siglo XVIII en el que sitúa la acción.

Vídeo de gabrilu06